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POESIA (shi)

2011-02-06T11:24:00.000-08:00

Ficha Técnica y Artística

Título Original Shi

Director Lee Chang-dong

Reparto Yun Jung-hee, Kim Hira

País Corea del Sur

Año 2010

Duración 139´

Sinopsis

La historia comienza con el descenso del cuerpo muerto de una chica por un río.

Una abuela cuida de su nieto mientras la madre de éste se busca la vida en la ciudad.

Estamos en el Corea del Sur del siglo XXI. Donde se vislumbran rastros de tradición y un capitalismo salvaje totalmente instaurado.

La abuela hilo conductor de esta historia comienza a perder la memoria, su nieto, con quien vive, es un niño ingrato e insolente que no le hace caso alguno.

La abuela ante su incipiente falta de memoria encuentra que imparten un curso de poesía en la casa de cultura del pueblo, y se anima a participar y a aprender a hacer poesía.

La capacidad creativa y el desarrollo de la misma

Bonita y sencillamente la película nos aporta una serie de pautas básicas sobre la creación. Recordándome las pautas indicadas por Maribel Gómez, psicoterapeuta y psicóloga, en los cursos de El Viaje Mítico de verano, para la realización del Diario estético. El profesor de Poesía como nos decía Maribel indica a sus alumnos que anoten todo aquello que les conmueve en el cuaderno. Lo cuál será la base sobre la que trabajar después en la creación, en este caso de poesía.

A la abuela le resulta extremadamente complicado escribir poesía. En un primer momento, espera la inspiración, que no llega. Aún resultándole frustrante e infructuoso persiste, y sigue las indicaciones del profesor. Quien también les enseña a mirar y ver el mundo con otra mirada, haciendo uso de todo el cuerpo y todos los sentidos. Y la abuela, se dedica a contemplar los árboles, la luz del sol en sus ramas, el viento que las azota, acaricia y hace sonar.

La contemplación nos permite descubrir aspectos, matices, cualidades y estados y a profundizar en nuestros estados y sentir.

¿Y sobre qué se escribe? Es otra pregunta que se hace esta abuela. Pues sobre aquello que nos conmueve profundamente y que por tanto tiene un significado para cada uno. Algo que nos da sentido y ayuda a cerrar, comprender y completarnos.

En este caso, descubrimos cómo es el proceso creativo y de cambio de la abuela, hasta su resolución final. Como en terapia, en el proceso podemos atravesar momentos de dolor y de consternación implícitos en la toma de conciencia de la propia vivencia, relacionados con un choque de valores que generan en nosotros un conflicto interno. En el caso de la abuela es muy evidente este conflicto. En contraposición están los padres los niños del colegio con los que se encuentra en este proceso, quienes no parecen tener conflicto o al menos no se interrogan por el mismo.

Estar en la vida supone conflicto y en el conflicto podemos salir crecidos y cambiados o mantenidos en el status quo sin crecimiento ni cambio.

Capitalismo feroz

Me resulta atenazadora la frialdad, toma de decisión, actitud y acción de estos padres, con respecto al problema que tienen entre manos, en el que la abuela también está implicada. Y además de hacer una reflexión acerca de su nulo cuestionamiento personal y social, reflexiono sobre los valores implícitos y explícitos en su actitud y forma de funcionar, “nuestros hijos, nosotros y su futuro lo primero, caiga quien caiga”. Aterrador. Como base de un capitalismo feroz en el que el dinero lo compra todo. Donde el valor de las cosas es lo que uno vaya a conseguir sin importarle nada. A estas personas no les importa la vida. Les importa lograr.

Percibo una moral en la que matar y abusar de los demás para el bienestar y provecho de uno me generan malestar y rechazo. Está claro que en estos padres y en el capitalismo esto está instaurado hasta el punto que ni se cuestiona porque uno ni lo ve. En el caso de la película, estos padres tienen la posibilidad de verlo y de cuestionarse, pero no se cuestionan. Solo temen por la seguridad económica de sus hijos. Y lo demás no les importa. En ningún caso se plantean qué sienten al respecto con lo acontecido. Se reúnen, cual reunión de negocios y buscan la solución al problema como lo saben hacer, pagando como si pagasen por el uso de un producto. Les falta empatía, y ponerse en el lugar de la chica y en el del hecho mismo. Y acaban celebrando los resultados cual fiesta.

En contraposición tenemos a una abuela que va cuestionándose, cambiando y creciendo con el problema con mayor o menor dificultad.

La historia al respecto del capitalismo nos presenta un mundo de ricos, de gente con dinero que priorizan el dinero y un mundo de pobres que han de someterse y están sometidos a la presión y reglas del dinero.

A este respecto y siguiendo con el interés creativo de la abuela, su recién conflicto familiar e incipiente pérdida de memoria, la abuela se sumerge en su desarrollo creativo, acude a encuentros de poesía. Disfruta, comparte temores, dudas y se cuestiona valores. Retoma la relación con su nieto. Y va resolviendo los problemas con los que se va encontrando con unos recursos limitados por la incomunicación. Hasta que acaba tomándose la justicia por su mano, reconduciendo su historia familiar a un nuevo orden.

Responsabilidad

Este es otro aspecto interesante de la película, el de asumir la responsabilidad de nuestros actos. No se sabe por qué, ni qué sucede que la abuela se está haciendo cargo de su nieto y no lo hacen su madre ni su padre. Del padre no sabemos nada. Parece que vive, pero no se ocupa de su hijo. Y la madre se mantiene ausente en toda la película, apareciendo al otro lado del teléfono en las puntuales llamadas telefónicas de la abuela en las que le informa de su estado de salud y de su recién interés por la poesía.

En este proceso, la abuela le ocultará la información del problema con su hijo y de su estado de salud a su hija, hasta que determina una solución en su soledad.

Falta de diálogo y comunicación

Es otro rasgo que me llama la atención en esta película. Siendo sobre todo al principio de su proceso en el que la falta de diálogo y comunicación son mayores. Desarrollando cierta comunicación a medida que crece su interés y compromiso con la creación y su problema familiar. Curiosamente no llegará a comunicarse con su hija, ni hacerla partícipe.

Y me cuestiono el nivel de agresión de esta abuela hacia su hija y hacia si misma no buscando la implicación de su hija en la resolución del problema de su hijo, buscando ella sola la solución, llegando a sacrificar su dignidad, ¿por orgullo, por castigo?

Ainara Campos

CONTRACORRIENTE

2010-12-28T02:17:00.000-08:00

Ficha técnica

Año: 2009

Director: Javier Fuentes-León

Guión: Javier Fuentes-León

País: Perú

Género: Drama

120 min.

Reparto Cristian Mercado, Manolo Cardona, Tatiana Astengo

Sinopsis

Miguel es un pescador joven y querido de Cabo Blanco, un pequeño pueblo de pescadores de la costa norte de Perú, donde existen tradiciones muy arraigadas con respecto a la muerte. Miguel está casado con Mariela, embarazada de siete meses del primer hijo de ambos, pero tiene un romance extremadamente secreto con otro hombre, Santiago, un pintor que se mudó al pueblo hace un año y que es rechazado por la gente por ser agnóstico y abierto acerca de su sexualidad. Miguel se enfrenta a un gran dilema cuando Santiago se ahoga accidentalmente y regresa, después de muerto, a pedirle que encuentre su cuerpo en el mar y lo entierre, según los rituales del pueblo, para que su alma descanse. Hacerlo sería revelar su relación con Santiago, y arruinar su matrimonio y reputación. No hacerlo, sería sentenciarlo a vagar para siempre.

Miguel se ve forzado a lidiar con las consecuencias de sus actos y a aceptar quién es él verdaderamente, aunque al hacerlo exista la posibilidad de perder a las personas a las que más quiere.

Comentario

Esta película me hace reflexionar sobre la necesidad del tránsito por el duelo ante una pérdida en cada una de sus fases:

1.- Desconcierto e incredulidad. La negación de la realidad, un alejamiento del hecho para intentar paliar los efectos del acontecimiento. Miguel niega su relación con Santiago, es algo fuera de lo común e inaceptable en su comunidad, a pesar de sus sentimientos elige vivir con su mujer y está a la espera de su primer hijo, esta vida encaja en su orden y se aferra a ella. Siente por Santiago un profundo cariño y atracción, permitiéndose revelarlo en la soledad de la pareja, desde el secreto y la negación interna.

2. Tristeza profunda y agresividad. Ante la presión de Santiago por un lado y los incipientes chismorreos de las cotillas del pueblo, se ve amenazado su secreto no aceptado, a Miguel esta vivencia le produce reacciones de ira, descontento y angustia, sintiéndose protagonista de una desgracia que no quiere protagonizar.

3. Desesperación y depresión. Con apatía, tristeza y fragilidad, se va dando cuenta cómo tiene que realizar una elección vital más allá de dejarse llevar por sus impulsos momentáneos, una decisión que le implica perder una de sus vidas, en este caso la vida oculta y negada. En la gestación de la decisión, pierde a su mujer y a su hijo cuando es desvelada la relación que tenía con Santiago. El hecho de ser sincero consigo mismo y por ende con su mujer, es el primer paso que da para la aceptación de su propia vida, y es lo que le ayuda a salir del bucle.

4. Aceptación y paz. Poco a poco va reapareciendo la necesidad de centrarse en las actividades cotidianas, de abrirse a las relaciones sociales, de seguir con su vida. No obstante, nunca se vuelve al estado anterior a la pérdida. Tras este proceso Miguel es otro, seguro de sí mismo, hondo y profundo, una transformación derivada del duelo y de su propia aceptación, hoy es un hombre con mayor comprensión de si mismo que antes del duelo.

La película juega con una doble muerte, la interna de Miguel y la física de Santiago. Me impacta de la película como trata el cómo nos apegamos a los recuerdos ante una pérdida afectiva, bien sea muerte, bien separación, no queriendo soltar al ser querido muerto, en este caso, Miguel seguía teniendo a Santiago en su mente, dialogando con el, no queriéndose soltar de él, aferrándose a su recuerdo y compañía, y solo desde la aceptación de su muerte, y siendo fiel a cumplir el deseo de su amigo, procede a su entierro y es entonces cuando encuentra la paz y definitivamente se libera de su apego.

Os recomiendo esta película, lectores, me ha trasportado a un ambiente de calidez y humanidad extraordinaria, y a una mayor comprensión de cómo el dolor es sanador, y como detrás de la muerte hay vida.

Raquel Lázaro

MAMUT (mammoth)

2010-12-27T02:17:00.000-08:00

Ficha técnica

Título original: Mammoth

Dirección: Lukas Moodysson

País: Alemania, Suecia, Dinamarca

Año: 2009

Duración: 127 min.

Género: Drama

Reparto: Michelle Williams, Gael García Bernal, Thomas McCarthy, Sophie Nyweide

Sinopsis

Película ambientada en varios escenarios internacionales: Estados Unidos, Tailandia y Filipinas. Leo es un hombre que ha alcanzado el éxito en la industria de los videojuegos. Y Ellen, su mujer, trabaja como médico. Ambos viven en Nueva York con su hija pequeña, que, debido a que sus padres están absortos en sus respectivos trabajos, pasa la mayor parte del tiempo con una nanny llamada Gloria, asunto que preocupa en gran medida a Ellen, temerosa de perder el cariño de la pequeña. Un día, y debido a un asunto de negocios, Leo deberá realizar un viaje al extranjero, y a partir de ese momento tendrá lugar un cúmulo de hechos que afectarán de forma profunda a su vida familiar.

Comentarios

Es una bofetada de nuestra realidad actual.

Muestra la vida personal en la globalización de los mercados. Las personas vivimos deprisa, desconectándonos de nuestra realidad, y desconectándonos de nuestras necesidades verdaderas. Me lleva esta película a la necesidad artificial de llenar ese vacío interno con actividad, prisas y ajetreos, un vacío que incluso en los máximos de ocupación sigo dejándolo vacío.

Esta película me lleva a la reflexión de cómo por rutina me creo necesidades superfluas con las que me despersonalizo evitando el contacto con mi más profundo ser, y asilándome de los demás, de la vida.

Desde la película intuyo la inexistencia de una relación yo tu, impedida con el móvil, las PDAs y los ordenadores, suplantando la comunicación visual y táctil por la comunicación digital, impedida por la carga de trabajo no físico, intelectual si.

Reflexiono en cómo quiero estar en un sitio con unas personas estando en otro sitio y con otras personas, y como en medio de este bucle me surge la necesidad de afecto, de cercanía e intimidad, de búsqueda del otro, de búsqueda de armonía, mientras me doy cuenta de que como me impido satisfacer mi necesidad emergente del fondo, que seudo satisfago desde mi fantasía, produciéndome una sensación de lío, confusión e infelicidad.

Muestra el mundo globalizado basado en el consumo en todas las partes del mundo, el poder y la dominación, donde dejamos de vivir la vida en su plenitud para alcanzar mejor estatus y mayores propiedades, comodidades, a costa de no estar donde realmente queremos estar. Me doy cuenta de cómo eludo el detalle y el sabor de las cosas pequeñas, insignificantes precisamente porque las tildo de ello antes de pararme a percatarme de ellas.

Muestra la falta de compromiso con las decisiones que tomamos, a través de la infidelidad, en la película carnal, en la realidad de circunstancias variopintas.

Muestra como no nos hacemos cargo de las consecuencias de las decisiones que tomamos, me doy cuenta de cómo estoy o no en la responsabilidad de mi vida.

Hay una secuencia muy clara de esto, la madre occidental se enfada con la niñera cuando se da cuenta de que su hija está muy interesada con el aprendizaje del Tagalo (Idioma de la niñera) y de sus costumbres.

Muestra como con la globalización, el uso de la tecnología, las prisas, y vivir alejados del presente, nos separa del darnos cuenta de la realidad, del cuidado personal y hacia otros, me doy cuenta de cómo vivo en el fututo, vivo desde lo que voy a hacer, no desde lo que estoy haciendo, sintiendo estrés, angustia e insatisfacción, la expectativa que puse mientras vivía otra cosa, o raras veces concuerda con la realidad de lo que estoy viviendo en este preciso instante.

Muestra como todo esto es una rueda, un círculo vicioso del que es difícil salir y que abarca a todos los países con independencia del lugar que cada uno tiene en este mundo.

La crisis del sistema capitalista en su lado más doméstico.

Raquel Lázaro

LOS AMIGOS DE PETER

2010-12-03T03:40:00.000-08:00

Ficha Técnica y Artística

Año 1992

Duración 102 min.

País Reino Unido

Director Kenneth Branagh

Reparto Emma Thompson, Kenneth Branagh, Hugh Laurie, Stephen Fry, Alphonsia Emmanuel, Imelda Staunton, Richard Briers, Phyllida Law, Alex Scott, Edward Jewesbury, Rita Rudner, Ann Davies, Tony Slattery, Alex Lowe

Sinopsis
Un grupo de viejos amigos se reúne para pasar el fin de año en compañía, tras permanecer separados durante 10 años. Han sido convocados por Peter, quien acaba de heredar una mansión inglesa de su padre recientemente fallecido. Lo que les unió en su momento fue su afición por el espectáculo, y sobre todo, la vergüenza.

Pero con los años sus vidas han ido evolucionando, incluidas sus respectivas neurosis. Así, van apareciendo los invitados de uno en uno: unos padres traumatizados por la muerte de uno de sus gemelos, una vampiresa con su última conquista, una solterona reprimida y chapada a la antigua que se refugia en los libros y un productor de Hollywood con su seudo famosa mujer obsesionada con la delgadez. El anfitrión de este grupo variopinto es Peter, un hombre que en un momento difícil de su vida quiere estar acompañado de quienes considera sus amigos.

La navidad

La navidad la vivo yo en la actualidad, y entiendo que es un sentimiento cada vez más generalizado, como una fiesta sustentada en valores exclusivamente consumistas, disfrazados de motivos amables e inclusivos. Una fiesta que ensalza la competitividad salvaje bajo la imagen de valores universales de fraternidad y amor. En definitiva, una celebración cuasi obscena. No es pues de extrañar que las tradicionales, y en muchos casos, obligadas reuniones familiares y de amigos, estén muchas veces teñidas de ésta misma hipocresía. Y si bien escuchando los comentarios de las personas de mi entrono ésta parece una concepción de la navidad compartida, no parece suponer motivo suficiente para un cambio actitudinal acorde con la realidad percibida, ¿por qué no? ¿qué hace que sigamos la rueda, aún sabiendo que la rueda está viciada? ¿cómo es que contribuimos como ovejas mansas a unos valores que nos dañan?

Los amigos de Peter se reúnen para celebrar la Nochevieja juntos y aunque no lo hacen teniendo como eje fundamental la navidad, durante los tres días que pasan juntos ponen de manifiesto todas aquellas taras que encontramos en la mayoría de las familias y que maquillamos, generalmente sin mucho éxito, para contribuir a la imagen de amor y unión que se requiere de nosotros en estas fechas.

La familia…de amigos

Y así se encuentran estas ocho personas juntas, que en su día tenían sentido, en las navidades de 1992 en una enorme mansión inglesa. A los primeros saludos formales teñidos de alegría histérica les siguen los primeros flashes de la neurosis de cada uno, que van manifestándose hasta alcanzar su máxima expresión en cada uno de los invitados en momentos diferentes de la trama, hasta llegar al punto de preguntarse qué están haciendo juntos, y para qué se han reunido. Y precisamente ésta es la pregunta que no acabamos de hacernos y quizá sería saludable que nos hiciéramos en las cenas y comidas navideñas. ¿Qué estoy haciendo aquí? A la que podrían seguir otras como ¿Quiénes son estas personas que están sentadas a mi lado? ¿Qué vínculo me une realmente a ellas más allá de lo familiar? ¿Y es este motivo suficiente para venir hoy aquí y estar con ellas?

Estas y otras preguntas parecidas podrían llevarnos a descubrir la motivación real de estas reuniones para cada uno de nosotros, pudiendo dar así un sentido y un valor más humano y personal a las mismas, en caso de que este cuestionamiento de la realidad tenga como respuesta una continuidad de la reunión.

En su día este grupo de amigos lo tenía claro, les unía la vergüenza, hoy, en 1992, el haber sido invitados por un querido amigo del pasado. Y ¿para qué? La motivación del amigo es querer estar junto a personas que en su momento sintió cercanas para compartir con ellas una situación personal difícil y posiblemente para sentirse acompañado en este momento de soledad vital.

La amistad

Y es que pese a todo, en los momentos difíciles, uno necesita estar con aquellas personas que en algún momento tuvo un vínculo. ¿Para qué? No tengo la respuesta. Se me ocurren varias como sentirse acompañado en la más aséptica soledad, sentir calor en un momento en el que la realidad se vuelve crudamente fría, tener por un instante la fantasía de poner los pies en el suelo ante el aterrador vértigo que provoca el vacío existencial, una manta concreta aquí y ahora ante el agujero negro de la eternidad del infinito…Soy una persona escéptica y si bien en algún momento de mi vida he sentido este calor, este suelo, esta manta…en compañía humana, luego, cuando está compañía se ha dispersado, cuando sólo la soledad se ha quedado a hacerme compañía y las únicas mantas que se han quedado a arroparme han sido las de mi cama, las reales y no metafóricas, vuelvo a caer en el agujero negro y me vuelvo agujero y me vuelvo negra e infinita y sólo el terror que siento me recuerda que estoy viva y que soy humana, entonces me pregunto ¿para qué la amistad?¿qué es?¿con quién? Y sobre todo, ¿merece la pena vivirla sabiendo que es sólo para un instante?

Dicen que tendemos a tener dos posturas ante la vida, acumular por miedo a perder, y no tener por miedo a perder, en ambos casos lo que habría detrás es una no aceptación de lo efímero de la vida. Como es evidente, soy una de esas personas que teme tener porque sabe que perderá y que eso le dolerá. Me cuesta aceptar el dolor, tiendo más a la desconexión. Pero últimamente me estoy atreviendo a vivir momentos de conexión y a vivenciar el dolor que me causa vivir aquí y ahora, en un mundo que siento cada vez más espeluznante y en el que me reconozco impotente y sola. Y al mismo tiempo, paradójicamente, cada vez aprecio más la relación con otras personas, quizá porque soy algo más capaz de apreciar la compañía en la soledad. Asimismo, cada vez siento que es menos importante haber tenido un vínculo previo con las personas con las que me encuentro para sentirme acompañada, pues, en realidad, si bien percibo que en cierto plano existe una diferencia entre estar con alguien que conozco desde hace mucho tiempo o con alguien que no conocía previamente, veo que en su esencia, la cualidad y calidad de la relación sólo depende de ti y de mi aquí y ahora y en el contexto en el que nos encontramos, hayamos o no estado antes juntos o estemos o no después.

Ttala Lizarraga

BUSCANDO A ERIC (looking for eric)

2010-11-15T10:09:00.000-08:00

Ficha Técnica y Artística:

Título original: Looking for Eric
Dirección: Ken Loach

Intérpretes: Steve Evets, Eric Cantona,Stephanie Bishop, Gerard Kearns, Stefan Gumbs, Lucy-Jo Hudson, Cole Williams,Dylan Williams

País: Bélgica, España, Francia, Italia, Reino Unido

Año de producción: 2009

Sinopsis

Eric Bishop es un cartero de Manchester abatido por su vida personal. Desde que su segunda mujer le abandonó, está al cargo de dos hijos adolescentes y problemáticos, quienes con su irresponsabilidad le complican la vida. La hija que tuvo en su primer matrimonio le pide que se ocupe de su bebé, y este hecho conlleva que tenga que ver cada día a su primera mujer, Lily, a la que él abandonó hace muchos años sin ninguna explicación, y de la que sigue enamorado.

Una noche, en su habitación, mirando un póster de su ídolo futbolístico, Eric Cantona, le pregunta en voz alta cómo afrontaría él sus conflictos si estuviera en su lugar.

El viaje

Eric se siente desbordado y en su desesperación, lo mismo que descontrola el coche que conduce, pierde el control de su vida. Ante su evidente apatía, sus compañeros de trabajo, y a la vez amigos, intentan confortarlo y cuando le descubren en actitud negligente, no sólo no le juzgan sino que le ayudan.

En su desaliento invoca a su ídolo, Cantona, a quien le atribuye la voz de su “otro-yo”, su “alter-ego”.

Cantona, un bronco y brillante futbolista del Manchester United ya retirado, le va procurando mensajes conforme va afrontando los obstáculos.

Eric es un hombre que vive los errores cometidos como una pesada losa, impidiéndose hacer progresos en su vida. Su alter-ego le transmite que siempre hay más opciones de las que creemos, sólo hay que probar. Nada es definitivo y ver los errores como efectos no deseados pero reversibles, nos concede poder tomarlos como oportunidades válidas para nuestra experiencia, y nos reconcilia con la imprevisibilidad y la incertidumbre de la vida.

A Eric, la voz de su otro-yo le revela que el sentimiento de soledad es lo que induce indagar en el interior para buscar la meta. Eric descubre que comunicar la verdad de sus sentimientos le otorga una claridad y una fuerza. Y cuando la necesidad es decir “no”, la autoridad que obtiene al dejarse sentir es suficiente para poderlo decir.

A Eric se le manifiesta la importancia de confiar en sus compañeros, en sus amigos, en la gente que quiere; la necesidad de arriesgar, de compartir los problemas para intentar resolverlos.

Una vez ahí, hemos de atrevernos a pedir, manifestar qué me pasa, qué necesito. El trabajo en equipo, el compañerismo, la complicidad con quienes tengo al lado se va desarrollando conforme nos vamos mostrando, y esto requiere asumir el riesgo a que me digan “no”. Ampararme en que “no puedo”, pedir por vergüenza, por orgullo…, es sólo una excusa para evitar que me den una respuesta negativa, y esta actitud me aporta un estado de aislamiento en donde, efectivamente, no doy oportunidad a que me rechacen pero tampoco me dejo experimentar que me quieran ayudar, que me quieran dar.

En la película, la colaboración del grupo de amigos es fundamental para que Eric pueda manejar la complicada y arriesgada situación que atraviesa.

En la vida hay momentos en los que puedo actuar solo y otros en los que no. El quid de la cuestión es darnos cuenta de que no podemos salir solos de los problemas, necesitamos siempre de alguien que nos ayude. Otra cosa bien diferente es que lo que haya de hacer, para resolver, sea un asunto a realizar yo solo.

El ataque de pánico de Eric ante las advertencias y gestos de su padre revela el profundo enganche que tiene con él. El hecho de no atender y revisar el poder destructivo que la opinión de su padre ejerce sobre él implica que no sea dueño de su vida. No podemos ejercer nuestra propia autoridad hasta no apropiarnos de nuestra identidad. Eric sufre las secuelas de haber dejado un asunto inconcluso y hasta no resolverlo no puede apropiarse de su vida.

La clave es resolver, cerrar y despedir. Sólo escuchando mi voz interior resuelvo qué quiero, ahí cierro y quedo disponible a cualquier intercambio. Si lo dejo pendiente, no actúo en función de lo que vivo en el presente, sino de lo que se me despierta por aquello que viví en el pasado y dejé sin concluir.

“Buscando a Eric”, con un tono amable y sentimental, muestra la oscuridad de los suburbios donde amenaza la tentación delictiva, la brutalidad infame de la policía, la soledad crónica y las familias hechas mil pedazos. Y en medio de todo esto revela la necesidad de confiar.

Lily, la primera mujer, con su manera de hacer las cosas con naturalidad, sin artificios, significa la confianza y la seguridad que uno decide tener. Y esto, lo sentimos auténtico al verlo enraizado en una vida difícil como la suya.

Es, en definitiva, una entrañable historia que nos habla de la aceptación de uno mismo y la superación de los problemas personales con la ayuda de los demás, un testimonio en contra del individualismo, y cómo un grupo unido es más que la suma de sus integrantes.

Como en el fútbol, el trabajo en equipo prevalece sobre las individualidades.

Mª Esther Santamaría

DESPEDIDAS (okuribito)

2010-11-11T06:48:00.000-08:00

Ficha Técnica y Artística

Título original: Okuribito (Departures)
Director: Yojiro Takita
Actores: Masahiro Motoki, Tsutomu Yamazaki, Ryoko Hirosue, Kazuko Yoshiyuki
País: Japón.
Año: 2008
Duración: 131 min.

Nos acerca a la experiencia de la muerte. En concreto al proceso de duelo por la pérdida de un ser querido. Y también A la muerte de un estilo o modo de viva con la pérdida de una profesión, por despido, quiebra o cese de una actividad. A la muerte como muerte social por pérdida de status. A la muerte por suicidio. A la muerte por accidente. Acercándonos a ver y conocer la muerte desde distintas perspectivas desde las que seguro nos recocemos en alguna.

Con cada una de estas muertes hay asuntos psicológicos y personales que se mueven, al “moribundo” antes de morir, y a quien o quienes quedan vivos tras la muerte del difunto.

La vida y la muerte son elecciones. La vida implica energía, ánimo, tesón, esperanza, alegría de vivirla. La muerte es el fin de todo esto.

La muerte se da y también puede ser elegida. ¿Qué nos lleva a elegirla? La desesperanza, el odio, vivir creyendo que no hay salida. Aunque también llevamos las cosas a la muerte, entendida la muerte como el cese o término de una actividad ó relación, cuando ya no nos satisface. En el caso del protagonista, aprovecha su despido de la Orquesta para dejar su trabajo de músico, que al parecer no le satisfacía y le acarreaba una deuda económica grande, y decide regresar a su casa de la infancia. Cerrando y comenzando, sin ser consciente de ello, una nueva obertura de su vida que le llevará a reintegrar su identidad en un viaje hacia su infancia, y dar comienzo así de nuevo su vida.

La muerte puede ser más o menos consciente, igual que la vida. Cuanto más consciente más plena, segura y apacible. Cuanto más inconscientes seamos más asuntos pendientes tendremos por resolver y por lo tanto menos ligeros, enérgicos y satisfechos viviremos.

En esta ocasión me voy a centrar en el viaje que hace el protagonista al abandonar su oficio, morir como músico profesional, con todo lo que le implica y regresar a su casa de la infancia. Es un viaje de regreso, y en principio cuenta con el apoyo de su pareja, quien le acompaña.

El protagonista, Daigo vuelve a casa y se encuentra sin dinero y con la necesidad de buscar trabajo. Busca y encuentra un trabajo “que ayuda a viajar”, le conceden una entrevista y va a conocer de qué se trata el trabajo. Para su sorpresa, el trabajo es de amortajador. Horrorizado primero busca el error en el anuncio, quiere negar la evidencia, y noqueado y tras soltarle su nuevo jefe un buen fajo de billetes acepta el trabajo. Taciturno se va a casa y con el dinero compra buena comida para cenar con su pareja. El protagonista le oculta nuevamente a su mujer lo que le acontece con respecto a su nuevo trabajo.

Pasan los días y Daigo con su nuevo trabajo va aproximándose a la experiencia con la muerte, pasando por diferentes estados, de aterrado, a apestado, a apartado, y finalmente a abandonado. Y su historia se repite, vuelven a abandonarle. Mientras, Daigo va aceptando su trabajo y la experiencia de la muerte, y sobre todo y a través del contacto con las personas con las que trabaja, compañer@s, familiares del difunto y el difunto mismo, va entrando en la esfera de la intimidad, cercanía y contacto con las demás personas, a quienes ve dolerse, enfadarse, expresarse e incluso pegarse ante la muerte de un ser querido.

En esta fase de la película podemos ver los distintos asuntos psicológicos que están en juego en el proceso del duelo, que estaban presentes en las vidas de estas personas, siendo los conflictos y conflictivos los que estaban sin resolver y que con la muerte afloran. Afloran las culpas, los rencores, los temores, etc. Y menos mal, porque aflorando y siendo conscientes de ello es la única forma de que se den cambios. Este acercamiento a las personas y familiares de los difuntos es lo que le permite a Daigo contactar y dinamizarse con sus propios asuntos psicológicos, que estaban ocultos hasta emprender este viaje y que han aflorando y cambiando de tono emocional a medida que su proceso de duelo se va dando. Además estos familiares les agradecen a él y a su jefe, el trabajo realizado con sus difuntos, un trato de cuidado y respeto que les conmueve.

CONMOCION significa con movimiento. A medida que Daigo se acerca a esta vivencia más humana, afloran sus recuerdos, capacidad expresiva y de compartirse con sus compañeros de trabajo, su jefe y la secretaria. Ser amorosos y respetuosos es lo que todos necesitamos y lo que nos cuesta ser cuando estamos imbuidos en asuntos psicológicos sin resolver.

En estos momentos de la historia su mujer le abandona cuando se entera de su nuevo oficio. Así que Daigo se queda solo, dedicado a su trabajo y en compañía de sus compañeros de trabajo. Su viejo mundo se ha ido.

En estos momentos de soledad y compañía con sus compañeros, llega la navidad. Y todos comparten sus tristezas y en el caso de Daigo rabia por el abandono de su padre cuando era un niño.

Daigo se muestra con desprecio hacia el recuerdo de su padre, comienza a hablar de su padre, hasta ahora no decía nada.

La mujer de los baños fallece. Daigo tenía un afecto positivo y un vínculo con esta mujer, era a quien y a dónde recurría cuando estaba triste cuando niño. Daigo al despedirse de esta mujer le agradece todo lo dado, aportado, vivido con ella, renaciendo en él la capacidad de vincularse positivamente con su padre, con quien recuerda se comunicaba y compartía íntimamente. Ahora Daigo también su capacidad de vínculo positivo con su mujer.

Con la muerte de su padre vemos como Daigo al abandonarle su padre se quedó congelado en aquella vivencia y situación. Congelado, borroso. Sin poder asimilar lo acontecido, encerrándose en sí mismo. Así pues anclado en esa situación de pérdida y despedida sin hacer ancla su forma de vivir, actuar en la vida a aquel momento y repite su historia una y otra vez. Abandonándole y dejándole una y otra vez, igual que como con su padre. Pero esta vez Daigo hace un cambio, al emprender este el viaje tras su pérdida de empleo se da sin ser consciente, la oportunidad de reestablecer la relación con su padre.

¿Cómo es este restablecer la relación con su padre? Vemos primero sus resistencias, primero lo rechaza, se niega, no quiere, entonces su compañera de trabajo le dice que lo haga, comparte con él su experiencia de abandono. Se enternecen, se ablandan. Daigo, primero huye, se escapa, lleno de rabia echa a correr, se para, y decide acercarse a su padre.

¿Qué sucede en el reencuentro con su padre?

Teniendo en cuenta que las personas construimos nuestra identidad en base a lo vivido con nuestros padres, Daigo al reencontrarse con su padre descubre que su padre no lo ha olvidado, y lo ha tenido presente. Daigo entonces se puede doler y se duele por la perdida de su padre, cerrando la vieja situación pendiente y recupera entre otras cosas la importancia de si mismo.

Y el nuevo orden de su vida se da. Daigo dispone ahora de la capacidad de vincularse positivamente ahora con las demás personas.

Apoyos de Daigo en su proceso, su nuevo jefe. Un jefe claro, presente, generoso, y conciso. Que le acoge y enseña y con quien llega a intimar y ser un igual. Su secretaria sincera, clara, cariñosa, tierna, cercana y firme. El violonchelo, como medio de unión, expresión y vehículo para contactar con el pasado. Su pareja animándole con su frescura e ingenuidad a emprender un viaje al pasado. Su trabajo y las personas con las que entra en contacto y relación.

Para recobrar y reintegrar nuestra identidad necesitamos cerrar estas situaciones del pasado donde nos quedamos atorados y que nos hacen vivir una vida limitada, parcializada y repetida. En la terapia trabajamos esto, para volver a una vida más expresiva, compartida y en unión con lo/s demá/s.

Con esta historia vemos un ejemplo de duelo pendiente, un duelo pendiente de realizarse y que marca toda una vida desde la incomunicación, la cerrazón y el odio. Y vemos como uno se abre de nuevo a la vida que es compartir, expansión, a través del dolor y del placer en el proceso de vida y de duelo.

Ainara Campos

louise-michel

2010-11-03T08:45:00.000-07:00

Dirección: Gustave Kervern, Benôit Delépine.

Actores: Yolande Moreau, Bouli Lanners, Bwnôit Poelvoorde, Albert Duzontel.

Nacionalidad: Francia.

Año: 2008.

Duración: 94 min.

En la fábrica de algún lugar de Picardie, un grupo de obreras se queda sin trabajo, justo después de que la dirección les asegura que, a pesar de los rumores, la fábrica no va a cerrar. Como muestra de buena fe, la dirección regala a cada una de ellas una bata con su nombre, hecho que merece una celebración conjunta en un bar del pueblo. A la mañana siguiente cuando van a trabajar se encuentran que el hangar en el que se encontraba la fábrica está vacío.

La dirección les ha ofrecido una indemnización. Diez de las trabajadoras se reúnen y deciden aunar su dinero y hacer algo con él. Entre las acciones que se barajan están: montar una pizzería, hacer un calendario de ellas desnudas y matar al jefe. Gana está última por unanimidad. Contratarán a un sicario para liquidar al jefe. ¿Con qué fin? La venganza supongo.

Esta es una película extraña, la primera palabra que se me cruza por la cabeza es “absurda” pero no es del todo correcta, hay algo en ella que la hace menos absurda que la realidad que nos cuentan a diario los medios de comunicación. Supongo que resulta irreal en cuanto a su tono exagerado sobre todo por el número de situaciones que se suceden una detrás de otra. Supongo que la palabra adecuada es surrealista.

Ciertamente la venganza como trama no es algo nuevo, ni en una película ni en la vida. La venganza ante un acto de injusticia social que además se realiza de una forma tan sucia, creando expectativas innecesarias que hacen que la caída sea más dura, pone al espectador de lado del vengador. Y así sucede en esta película. Es curioso que incluso al final, cuando hieren a personas inocentes una no acaba de tener claro lo que siente, pues para entonces, se ha encariñado con estos personajes marginales y tras tantas situaciones chocantes, ha perdido los parámetros del bien y del mal establecidos socialmente.

Sus protagonistas principales son Louise y Michel. Louise trabaja en la fábrica; es una mujer grande de movimientos torpes poco integrada entre las trabajadoras. Vive sola en un edificio que está a punto de ser derruido, pero como Louise no sabe leer y tampoco socializa con el vecindario, no se entera hasta que éste se cae tras de sí un día después de quedarse sin trabajo. Está aprendiendo a leer, le enseña un niño de su vecindario, pero hasta el momento sólo ha aprendido las vocales. Debido a que ella es quien propone el asesinato del jefe y se encarga de encontrar al asesino comienza a relacionarse más con las personas, con las trabajadoras de la fábrica primero y con el asesino que contrata y su vecino después.

Michel es el sicario. No es quien Louise pensaba contratar pero debido a la casualidad se encuentra con él y comienza su relación. Éste es un hombre desgarbado, torpe y chapucero que juega al espionaje y que en realidad nunca ha matado a nadie, ni es capaz de hacerlo, a pesar del dinero que le ofrecen pero tiene la suficiente astucia y amoralidad como para encontrar una salida.

A ambos les une su pobreza y su marginalidad. Lo que les diferencia, Michel vive en un mundo fantástico de película americana mientras que Louise es muy realista, incluso cuando la realidad tiene tintes de película surrealista, toma la vida como viene y responde con total naturalidad.

Uno de los temas fundamentales que retrata la película es la desigualdad y la injusticia sociales. Una injusticia ante la cual las oprimidas, las maltratadas, se sublevan; dicen basta. Ante el pitorreo al que han sido sometidas: mentidas, despojadas de sus medios de vida, e “indemnizadas” miserablemente, deciden juntar esas “indemnizaciones” ridículas y hacer algo de provecho con ellas. Algo que si bien no les va a resolver la vida, las va a indemnizar moralmente, o al menos así parecen creerlo. Ciertamente, esta espectadora, al ver cómo se cargan a unos personajes insensibles y rastreros que han engañado, humillado y dejado en la calle a personas que viven en una situación tan precaria, no ha podido sino sentir una descarga energética placentera, supongo que debido a una proyección de aquellos asuntos de injusticias que tengo pendientes y que probablemente nunca tendré ocasión de vengar. Dicen que la venganza no es el camino, probablemente no lo sea, pero qué bien sienta cuando una la ve en la pantalla.

En este reflejo de las clases sociales los ricos son obscenamente ricos y los pobres viven en la más absoluta pobreza y marginalidad. Todos parecen estar enfermos, los ricos con enfermedades de ricos: está el gran magnate colgado al teléfono a cada instante comprando y vendiendo acciones sin parar, cosificando a las personas de su entrono, empleados, mujer, hijo…y jugando con ellos como si de muñecos de lego se tratase, mientras corre en la cinta de su gimnasio privado o se tumba al sol en la hamaca junto a la piscina de su mansión, nada de lo cual es capaz de disfrutar. También encontramos al jefecillo de la fábrica que se pasa el día ocioso en su cochambrosa oficina con la ilusión de ser poderoso por tener un pelota con ansias de poder que hace su trabajo sucio, el último, mentir a las trabajadoras sobre las condiciones laborales en las que se encuentran. El grado de despersonalización de las clases sociales altas llega hasta el punto en el que la sede de un grupo empresarial está formada por buzones con los nombres de cada empresa integrante, sin que haya seres humanos a los que dirigirse, ni siquiera para liquidarlos.

Y están los pobres, con enfermedades de pobres: el desempleo, la falta de dinero con el que cubrir las necesidades más básicas como la comida, el desahucio de sus casas, el analfabetismo, que pueden llevar a situaciones tan grotescas como que no puedas leer un anuncio que lleva tres meses escrito en la puerta de tu edificio que te anuncia que va a convertirse en cenizas y vas a quedarte sin él y, así de pronto ya no tienes un lugar donde vivir, ni siquiera un lugar al que acudir para reclamarlo. Por lo que sólo te queda la impotencia, la sensación de que no puedes hacer nada, cuando se vulneran tus derechos impúdicamente. Es por eso quizá que una medida tan extrema e inaceptable desde un punto de vista más racional, emocionalmente puede llegar a resultar aceptable.

Unos que tanto tienen parecen tener miedo a perderlo y acumulan obsesivamente convirtiendo todo su mundo en un cúmulo de cosas inertes que compran y venden a destajo; los otros que tan poco tienen, ven impotentes cómo les quitan incluso ese poco que poseen y encuentran como única vía de salida a su impotencia la falsa sensación de poder que puede dar quitar la vida a otra persona. Ambos juegan a ser Dios a su modo, quizá para no asumir, que pobres o ricos, somos impotentes ante lo que seguro nos depara a todos, la muerte.

Los excluidos sociales son asimismo parte fundamental de la trama, esas personas que la sociedad quisiera que se movieran al margen y a los que se les reserva los espacios más alejados y los tiempos más oscuros. Esos espacios y esos tiempos que por otro lado persistimos en mantener para poder visitarlos cuando nuestros fantasmas más oscuros están cansados de tanta hipocresía y necesitan descansar en estos márgenes, aireando sus instintos más inconfesables y perversos (por irreconocidos), permitiéndonos así mantener intacta la ilusión de vivir en un mundo pulcro e impoluto. Así entre otros en la película se manifiestan los ex reclusos, los travestidos, los sicarios, los paranoicos reconocidos, los transexuales, los moribundos, los enfermos, los emigrantes, los desempleados…que participan y sostienen el devenir “oficial” del sistema y que parecen invisibles en la convivencia diaria. La película refleja estupendamente este aspecto en un momento en el que Louise y Michel preguntan la dirección de una calle a un peatón trajeado y éste continúa su andar como si ni siquiera reconociera su existencia. El efecto que produce en mi es la de la existencia de dos planos de realidad paralelos en términos de espacio y tiempo que no pueden comunicarse entre sí. Para el rico los pobres no existen y para los pobres el rico parece un autómata al que no llega su voz. Para cada uno el otro es un fantasma.

Mi simpatía como espectadora está sin duda con los pobres y marginados incluso cuando cruzan la línea de lo moralmente aceptable para mí. Por desgracia, tengo que confesar que en mi vida diaria estoy más cerca del autómata hipócrita que contribuye a mantener con su estilo de vida la pobreza y la marginalidad, que, como dice Laurie Anderson, “calla en tres idiomas diferentes” y consiento así con mi silencio la desigualdad y la injusticia sociales.

Esta película está dedicada a Louise Michel, una destacada anarquista francesa que fue una de las principales figuras de la Comuna de París (breve movimiento insurreccional que se produjo en 1871 y gobernó la ciudad de París durante tres meses y en el que se instauró el sufragio universal y un proyecto político comunista autogestionado), y que estuvo incansablemente comprometida con todas aquellas causas sociales y políticas dirigidas a lograr la igualdad y la justicia sociales. Además, era poetisa, escritora y educadora. Si bien la película no reproduce directamente los hechos de la vida de Louise Michel, sí tiene aspectos que reflejan el tono de su vida.

Ttala Lizarraga

SABIDURIA GARANTIZADA (erleuchtung garantiert)

2010-10-14T00:54:00.000-07:00

Ficha Técnica y Artística

Título Original: Erleuchtung garantiert
Dirección: Doris Dörrie.
País: Alemania.
Año: 2000.
Duración: 89 min.
Interpretación: Uwe Ochsenknecht, Gustav-Peter Wöhler, Petra Zi.
Fotografía: Hans Karl Hu.
Montaje: Inez Regnier y Arne Sinnwell.

Es la historia de dos hermanos, dos personas insatisfechas y perdidas que, uno por decisión propia y otro prácticamente empujado por las circunstancias, emprenden un viaje a Tokio que les llevará a encontrarse a sí mismos.

Gustav es un hombre interesado en el mundo espiritual y del conocimiento personal. Practica la meditación y es experto en feng sui. En su búsqueda de paz interior decide hacer un viaje a Japón donde quiere pasar un tiempo en un monasterio budista.

Por otro lado, su hermano Uwe, un padre de familia, un hombre egoísta y machista, vendedor de cocinas es abandonado por su mujer, quien una mañana, sin previo aviso, se va de casa con sus cuatro hijos dejándole una nota que dice que no la busque.

Uwe en su inconsciencia, se queda totalmente sorprendido y sólo, y desesperado llama a su hermano en busca de consuelo y se presenta en su casa justo la noche antes de que éste emprenda su viaje.

Miedo e inseguridad

Gustav es un hombre inseguro y miedoso. Uno de sus grandes miedos es perderse, y es precisamente, esto lo que le sucede en Tokio, en una de las ciudades más concurridas del planeta donde además no hablan su idioma. Y tal y como ocurre en la mayoría de las fantasías catastróficas cuando se hacen realidad resultan más asumibles de lo que pensábamos previamente. En un principio con su hermano, pero luego sólo y sin dinero, encuentra la forma de comer e incluso de relacionarse. Cuando la necesidad aprieta…

No obstante, éste sólo es el principio del viaje de Gustav a las profundidades del miedo y la inseguridad, pues el mayor miedo es el que se encuentra dentro, ese que está anclado en el cuerpo y se origina en vivencias infantiles o traumáticas. En este caso, se trata del miedo a no hacerlo bien, a equivocarse, que paradójicamente lo lleva a equivocarse una y otra vez y a sufrir innecesariamente. Por lo tanto, éste viaje es un viaje hacia dentro que realizará en compañía de su hermano y de los monjes budistas del monasterio en el que se encuentran retirados. Es un viaje sin el cual no adquiriría conciencia del miedo con el que vive en el día a día y que le impide vivir plenamente su vida.

Cuestiones para la reflexión:

Me resulta curioso observar la existencia de culturas en las que se conoce cómo atravesar el miedo, como integrarlo en la persona para que éste tenga la función para la que existe, alertarnos del peligro real para poder evitarlo. Es decir, uno no está a merced del miedo, es el miedo el que hace la labor de informar sobre posibles peligros a los que uno decide o no responder.

Y por otro lado, están otras culturas, como la nuestra, en la que el miedo se emplea como herramienta para el control y el sometimiento, es decir, se favorece el estar a merced del miedo, haciéndonos perder toda referencia de los peligros reales y con ello despojándonos del poder de decisión y acción consciente con respecto a nuestras vidas.

Existen ambas opciones, y ambas son conocidas en el planeta. Y yo me pregunto ¿Cómo es que en occidente nos decantamos por vivir con miedo? ¿Cómo es que preferimos someternos, a ser libres? ¿Es que estamos paralizados por el miedo? ¿Es posible sustraerse a las estrategias de inyección de miedo diseñadas de forma deliberada?

Abandono y pérdida

Uwe sufre una pérdida inesperada, su mujer se marcha de pronto de casa con sus tres hijos. Es inesperada para él porque, por lo que parece, el vaso de paciencia o tolerancia a las agresiones a Petra, su mujer, se ha ido llenando gota a gota, día a día, hasta desbordarse, ya ha tenido suficiente.

Pero si bien este tipo de decisiones se van barruntando poco a poco, el acto en sí sucede de un día para otro y en este caso más pues ella se marcha por sorpresa, por la mañana al irse Uwe tiene mujer y tres hijos y cuando vuelve por la tarde ya no. No hay opción a réplica, a ruegos o preguntas, nada, de hecho, no es consciente de que algo en su matrimonio fuera mal, ni siquiera de su nivel de agresividad o trato vejatorio hacia su mujer.

En este momento él, incrédulo, comienza a llorar y llama a su hermano en busca de consuelo, hermano, con el que por otra parte, no parece tener mayor relación. Pero Uwe no es una persona que comparta sus emociones y probablemente no cuenta con un círculo de amigos a los que confiarse, por lo que en estos momentos en los que se encuentra desbordado acude al vínculo emocional más cercano, su hermano.

Uwe pasa por las fases de duelo de negación primero y rabia después. En un principio no puede creerse lo que le ha sucedido, coge una cámara y se dirige desde ella a su mujer, quizá en un intento de cubrir esa necesidad de comprender, replicar, preguntar, o al menos de ser escuchado. Fantasea que habla con ella en un intento de negar su ausencia y es muy posible que lo haga dirigiéndose a esta ella virtual como nunca lo ha hecho con la Petra de carne y hueso.

Más adelante llegará a la rabia. Rabia, rabia, rabia, rabia…que habrá de sentir en toda su plenitud para poder atravesarla. Y es que esté será el viaje de Uwe, que ha necesitado que lo abandonaran para ser consciente de su rabia y depurarla.

Cuestiones para la reflexión:

“La vida no te da lo que quieres sino lo que necesitas”, esto es algo que escuché hace un tiempo de boca de un director de cine cuando le preguntaron si creía que iba a ganar el oscar al que estaba nominado. Si bien esta afirmación puede, equivocadamente a mi parecer, servir de excusa para no dolerse plenamente de la frustración que puede provocar la pérdida, también es cierto que a veces necesitamos que algo doloroso suceda, algo que escapa a nuestro control y no tiene vuelta atrás. Pues son estas situaciones las que nos dejan sin los anclajes que nos servían para asentar nuestra cómoda existencia y empujarnos a plantearnos nuestra vida de un modo diferente, a cambiar y decidir vivir de un modo más consciente y pleno.

El cambio supone dolor e incomodidad y si bien esto siempre fue difícil, cada vez existe menor cabida para el cambio en una sociedad dirigida a la comodidad, a mantenernos anestesiados e inútiles dándonos de mamar fantasías de bienestar que no nos sacian pero que nos mantienen en la ilusión de estar bien alimentados. Así nos convertimos en niños glotones que nunca tienen suficiente, y nos vamos alejando cada vez más de nuestras necesidades perdiendo así nuestra referencia básica y fundamental para llegar a una vida plena y satisfactoria, el hambre. Es decir, dejamos de saber cuanta hambre tenemos, y de qué estamos hambrientos, y dejamos de saber lo gustoso que es beber un vaso de agua fresca cuando estamos sedientos o comer un plato caliente cuando estamos hambrientos. Y no es casual, pues sí cubrimos una necesidad, el hambre de codicia y poder de quienes juegan a ser Dios con el sólo objetivo de mantener la fantasía de que así escaparán a la muerte.

Dos hermanos

Estos dos hermanos tan diferentes entre sí tienen, como es lógico, puntos en común, uno de ellos es la decoración, a la que ambos se dedican profesionalmente, aunque cada uno en su estilo, y otro, es la gran inconsciencia con respecto a sí mismos y sus relaciones familiares y de pareja.

Hasta este momento ambos parecen considerar que sus vidas familiares van bien, mientras sus mujeres se encuentran insatisfechas y buscan cada una su propia salida a esta insatisfacción. Uwe descubre la realidad de golpe y siente la necesidad de hacer algo al respecto dejándose llevar en este momento de vulnerabilidad por las circunstancias y sumándose al viaje de su hermano. Por otro lado, Gustav parece sentir cierta insatisfacción en su vida espiritual que le lleva a la búsqueda de algo diferente.

Ambos hermanos se acompañan en sus búsquedas individuales, que se entrecruzan no sólo en el momento presente sino también en su raíz, pues cada uno ha influido de algún modo en la configuración del carácter del otro y es así cómo se entremezcla el ayer y el hoy ayudando a depurarse y a conocerse.

Cuestiones para la reflexión:

En esta película oriente y occidente coinciden en distintos planos: un alemán introduce prácticas orientales en su vida occidental; dos alemanes viven durante un tiempo en un templo budista haciendo su proceso personal y adaptándose a las costumbre del monasterio; vemos un país como Japón en el que coinciden la zona rural más oriental con sus costumbres austeras y sus ritmos lentos con el Tokio más occidentalizado, cargado de estímulos y enormemente veloz.

Y me pregunto, ¿qué es oriente y qué es occidente? Es Japón oriente, un oriente austero y lento y un oriente cargado y veloz. Es Alemania occidente, un occidente de comida rápida y desconexión con el mundo interior, y un occidente meditador que incorpora la perspectiva energética en su decoración. O es oriente todo lo que representa el ying y el yang, la sabiduría interior, la conexión con la unidad, lo complejo en lo sencillo. O es occidente la rapidez, la desconexión de la unidad, la

No tengo la respuesta, pues sospecho que esa no es la pregunta. Supongo que la pregunta a hacerme es ¿qué quiero yo en mi vida?, ¿quiero estar conectada o alienada?, ¿quiero sentir la conexión con el todo o vivir fragmentada?, ¿quiero vivir lento o rápido?, ¿qué estoy dispuesta a hacer o a qué estoy dispuesta a renunciar para seguir el camino que elija? Supongo que se trata de saber cómo de hambrienta estoy y de qué tengo hambre.

Ttala Lizarraga

LA POLITÉCNICA (polytéchnique)

2010-09-21T11:18:00.000-07:00

Ficha Técnica

Título Original Polytéchnique
Director Denis Villeneuve

Actores Maxim Gaudette, Sébastien Huberdeau, Karine Vanasse, Evelyne Brochu, Pierre-Yves Cardinal, Jonathan Dubsky, Marina Eva, Nathalie Girard, Pierre-Xavier Martel, Johanne-Marie Tremblay

País Canada

Género Drama, Histórico

Año 2009

Esta película cuenta la matanza de catorce mujeres el 6 de diciembre de 1989 en la École Polytecnique de Montreal.

El asesino, un estudiante del centro, entra en una de las aulas disparando al techo y ordena que las mujeres se pongan a la izquierda y los hombres a la derecha. Los hombres deben salir dejando a las mujeres con él. Estos obedecen sin decir nada (excepto uno de ellos que hace un amago de acercamiento al asesino para ver si puede hacer algo) y se van. Al quedarse a solas con ellas les dice que están ahí porque ellas son feministas y él odia a las feministas. Una intenta protestar pero tan pronto como abre la boca él la dispara a bocajarro y la derriba, hace lo mismo con el resto. Después, deja el aula y se marcha. El asesino comienza a pasearse por el instituto con su arma al descubierto y sigue disparando a las mujeres que se cruzan en su camino. Finalmente se suicida.

Es un asesinato premeditado. Según cuenta él mismo, varios años antes había intentado entrar en el servicio militar para poder tener acceso a un arma pero no lo consiguió, por lo que había seguido viviendo con el único fin de conseguir un arma y terminar finalmente con la vida de varias mujeres. Antes del suceso escribe una carta a las mujeres explicando su odio y otra a su madre diciendo que la quiere. Me pregunto si necesitamos volcar nuestro odio en mujeres sin rostro para poder tener la fantasía de querer a la única mujer que vemos en todas ellas, nuestra madre.

Es una película cruda, dura y fría, tanto en términos de contenido como de forma. Está rodada en blanco y negro, y en ella apenas hay cabida para ningún sonido amable, musical o acogedor, sólo para silencios llenos de tensión, tiros secos, voces angustiadas y respiraciones entrecortadas. Es una película brutal.

No habiendo vivido nunca una situación tan dramática, con lo que conecto a nivel personal es con todos aquellos casos de agresión abierta o sutil que he sufrido por parte de los hombres a lo largo de mi vida. Es una sensación visceral, primitiva. Al salir del cine camino por la calle y siento odio por las personas con las que me cruzo. En ese momento son todas esas personas que ante la agresión a una mujer cierran los ojos o miran para otro lado en todas las formas en las que uno hace esto, restándole importancia, ocultándolo, no haciendo nada aún cuando presienten la gravedad de la situación. Tengo una sensación de irrealidad, y al mismo tiempo me parece que es más real que la realidad que ven mis ojos. Si bien mi odio lo origina la condena a la agresión, me identifico con el asesino por el mero hecho de estar sintiéndolo tan intensamente y como en su caso, es un odio asociado al “otro” sexo.

Y es que en la película cuando los hombres salen del aula y dejan a las mujeres con el asesino se van y no se sabe muy bien qué hacen porque cuando la cámara acompaña a uno de ellos se ve que la vida en el instituto sigue igual, los lugares comunes como la sala de estar o el comedor están llenos de gente fumando y charlando animadamente y no se ve a nadie corriendo o dando la voz de alarma. Este chico sí corre, baja al primer piso donde se encuentra un guarda de seguridad y le dice que llame a la policía, éste en un principio cree que se trata de una broma.

Y yo me pregunto cómo es que aquellas personas que han salido del aula no han gritado avisando sobre lo que está sucediendo, ya sea para que todos salgan corriendo del edificio ante un posible ataque del agresor o para hacer algo en defensa de las mujeres que se han quedado con él. Me resulta realmente brutal la sensación de que algo tan grave esté sucediendo en un aula del edificio y el resto del mundo siga como si tal cosa. Siento impotencia.

La película está contada desde tres perspectivas: la del asesino, la de uno de los hombres que estaba en el aula y la de la única superviviente de la misma. Tres vidas que se ven afectadas para siempre por este suceso.

Comienza con el asesino. Se ven los momentos previos al asesinato en el piso de estudiantes que comparte con otros. Escribe una carta a las feministas contra las que se dirige su odio. Odio porque las considera causantes de las discriminaciones que viven los hombres en la actualidad, justificadas por la desventaja social que dicen sufrir ellas. Después escribe una carta de despedida a su madre que deja en la casa de esta y finalmente se dirige a la politécnica donde sucederá la tragedia.

No sé qué decir sobre éste joven. Una persona solitaria, que por su aspecto podría pasar por una persona normal (bueno si es que eso existe, pero al menos por un neurótico medio, no por un asesino). Se ve su relación con su compañero de piso donde se aprecia una relación de poco contacto, cierta cordialidad un tanto fría de hola y adiós. Y me pregunto ¿qué pensará el compañero de piso cuando se entere? Yo creo que me preguntaría cómo es que no se me había ocurrido que algo así pudiera pasar.

Y me cuestiono mi posible ceguera ante los comportamientos susceptibles de desembocar en una situación de agresividad grave. En mi entono laboral, un colegio de educación secundaria, cuando veo comportamientos agresivos por parte de los alumnos los denuncio describiéndoles lo que han hecho, las consecuencias que ha tenido y diciendo lo que yo opino sobre lo sucedido (suelo ser muy sincera y dura en este sentido). No obstante, sigo tratándolos con cierta cordialidad pues quiero creer que su comportamiento es debido a un mal trato que ellos mismos están sufriendo o han sufrido por parte de los adultos y que tratándolos con mayor respeto o intentando entenderlos pueden cambiar. Al ver la película me da por pensar si esta forma que tengo de relacionarme con la agresividad no es errónea y si de algún modo no estoy contribuyendo a ella.

En mis clases de ética hablamos mucho del amor, la agresión, los valores humanos, la explotación, la responsabilidad individual y social…y son precisamente estos estudiantes los que más se “mojan” opinando y contribuyendo con su experiencia personal. Por lo tanto, son quienes mejores notas obtienen en ella además de ser quienes mayor atención reciben por mi parte.

En las sesiones de evaluación, es decir, cuando nos reunimos para poner las notas, casi todo son críticas hacia ellos y su comportamiento rebelde y “cuasi-delincuente” (consumo de drogas, malas contestaciones, desmotivación,…). Por lo tanto, que precisamente sea en la asignatura de ética donde obtengan sus mejores notas, y que además sean ellos, de toda la clase, los que destaquen en esta asignatura es cuando menos contradictorio. Sin embargo, yo valoro lo que hacen en mi clase y no puedo por menos que valorar su actitud participativa y sincera en ellas. No obstante, si racionalmente me parece correcto, en ocasiones, cuando escucho las experiencias de algunos de otros profesores no puedo evitar pensar si no me estaré equivocando.

Algo que me tranquiliza en este sentido es que he detectado varias situaciones de bulling que se estaban produciendo en los recreos con niños más pequeños. ¿Quién hacía el bulling? Sí uno de estos chavales, pero junto con varios que son “buenos estudiantes” y sobre los que no se dicen nada. ¿Qué es ser un buen estudiante? Sacar buenas notas y no responder al profesor. Estos mismos profesores que se escandalizan de respuestas que cuestionan su trabajo, no parecen conmoverse ante las agresiones que suceden en el patio, o sólo, si alguien se las pone crudamente delante. De hecho, ni siguiera se molestan en mirar, están demasiado ocupados intentando pillar quién fuma y quién no.

No soporto las situaciones en las que un grupo de personas con más fuerza ejerce su violencia contra un número más pequeño y/o débil, se activa en mí algo que me pone en defensa del atacado aunque esto suponga ir en contra de mi misma. En el colegio siento que estos alumnos son bullineados de algún modo por ciertos profesores y eso me pone en posición de defenderles, y quizá esté aquí mi ceguera, en mi obsesión por su protección quizá no esté viendo al resto de los alumnos de la clase, o es posible que no vea las actitudes violentas que sí tienen en toda su dimensión.

Sigue la visión de uno de los hombres que ha salido del aula en la que quedan secuestradas las mujeres. Cuando el asesino les dice que se dividan hay un momento de confusión que él aprovecha para acercarse al asesino, parece que para ver si puede quitarle el arma o puede reducirlo de algún modo. Pero el asesino se da cuenta y le increpa que se vaya.

Nada más salir va a toda prisa al piso de abajo donde se encuentra un guarda jurado y le dice que llame a la policía porque un hombre con un arma tiene retenidas a un grupo mujeres en un aula. Vuelve a subir. En el camino, se encuentra a dos mujeres en el suelo, una de ellas todavía está viva, así que va a por medicamentos para intentar hacer algo. Cuando vuelve ella ya ha muerto. Al darse cuenta de que el asesino ha abandonado la primera aula, va allí para ver qué ha sucedido. Al entrar se encuentra a todas las mujeres tiradas en el suelo inmóviles, incluidas sus dos amigas. Cuando sale de allí, recorre el edificio. Ahora ya el ambiente es distinto, todo el mundo está corriendo de un lado para otro en situación de alerta. En un momento dado, ve al asesino en un pasillo y se resguarda entrando por la primera puerta que encuentra a mano, así entra en una habitación con música a todo trapo y estudiantes fumando y bebiendo que están ajenos a todo lo que está sucediendo fuera. Esta escena me resulta tremenda, pues me recuerda a un temor personal, estar yo tranquilamente disfrutando con algo y que suceda algo serio o incluso catastrófico como lo de la película y yo no me entere de nada. Es un yo disfrutando ajena a la desgracia grupal externa.

Volviendo al hombre. Lo siguiente que se ve es que va a visitar a su madre y tras la visita se suicida. Más adelante se ve cómo se encuentra con que una de las amigas que había dado por muerta sólo está herida y mientras la llevan en camilla le pide perdón. Ella le dice que él no es el culpable. Y es que ciertamente él no es el culpable y hace todo lo que puede para evitarlo pero él sí siente que lo es, y yo, e incluso la presentadora de la película, sentimos, supongo que por el rol cultural de protección que atribuimos a los hombres, que sí hay algo de culpa en él como hombre que estaba ahí y no protegió a las mujeres. Finalmente, parece que debido a la culpa o quizá a otros motivos, no puede integrar lo sucedido y prefiere morir a seguir viviendo con ello. Por lo tanto, podemos decir que el asesino, y la responsabilidad protectora que la sociedad atribuye a los hombres, mataron a un hombre.

Finalmente una superviviente nos cuenta lo que vivió y cómo vive con ello desde entonces. Esta joven está estudiando para ser ingeniera aeronáutica. El día del suceso acaba de tener una entrevista de trabajo para un puesto de becaria en una compañía aeronáutica. En la entrevista se observa una vez más el tema del género, el entrevistador cuestiona su candidatura para el puesto por ser una mujer y por tener más probabilidades que un hombre de dejar el puesto o desatenderlo al tener familia, es decir, hijos. Desconocemos lo que ella responde a esta observación, sí sabemos que finalmente le dan la beca.

Al salir de la entrevista se encuentra con su mejor amiga y compañera de piso quien estudia con ella. Entran en clase junto con el compañero arriba mencionado y es cuando sucede todo.

Cuando el asesino deja el aula, ella abre los ojos y mira a su alrededor. Su amiga y alguna otra de las mujeres respiran. Ella está malherida pero se puede mover, las demás no. Sale del aula cojeando en busca de ayuda, al llegar a la siguiente puerta ve al asesino y piensa que la ha visto. Vuelve lo más rápido que puede al aula y se tumba junto a las demás. Lo siguiente que oye es a alguien entra en el aula. Se piensa que es el asesino pero no, es su amigo quien al verlas tumbadas cree que están todas muertas y se va. Finalmente las demás se mueren.

Varios años después del suceso se la ve viviendo con su pareja y trabajando en una compañía aeronáutica. Es entonces cuando se entera de que está embarazada. Esta noticia la revuelve de tal manera que siente la necesidad de escribir una carta a los padres del asesino de la politécnica aún cuando sabe que no se la va a enviar. En ella les cuenta el terror que siente al tener este hijo, cuenta cómo todo el mundo le decía tras lo sucedido lo fuerte que era y dice estar cansada de ser fuerte, que ya no aguanta más. Decide tener a su hijo y dice que si es niño le enseñará a respetar y a apreciar la vida y si es niña a que ella puede ser lo que quiera. Una vez más la diferencia de género.

¿Tiene sentido que esta mujer que ha sufrido en sus propias carnes la terrible consecuencia de la diferenciación de género, es decir, ver antes el sexo de la persona que su cualidad como persona siga teniendo expectativas basadas en la diferenciación de sexos? No me atrevería a decir, al menos sin reflexionar más al respecto, que la diferenciación en sí misma es la causante de los prejuicios y del odio que se deriva de ellos, pero sí que la actitud de exclusión con que nos aproximamos a esta diferenciación contribuye a este odio y en consecuencia, a este tipo de actos de asesinato, la exclusión definitiva.

Ttala Lizarraga

SAMSARA

2010-09-14T13:12:00.000-07:00

Ficha Técnica y Artística

Dirección: Pan Nalin.

Países: Francia, India, Italia y Alemania.

Año: 2001.

Duración: 145 min.

Interpretación: Shawn Ku (Tashi), Christy Chung (Pema), Neelesha BaVora (Sujata), Jamayang Jinpa (Sonam).

Guión: Pan Nalin y Tim Baker.

Música: Cyril Morin.

Fotografía: Rali Ralchev.

Sinopsis

La película narra el proceso de transformación de Tashi, un monje budista en Ladakh, Himalaya, tras su vuelta al convento donde se ha criado y se está formando como monje, tras un largo periodo de retiro en la Cueva Sagrada, donde ha estado retirado meditando por más de tres años.

Proceso de Transformación y Desarrollo

La película nos muestra en detalle cómo es y se da su proceso de transformación: de cambio, reintegración y readaptación, a todos los niveles, a su nuevo estado tras su vuelta del retiro y tras su viaje de búsqueda después.

En terapia y en meditación se dinamizan los aspectos que conforman nuestra persona, a nivel orgánico y a nivel más sutil, de personalidad e incluso de carácter. Y esta dinamización es la que nos permite cambiar, crecer y avanzar.

Estos asuntos son nuestro objeto de trabajo, lo que observamos, a lo que atendemos, y para ello, desarrollamos la atención, la cosnciencia y la conciencia. Para darnos cuenta de ellos y asumirlos como propios cambios y necesidades. Cuando, como en el caso de Tashi, estos asuntos irrumpen de un modo violento ó catártico, los cambios se precipitan y necesitan de un encauce que permitan que se de un cambio profundo.

Normalmente nadie en nuestro entorno nos retiramos por tanto tiempo como en la película; esto produciría una gran influencia y efecto en la persona y no todo el mundo está preparado para retirarse de ese modo. “Has ido demasiado lejos” – le dice su maestro al reencontrarse con él tras el retiro. Existen formas de trabajar en terapia y también de meditar. Más catárticas, donde la incisión y el abordaje va hasta el límite con prontitud, y las que acompañan a la persona según su fluir, sin presionarla. Es importante llegar hasta el límite, no traspasarlo, ya que éste nos muestra el límite de la persona, su capacidad, actual e indica el momento de desarrollo actual. Cuando traspasamos ese límite es más complejo la reintegración de la persona y la asimilación de la experiencia en toda su magnitud.

En el caso de Tashi vemos como al regreso del retiro está iniciándose en él una transformación, que pugna por darse, que se manifiesta en sus poluciones nocturnas, en su búsqueda y absorción en la sensualidad de la vida. Le embargan el color de una hoja, el tintineo, el movimiento y el sonido de unas manos que le sirven comida.

El desarrollo de la atención, la contemplación, absorción

El estar atentos a eso que nos llama la atención, que es lo significativo, y dejarnos guiar y fluir por ello da sentido a nuestra existencia. Es lo significativo, y tiene un mensaje para cada uno de nosotros, si accedemos a ello, prestando nuestra total atención y con nuestra plena vivencia, contemplando aquello que observamos, sea algo externo, como una hoja, un sonido, etc., o algo interno, como un pensamiento o una emoción, etc., con total dedicación.

Así desarrollamos la capacidad de percibir la vida con total plenitud, incluyendo en nuestra vivencia, aspectos nuevos, como el sentido del tacto, el gusto, atendiendo al sonido, a la humedad o al brillo de lo que estamos observando.

La meditación y la terapia tienen un efecto amplificador de la experiencia. Lo que nos permite darnos cuenta más fácilmente de lo que (nos) ocurre. Uno observa y ve más claro, nítido. Lo que permite darse cuenta y vivir cada experiencia con mayor amplitud y totalidad. Así también nos damos cuenta de esos aspectos de nuestra persona, que estaban ocultos, y que ahora al verlos, reconocerlos y asimilados, podemos reconocernos y reconocer de un modo más completo.

El trabajo está en darle salida a eso con lo que uno ha conectado y que es lo que uno necesita, aunque le pueda convenir o no en un primer momento, aunque le traiga más trajín, movimiento e incertidumbre, y en definitiva vacío. Vacío de no saber qué vendrá después, qué y cómo será.

Vemos en Tashi su dificultad para aceptar y hacerse cargo de su imperiosa necesidad, hasta que la asume y decide emprender un viaje de descubrimiento que le permitirá satisfacerla, así como satisfacer sus carencias, que de algún modo le están empujando a que emprenda el viaje. Y en este viaje, también descubrirá aspectos poco amables de sí, que estaban más o menos ocultos hasta el momento y que le autolimitaban y hacen sufrir. Estos aspectos emergen con claridad cuando Tashi sale de su statu quo, del terreno y modo de vivir y de ser conocido por él en el convento y se pone en juego con sus nuevos deseos, necesidades e inquietudes.

Las personas vivimos en proceso y cambio constante. Cambiamos y crecemos en función de la apertura e integración de los nuevos estados en nosotros mismos. Cuando el proceso se estanca dejamos de crecer y enfermamos.

Tanto la terapia como la meditación propician primero el estado de observación y de percepción de nuestros procesos, favoreciendo así el desarrollo de la conciencia en pos de ese fluir constante acorde con nuestro momento, estado y necesidades.

Proceso de satisfacción de una necesidad

El estado meditativo es un estado que nos permite observar nuestras formas de hacer, sentir y pensar y cómo éstas crean patrones entre sí que se repiten y mandan en nuestra vida. Con el desarrollo de esta capacidad de darnos cuenta de estos patrones poco a poco podemos ir siendo más conscientes de ellos, siendo más conscientes de nosotros mismos y así adueñarnos de ellos y de nosotros mismos y de nuestros actos.

Con respecto al proceso de Tashi para la asunción de su necesidad, podemos observar una primera parte de negación de la necesidad amparada y acrecentada por sus maestros tratando de evitarla. Una fase de asunción de la necesidad y una reivindicación de la misma de un modo rebelde y orgulloso, reclamando a su maestro su derecho a aprender desde su propia experiencia. Después todo un proceso de aprendizaje en base a una puesta en práctica, la acción. Con el siguiente surgimiento de necesidades similares hasta su satisfacción y retirada nuevamnete al convento.

En cada uno podemos observar y desarrollar la capacidad de observar este ciclo de satisfacción de la necesidad que según más maduros y sanos estemos más fluido y satisfactorio será. Y según cómo seamos unos matices u otros tendrá.

La película con su ritmo lento y con pocas palabras, propicia este estado meditativo al que os animo. Con atención, cada imagen, detalle, sonido.

Ainara Campos

LOST IN TRANSLATION

2010-09-07T08:03:00.000-07:00

Ficha Técnica

Dirección Sofia Coppola

Producción Sofia Coppola, Ross Katz, Francis Ford Coppola

Guión Sofia Coppola

Música Kevin Shields

Fotografía Lance Acord

Montaje Towako Kuwajima, Tomomi Nishio

Reparto Bill Murray, Scarlett Johansson, Anna Faris, Giovanni Ribisi

El título juega con varios significados. “Perdidos en traslado”, nos resalta el motivo del argumento: dos viajeros usamericanos que no se conocen entre sí, coinciden en Tokio temporalmente. Uno es actor publicitario y ha viajado para rodar un clip de un whiskey japonés. La otra acompaña a su marido, un fotógrafo de grupos musicales y actores que está siguiendo una gira. Ambos se van encontrando en el hotel en que se alojan.

El otro significado, “Perdidos en la traducción” tiene varios niveles. Por un lado se refiere a la situación de dos occidentales en Japón, inmersos en un mundo cultural y lingüístico que no conocen, con dificultad para establecer relaciones personales con habitantes del lugar. La propia directora de la película ha manifestado que esta situación, que ha vivido personalmente, le llevó a explorar las necesidades de un ser humano en tales circunstancias.

En general, para viajeros de trabajo y de turismo acomodado, aunque el inglés permite moverse con relativa facilidad por cualquier país del mundo, el campo de comunicación suele quedar limitado a entornos para viajeros como hoteles, ciertos lugares de interés turístico, ciertos restaurantes, taxis, etc, y no da para entablar relaciones cotidianas con las personas que uno se encuentra. La directora toma esta circunstancia junto a otro fenómeno afín, el de que se va creando una cierta afinidad y complicidad entre huéspedes del mismo hotel o entre gente que coincide en lugares comunes para viajeros; por supuesto, saliendo del contexto del grupo de tour en que las relaciones son más cercanas.

Para un viajero solitario en tales circunstancias, el desajuste cultural y la incapacidad de comunicarse en el cotidiano, incluso para satisfacer necesidades básicas, hace que la desorientación vaya aumentando. Aunque a un nivel práctico se consiga con los días una adaptación básica al entorno, pueden surgir vivencias de desorientación a un nivel más interno, relacionadas con las costumbres, el ritmo de vida, los valores sociales, etc. Por otro lado, la incomunicación va haciendo emerger sentimientos de soledad que tienen un efecto acumulativo con el tiempo. Si bien unos días de soledad pueden tener un atractivo para casi cualquiera, descubriendo lugares insólitos, probándose en situaciones novedosas, etc. el juego de lo novedoso pronto termina, el interés turístico va colmándose y el viajero empieza a necesitar relación personal. Mucha gente tiene capacidad de buscarse compañía paliativa, de “salir a la búsqueda” de una relación aunque sea superficial

. Y en cualquier caso siempre queda el recurso de la compañía disponible en un sentido mercantil de la relación. Pero en el caso de nuestros protagonistas esto no les satisface.

Así que, como parte de ese proceso que explora la película, los personajes empiezan a entablar una relación distante, basada en la coincidencia en lugares comunes (el hall, el ascensor, la cafetería o el club nocturno, etc). Poco a poco se va creando un cierto “sentido de pertenencia”, una cierta “identidad” compartida de “vecindad en viaje”, una afinidad y una complicidad pues la observación permite reconocer en el otro las mismas dificultades que uno pasa. Así esto favorece el acercamiento y el encuentro. Sin embargo, el “contacto” en estas circunstancias está sujeto a condicionantes del status de viajero, anonimato mutuo, temporalidad, discreción y respeto, etc. Cualquier acercamiento más allá de lo “correcto” podría romper ese fino hilo de contacto humano.

La película nos muestra un proceso de acercamiento, un proceso de contacto personal. Simultáneamente, esa desubicación en que viven, esa distancia de su mundo conocido, ese sentirse en la soledad frente al mundo desconocido y ajeno, les lleva a considerar desde esa nueva perspectiva todo aquello en lo que se basa su vida, sus apoyos, sus significados, sus valores. Y en cierta forma contactan con una soledad mayor, con un cierto despropósito vital, con una falta de sentido en su vida, digamos la universal y existencial falta de sentido. Encuentran dentro de sí el autoengaño, la dependencia, y entran en crisis las falsas ilusiones y el apego a diversos elementos que constituyen “su vida ordinaria”.

En este desvelamiento existencial, los protagonistas van entablando un proceso de diálogo que les ayuda, poco a poco, día tras día, a desentrañar las protecciones que llevan implícitos los estilos de vida que asumen como necesarios y convenientes. Y esto se da a la par que entre ellos van presentándose mutuamente, conociéndose, preguntándose y cuestionándose; en un diálogo de confidencias sobre sus perturbaciones, frustraciones y desengaños.

Los personajes son hombre y mujer, heterosexuales, y la relación, que surge y se mueve por la necesidad de contacto, está desprovista de toda carga sexual, saliéndose del tópico del sexo como compensador de soledades y angustias ante el encuentro con uno mismo. Durante tiempo, la película flirtea con esa posibilidad, pero poco a poco va resaltando que su mayor necesidad está en el registro de la amistad, no duradera, simplemente la amistad del encuentro sincero yo-tú.

Como contraste, hay guiños a algunas sexopatologías del amor como son, en general, las relaciones cosificadas y convertidas en objeto, del tipo de la prostitución, el sexo compulsivo, el sexo punitivo, la compañía mercantil y todas las patologías relacionadas con el narcisismo y los trastornos de personalidad limítrofes (baja autoestima, identidad inestable y consideración del otro como un objeto útil para satisfacer nuestras necesidades y propósitos).

En cambio, la relación que van entablando nuestros personajes son auténticas, humanas, personales. Se sienten mutuamente identificados en ciertos aspectos y esto va permitiéndoles tratarse a sí mismos humanamente y con respeto recíproco. El diálogo con el otro les sana en su propio diálogo interno y les ayuda a aclararse en esa crisis emergente.

Hay un segundo significado de “Perdidos en la traducción”. Es el de que sus dos protagonistas se encuentran en dos extremos de una misma red de líneas vitales. El entra en la cincuentena; ella en los veinte. El está de vuelta de muchas cosas, en la crisis de la mediana edad avanzada, la del cuestionamiento de lo que uno ha hecho o/y está haciendo con su vida; ella está empezando, tomando decisiones sobre el curso de su vida que determinarán el curso de su futuro, la incertidumbre de acertar, o equivocarse, o dejar pasar las mejores opciones para su vida, una crisis de incertidumbre. El tiene una familia con la que apenas tiene sintonía salvo en lo superficial y la costumbre, una mujer volcada en la decoración de la vida doméstica, una relación personal casi agotada; ella está empezando una relación de pareja consolidada, con un marido ausente, dedicado a su trabajo y a otras aficiones. El no sabe si ya es muy tarde para cambiar de vida y desprenderse de todo;ella no sabe si es demasiado pronto para cambiar y soltar lo que acaba de escoger. El ha sacrificado su vocación de actor para trabajar en lo que más dinero le da; ella ha sacrificado su vida profesional para acompañar a su marido.

Ambos, independientemente de la desubicación en una cultura extraña, traen dentro de sí el germen de una crisis personal, con mucho de crisis evolutiva (propia de su edad), que se manifiesta con la desorientación, la soledad y el vacío. Precisamente en Japón, donde conviven dos tópicos de su cultura: el vacío y la hacinación, la austeridad y la sobreestimulación, el no-hacer y la frenética actividad empresarial y de negocios. En el país del sol naciente, nuestros personajes padecen de insomnio, y es la noche la que los lleva a encontrarse.

Sus vidas necesitan traducirse del idioma de una edad y una época, a la del otro. Esa traducción se da durante el encuentro entre ambos. Cada uno se nutre de la perspectiva vital del otro y de la confrontación mutua. Uno reflexiona sobre la juventud y la otra sobre la madurez, uno sobre la libertad y otra sobre el compromiso, uno sobre la ilusión y otra sobre el hiperrealismo, etc

La relación transita por los tópicos de la edad, por la aventura, por la dimensión paterno-filial (sin tintes edípicos), y va llegando a la amistad en su sentido más profundo. El encuentra su anima personificada (polaridad intrínseca femenina), ella encuentra su animus personificado (polaridad intrínseca masculina). Y surge una historia de amor. En forma de amistad, de un tipo de relación abierta y auténtica, del momento, sabiendo de antemano que no durará. Ambos tienen sus vidas perfiladas; las cambien o no, seguirán después con ellas. Y el encuentro no les llevará a continuar una vida juntos. Lo saben.

Y aún así, llega el momento de la despedida. A ambos les cuesta reconocer el amor que han encontrado en el otro y se despiden sólo amablemente. Y tras el alejamiento, al estilo del mejor romanticismo en el cine, él vuelve a buscarla, y esta vez para declararse el amor mutuo, en un beso definitivo, y volver a separarse, casi con seguridad para no volver a verse nunca más. En realidad, un final antiromántico.

La película plantea la situación existencial de sentirse perdid@ y, como dice en su slogan publicitario: “cualquiera necesita ser encontrado”. O encontrarse en y con el otro, que es lo mismo.

Juan José Díaz

SÉRAPHINE

2010-08-04T12:00:00.000-07:00

Ficha Técnica y Artística

Título original Séraphine

Director Martin Povost

Reparto Yolanda Moreau, Ulrich Tukur, Anne Bennet,

Francoise Lebrun, Gneviéve Mnich, Nico Roger, Adélaïde Leroux, Serge Lariviére.

Género Drama, Biografía

Duración 125 min.

Nacionalidad Francia

Año 2008

Sinopsis

Séraphine cuenta la vida de Seráphine Louis o Séraphine de Senlis como es conocida en el mundo artístico; pintora encuadrada en la pintura naïf, o como Wilheim Uhde denominaba a esta corriente, pintura primitiva moderna. La película muestra la vida de la artista desde que conoce a Wilheim Uhde, el marchante y crítico de arte que la descubrió y la dio a conocer, hasta su muerte.

Tema central de la película:

Tal y como dice el propio director ésta “es una película sobre la gente, sobre el sentido que le podemos dar a la vida con poca cosa y con mucha riqueza interior. Trata de la vida interior, de la contemplación, el desarrollo interior de la mente, la creación y, en cierto modo, el amor”.

Temas para reflexión:

La llamada

Séraphine recibe la llamada de su ángel de la guarda que le dice que tiene que dedicarse a pintar. Tiene 40 años, sin ninguna experiencia en este campo deja su trabajo de limpiadora en el convento y se marcha a vivir al pueblo para cumplir con su designio. Quizá por su carácter devoto, Séraphine sigue lo que le dice su voz interna sin dudar, no se plantea otra posibilidad. Son muchos los personajes históricos considerados visionarios que escuchan una llamada interna que les guía en su labor, ésta viene de algo o alguien superior a ellos, algunos lo llaman Dios, otros voz interna, otros más allá. Así sucedió con Sócrates y Gandhi.

Y yo me pregunto ¿Existe alguna diferencia entre el visionario y el loco, y si existe, cuál es? ¿Hasta dónde es una locura escuchar la llamada interna y seguirla? ¿Cuándo se convierte un visionario en loco para la sociedad? ¿Cómo podemos determinar cuándo una idea es una visión de futuro o una locura?

El arte como sentido de vida

En este caso, Séraphine vuelca su mundo interno en el arte, y este arte pasa a ser lo que da sentido a su vida, es como si trajera al mundo de los vivos, a este plano de la realidad en que nos encontramos, mensajes de otros mundos que nos conectan con nuestro ser más íntimo y genuino. Esto da sentido a su vida y le permite atravesar los convencionalismos terrenales e ir más allá de lo establecido, experimentando una plenitud absoluta que difícilmente encontramos los humanos en nuestras vidas alienadas.

Y yo me pregunto ¿Dónde está el sentido de mi vida? ¿Dónde está el sentido de la vida de las personas cercanas a mi o de las que me encuentro por la calle? No puedo imaginar mayor plenitud que encontrar el sentido de la vida de cada uno y llevarla hasta el final. ¿Por qué no nos hablan de esto en el colegio? ¿Por qué no nos hablan de esto los medios de comunicación? ¿Qué pasa que no nos educan para encontrar el sentido de nuestra vida? Como bien se ve en la película, cuando uno sabe lo que tiene que hacer encuentra los medios para hacerlo. ¿Puedes saber cual es el sentido de tu vida cuando desde pequeño la palabra que más escuchas es “no”?

Cuerpo-alma-sociedad

Cuerpo. Séraphine está plenamente en contacto con su cuerpo y su cuerpo lo está con la naturaleza. Cuando camina descalza por la hierva, cuando el viento acaricia su cara, cuando se sube a los árboles o cuando se introduce en la corriente del río, cada célula de su ser parece absorber lo que encuentra a su alrededor.

Parece que a través de las sensaciones que experimenta al entrar en contacto con la naturaleza Séraphine se transporta a otra dimensión, a un mundo lejano, del que vuelve mientras nos trae noticias a través de sus pinturas, son noticias intensas, coloridas, frescas, turbias, divinas, carnales… Porque mientras pinta está allá y está aquí al mismo tiempo, está allá en alma y está aquí en forma de manos que interactúan con objetos concretos, como el lienzo, las pinturas y los pinceles. En esos momentos ella es canal, canal entre el mundo del alma y el mundo del cuerpo. Ella es cuerpo y alma fusionados.

Alma. Séraphine es una mujer religiosa que parece estar en pleno contacto con su alma. Ha pasado muchos años sirviendo en un convento de monjas con quienes ha entablado una muy cercana y positiva relación, lo que posiblemente haya facilitado su plena confianza en lo “divino”, en lo intangible, en la llamada. Es devota de la virgen, figura que lleva consigo a todas partes, como guía o sostén vital y contacto con su alma.

Sociedad. Mujer de un estatus social bajo que ha trabajado toda su vida y que probablemente no haya sentido el arropo de los adultos en su infancia, recibe un trato despectivo constante por parte de los habitantes de su pueblo. Ella sabe quién es y cual es su lugar y también sabe cómo son los demás. Es desconfiada y una y otra vez le dan motivos para reafirmarse en su actitud. Finalmente, renuncia a esta sociedad y se refugia en el más allá, demasiadas promesas incumplidas que impiden su participación plena y genuina es un entorno socialmente reconocido. O quizá es la sociedad quien la echa, al desviarse en exceso de lo “correcto”, de lo aceptable.

Y pregunto ¿Puedes dejarte impregnar por la naturaleza, ser canal, en un mundo en el que cada vez hay menos espacios naturales y los que están cerca de las ciudades están llenos de elementos contaminantes como torres de alta tensión nocivas para los organismos vivos? ¿Puedes contactar con tu alma cuando caminas por la calle de una ciudad o incluso de un pueblo y te asaltan sus ritmos frenéticos, sus luces agresivas y sus sonidos enlatados? ¿Son compatibles la contemplación y la velocidad? ¿No será la velocidad una herramienta utilizada conscientemente para alienarnos y alejarnos de nuestra naturaleza más íntima?

Crear-Exponer

Hay dos fases claramente diferenciadas en el proceso creativo de esta pintora. Una es la creación. Ella necesita crear y crea, sea como sea. Hace lo que es necesario para cumplir con su designio. En esta fase están ella, la naturaleza y la sociedad, esta última en cuanto recurso a través del que conseguir los instrumentos necesarios para su trabajo.

En la segunda fase está la exposición, la presentación en sociedad de lo creado. Hilando con su filosofía de vida, la gran exposición representaría la presentación entre dos mundos, lo divino y lo humano y probablemente la integración de ambos en su persona. Ella comienza exponiendo sus pinturas a título individual, comienza a darse al pueblo, quien le responde positivamente. Pero la gran exposición que ella espera no se produce, no al menos en el momento esperado, y ante la imposibilidad de la integración cruza el límite.

¿Son el proceso de creación y el de exposición dos aspectos separados o la creación no es completa si no hay exposición? ¿Es necesario el reconocimiento social para alcanzar la plenitud absoluta? ¿El aspecto comercial del arte aliena al artista?

Ttala Lizarraga

SHINE

2010-07-22T05:11:00.000-07:00

Ficha Técnica y Artística

Título original Shine

Director Scout Hicks

Reparto Geoffrey Rush, Armin Mueller-Stahl,
John Gielgud, Noah Taylor

Género Drama, Biografía

Duración 106 min.

Nacionalidad Australia

Año 1996

Sinopsis

Cuenta la historia vital de David Helfgott. Un genio de la música que sufrió un quebranto psicótico que le mantuvo apartado del mundo durante un largo periodo de tiempo tras el maltrato sufrido en su infancia por parte de su padre, hasta su resurgir gracias al apoyo, comprensión y acercamientos adecuados.

Tema Central

Muestra cómo se crean las aptitudes, actitudes para la creación y el genio creativo, así como los peligros que subyacen ante dicha genialidad. Cuando faltan unas bases sólidas en la estructuración de la personalidad, ésta se torna frágil, vulnerable, y ante situaciones y momentos críticos que suponen un cambio, como en el caso que nos presenta la película, que supone la superación del padre, la personalidad se puede quebrar.

Temas para la reflexión:

¿Cuáles son estas bases que nos permiten sostenernos y mejorarnos en la realidad?

La película nos muestra cuáles son estas bases. Podemos reconocerlas por contraste. Con un padre que por un lado, si le da unas bases, una pasión por un quehacer artístico, y por otro, todo el maltrato que le acabará quebrando al niño en su desarrollo para realizarse como adulto.

Podemos ir viendo cuáles son estas bases dándonos cuenta del tipo de relaciones que, David, el protagonista, va manteniendo con los distintos personajes, sobretodo, femeninos que van apareciendo. En un primer momento son sus hermanas que le apoyan en su primer intento de salida al mundo. Con ellas mantiene cierto grado de complicidad y de cercanía en respuesta a la estricta, severa y censuradora actitud de su padre hacia sus intereses y naturales impulsos sexuales y de vida.

La escritora, avalada por el padre. Que tuvo un padre comprensivo, alentador de su salida al mundo y con un suficiente y adecuado manejo de la agresividad. “Mi padre no me abrazará” – le dice David cuando le plantea su intención de irse a estudiar a Londres y su miedo a la reacción de su padre.

En la escuela de Londres, David mantiene una nueva relación de apoyo, confianza y aprendizaje con su profesor. Que le enseña a hacer y disfrutar por y para si mismo, sin tener que demostrar nada a nadie.
Después David sufrirá su quebranto psicótico. Volverá en busca del apoyo de su padre que le vuelve a abandonar por segunda vez quedando David a su suerte.

David mantiene una mínima relación con su entorno y las enfermeras que le cuidan y atienden. Por prescripción médica se mantiene apartado de la música, su única vía de expresión, hasta que conoce a una mujer que acude al centro psiquiátrico a animar y dinamizar a las personas ingresadas en el mismo tocando el piano.

Atraído nuevamente por su pasión, su vida, se acerca al piano, a la música y a esta mujer. Con la que comienza una nueva relación que le permite salir de un estado de letargo y abotargamiento catatónico.

Las diferencias y limitaciones religiosas y vitales de esta mujer hacen que la relación se disuelva. Y David ya encarrilado nuevamente hacia su pasión y salida de vida, la música va saliendo de su aislamiento.

A través de la búsqueda de la satisfacción de su necesidad de expresión encuentra el espacio donde satisfacerse. Y ahí comienza un nuevo ciclo. Sale del aislamiento y comienza a tocar, primero ante y después para otros.

Cabe señalar la importancia de la mínima acogida y aceptación por parte de la camarera del local que en gracia le permite entrar y estar, asumiendo en una medida la responsabilidad de dejarle estar.

Una vez que David se va expresando, se va consolidando y abriendo al mundo exterior.

Su padre reaparece y retoman el lazo. El padre le devuelve con la medalla el reconocimiento a su valía y le reconoce la fortuna de poder expresarse y realizarse.

Y aparece el último personaje femenino con quien David se entrega tras tenderle ésta un puente de relación y posibilitarle la relación con el mundo social y exterior.

¿Qué le atrae a esta mujer de este hombre? David es como un niño, crea y juega y no tiene responsabilidad alguna con el mundo adulto de consecución. David llega a lo más hondo de las personas con la música, y su vitalidad le subyuga. David se entrega a ella y crean y mantienen una relación más profunda que les permite crecer y a él irse desarrollando como el adulto que es. Ella elige la vida frente la practicidad y un estatus social y económico alto.

El padre de David muere y David expresa “ahora que papá a muerto ya no tengo a quien echarle la culpa”. Ahora David continua un nuevo ciclo de maduración ¿hasta dónde, no lo sabemos? Lo cierto es que está en ello.

Necesidad de expresión y realización vs. lograr

En el reencuentro entre el padre y el hijo, el padre apela a la suerte que tiene David de poderse expresar con la música y le desvela su oculto sufrimiento de no haber podido realizarse ni expresar con la música, su mayor deseo frustrado.

La película nos muestra como los asuntos pendientes y en este caso los intergeneracionales, no resueltos impiden el desarrollo de las futuras generaciones. El padre se mantiene fijado a su traumática relación con su propio progenitor y desde ahí no es capaz de asir y de apoyar a su hijo en su correcto avance y desarrollo, en función de sus necesidades.

Ainara Campos

THE COVE

2010-07-07T05:03:00.000-07:00

Ficha Técnica y Artística

Título Original The cove

Dirección Louie Psihoyos

País USA

Año 2009

Duración 92 min.

Género Documental

Intervenciones Joe Chisholm, Mandy-Rae Cruikshank, Charles Hambleton, Kirk Krack, Richard O’Barry, Hayden Panettiere, Isabel Lucas, John Potter, Louie Psihoyos. Guión Mark Monroe

Producción Paula DuPré Pesman y Fisher Stevens

Música J. Ralph

Fotografía Brook Aitken

Montaje Geoffrey Richman

Distribuidora A Contracorriente Films.

Sinopsis

The Cove es un documental que muestra la matanza de más de 23.000 delfines en una cala en Taiji, Wakayama (Japón). El filme fue dirigido por el antiguo fotógrafo de National Geographic Louis Psihoyos, y fue grabado secretamente durante 2007 empleando micrófonos submarinos y cámaras de alta definición camufladas como rocas. Ganó el Premio de la Audiencia de los Estados Unidos en el Festival de Cine de Sundance, en enero de 2009.

The Cove, profundiza en las matanzas de delfines apoyada por el gobierno y bloqueada a cualquier contacto con la prensa o el público.

Conciencia personal

Ric O'Barry es el hombre que en la década de los sesenta capturó y adiestró a los cinco delfines que encarnaron a Flipper (protagonista de la serie de televisión). A partir de esa experiencia y a pesar del éxito de la serie, O'Barry se concienció a través de diferentes experiencias de que

los delfines estaban hechos para vivir en mar abierto y no debían hacerlo

en cautividad.

Este documental, es un ejemplo de responsabilidad personal, social y con la naturaleza, O'Barry con este documental, denuncia las prácticas que se llevan a cabo en el pueblo japonés de Taiji, donde personas, amparadas por el sistema político, utilizan sanguinarios métodos de caza de delfines, con desastrosas consecuencias tanto para los animales como para la salud de los seres humanos que consumen su carne (sin saberlo en muchas ocasiones).

Responsabilidad sociopersonal

Queda evidente, como vivimos sin ver, sin saber, adormecid@s en el sistema. En el documental se ve un pueblo, en el que sus habitantes encubren lo que realmente sucede en “la cueva”, adormecidos por artimañas político-financieras que han tejido las autoridades para perpetuar sus intereses.

Cada persona desde nuestro lugar, podemos hacer “algo”, en el documental por ejemplo, se ve como dos concejales que se opusieron a la distribución de carne de delfín en las comidas de las escuelas y lograron llevar a cabo su objetivo.

¿A que espero?

Cuando me llega alguna información sobre algún movimiento social, (incineradora, caza de ballenas, obra de ampliación del puerto de Pasajes…), no me implico, me basta con “saber que otr@s están haciendo algo”, hago uso de mi estado parasitario en la sociedad y de mi adormecimiento en el sistema.

Al final de este documental, uno de los protagonistas dice: "Si no podemos detener eso, si no podemos arreglar eso, olvídense de problemas más grandes".

Cuando yo me adormezco en el sistema lo hago diciéndome que yo no puedo hacer nada…, que cuando sepa que hacer lo haré…, que eso no esta en mis manos… y no hago nada. Ese es el error, claro que puedo, puedo lo que puedo: ver lo que hay, investigar para saber y acción, hacer lo que pueda, a veces a través de una firma, otras una manifestación, un escrito, un documento visual… Entonces, ¿A qué espero?, no tengo que esperar a nada se trata de participar, de “detener o arreglar” lo que si veo y actuar como me sea posible.

Trabajo en equipo

El documental ha sido realizado con un objetivo concreto y común, (sacar a la luz lo oscuro), y es una muestra de cómo personas de diferentes ámbitos, (buceadores, activistas, surfistas, expertos en efectos especiales…), aportan lo que saben “lo que pueden”, para lograr su fin.

Cristina Bañuelos

MISS POTTER

2010-06-16T06:49:00.000-07:00

Ficha Técnica y Artística

Dirección: Chris Noonan
Países: USA y Reino Unido

Año: 2006
Duración: 92 min.
Género: Biopic, drama
Interpretación: Renée Zellweger (Beatrix Potter), Ewan McGregor (Norman Warne), Emily Watson (Millie Warne), Barbara Flynn (Sra. Potter), Bill Paterson (Sr. Potter), Matyelok Gibbs (Srta. Wiggin), Lloyd Owen (William Heelis), Anton Lesser (Harold Warne), David Bamber (Fruing Warne), Patricia Kerrigan (Fiona), Judith Barker (Hilda)
Guión: Richard Maltby Jr.
Producción: David Kirschner, Mike Medavoy, Corey Sienega, Arnold Messer y David Thwaites
Música: Nigel Westlake
Fotografía: Andrew Dunn
Montaje: Robin Sales
Diseño de producción: Martin Childs
Vestuario: Anthony Powell

1902, Inglaterra. La mujer está relegada a quedarse en casa, pudiendo aspirar a organizar el mejor evento social del momento en el interior de su casa. Eventos con fines políticos, económicos y sociales en apoyo al ascenso social marital, familiar e indirectamente personal.

Miss Potter representa a las mujeres con inquietudes, posibles y formación que quieren llevar a cabo su propia vida y que consiguen llevarla; y nos muestra las trabas y el sistema social en el que están inmersas y que pugna a favor de mantener el sistema social y que está en contra de que puedan llevar a cabo sus vidas.

El padre de Potter, al igual que la madre, es un hombre alienado por esta sociedad. Que ha dejado de lado sus inquietudes artísticas para dedicarse a hacer lo que se esperaba de él, ser un hombre respetable, letrado y padre de familia. No obstante, la semilla artística la deposita y alienta en su hija Potter, que gustosamente la asume y desarrolla, llegando a convertirse en la escritora que después es.

Aún albergando ese gusto por el arte, el padre, lo mantiene como y considera un juego de niños. En su concepción no cabe que su hija se dedique y realice con el arte. Potter le supera. El padre no conoce ese territorio, él se quedo en el camino.

Potter ama lo que hace. Disfruta, se deleita, se conoce, y se cuida con los dibujos y cuentos que realiza. En principio no sabe que ésta va ser su vida, ella pinta, se expresa. Pinta y crea su mundo, crea a sus amigos. La película nos muestra sus comienzos de salir al mundo, a expresarse en él, a compartirse y compartirlo, a comunicarse y a ponerse y ponerlo en juego.

Es un proceso interesante, bonito y claro de ver, que nos permite ver las distintas trabas tanto sociales, como familiares y personales con las que se encuentra. Las que supera, y en las que sucumbe. Las que retoma, en un ajuste y reajustes continuos con el medio.

Alienación social y personal

Me ha sorprendido ver las limitaciones tan grandes por género. Las mujeres no podían salir de casa solas, por lo tanto no podían trabajar, ni tener y manejar su dinero. Estaban obligadas a casarse y depender de un hombre para vivir. No se fomentaban sus inquietudes y potencialidades, salvo en excepciones como en este caso.

Potter y la hermana del editor, que se convierte en su amiga, representan a todas esas mujeres que sabían y les gustaba y satisfacía hacer cosas, pero que no podían realizarse porque estaban abocadas a quedarse en casa, ahogadas, sumidas en un sistema familiar y social concreto. Y estas mujeres se revelan, y van haciendo su vida, saliendo y creando un sistema distinto.

La represión, la adaptabilidad social, los trajes apretados, la moda, opresora que no deja respirar, apoyan el estatus quo de este sistema. Hombres por un lado, mujeres por el otro. La sexualidad inexistente y destinada a la procreación y como moneda de pago por perpetuar la dependencia. Lo dicen las protagonistas femeninas en la película. Ellas se dan cuenta y se rebelan ante ello. El amor, en esta sociedad no tiene cabida, está anulado. Solo existen los intereses económicos, de mercado. Estas mujeres y algunos hombres, como el joven editor, creen y quieren vivir de otra manera, creen en el amor, la pasión, la libertad, el compañerismo, creen, se basan y emprenden un viaje de desarrollo de otros valores.

Creatividad y Vida

Toda la sensualidad, pasión y vida que Potter vive cuando pinta pugna por salir, y es esto precisamente, lo que la mueve y hace salir al mundo.

Es una delicia verla pintar, despeinada, suelta, acalorada, ver los pigmentos disolverse, los animalitos guiñar y moverse. Ella pinta la vida en estado puro, la vida animal, que encorsetada en “unos trajes azules de botones dorados”, pugna por salir y expresarse. Su proyección vital.

Cuando ella va a las editoriales, los editores no la comprenden, se ríen de ella.

En su proceso de salida al mundo, Potter necesita del apoyo de este editor joven que cree en ella, fascinado por su arte. Y entre el apoyo de ambos llevan adelante el proyecto que acaba siendo un proyecto común, que con más fuerza va adelante ayudándoles a crecer y posicionarse social y personalmente en un otro y nuevo lugar.

Mecanismos de Alienación

Hay un ámbito que permanece prohibido, el matrimonio, con lo que supone en el establecimiento de un nuevo orden social. Donde la mujer trabaja fuera del hogar, puede realizarse, tiene poder y capacidad de decisión personal y social y la fuerza y el apoyo de hombres que quieren el mismo grado de libertad.

Potter cede ante el chantaje parental y social y se somete a las voluntades de los mismos y convierte su deseo y proyecto de vida en común con el editor en un secreto. ¿De qué tiene miedo? ¿Qué pasa que no se van a vivir juntos el editor y ella? ¿O se casan y se van a vivir juntos? La presión social debe ser muy fuerte, ¿cómo para llevar a la ruina a la familia, dejándola de lado en el sistema socio, económico y político?

Y el secreto se va con ella, con el joven editor y con su pequeño círculo.

Y Potter se recluye, como antaño, hasta rozar la locura, en un proceso de duelo en el que entra, sola, y aislada del mundo. Con la ayuda de su amiga, vuelve a salir al mundo.

Duelo

El proceso de duelo se ve claramente y bellamente expresado a través del dibujo, su medio de expresión. Y se torna patológico, cuando se aísla del mundo, y no puede volver a él, ya que habiendo perdido la noción de estar aislada, pierde la capacidad de darse cuenta de donde está y la necesidad de retornar. Esta sola con su dolor y no puede salir al mundo con él. Y su amiga le apoya y ayuda a salir.

Ajuste Creativo

Finalmente Potter busca un nuevo lugar para si misma, se aleja de la ciudad y vuelve al lugar donde se siente más acorde consigo misma. Destaco, entonces que desarrolla y lleva a cabo su compromiso social a favor de la belleza y de la vida, comprando las tierras que desde niña consideró bellas por si mismas, y las protege del progreso devastador que arrasa con todo; y que lo pretende también en estas tierras, donde los campesinos no son dueñas de ellas, sus dueños las ponen en venta, para supongo la industria. Aquí Potter encuentra su nuevo lugar a caballo entre lo social y lo natural, a caballo entre la escritora y la que se agrícola. Amante de la belleza.

Ahora Potter es dueña de su poder económico, político, social y creativo y lo ejerce.

Responsabilidad Social

Quiero hacer una llamada de atención al uso y responsabilidad de cada uno de nosotros con nuestro poder económico, político, creativo y social. ¿En qué destino mi dinero, qué fines subyacen a mis acciones? ¿Cuáles son mis intereses, personales, sociales, etc.? ¿Qué me mueve y motiva en la vida?

Potter es un ejemplo de mujer que ha salido de la alienación en la que muchas personas sucumben y que se ha comprometido con algo más allá que si misma.

Ainara Campos

ALICIA EN EL PAIS DE LAS MARAVILLAS

2010-05-15T08:33:00.000-07:00

Director: Tim Burton
Guión: Linda Woolverton
Música: Danny Elfman
Reparto: Johnny Depp (El sombrerero Loco), Mia Wasikowska (Alicia), Helena Bonham Carter (La Reina Roja), Anne Hathaway (La Reina Blanca), Crispin Glover (Jota de Corazones), Matt Lucas (Tweedledum y Tweedledee)
País: EE.UU.
Año: 2010
Género: Fantasía

La película es una fantástica historia que habla de la locura. La historia comienza con una fiesta sorpresa organizada para que un Lord inglés pida la mano a Alicia Kingsley. Alicia es una chica tendente a la ensoñación y a abstraerse de la realidad. En medio de esta encerrona, no soporta la situación y sigue a un conejo blanco vestido con un chaleco que a través de un profundo túnel le lleva al submundo.

Este submundo es el país de las maravillas, el lugar al que Alicia acude cuando se desconecta de la realidad. En este país, lleno de simbolismos, el tiempo no existe, las plantas hablan, los animales se visten con ropas y hay comestibles que te hacen crecer o empequeñecerte. En él viven dos hermanas que compiten por la corona; la reina roja y la reina blanca. La misión de Alicia será recuperar la espada robada por la reina roja y matar al dragón Jabberwocky.

El viaje, camino de la locura

Nada más comenzar la aventura, Alicia no tiene clara cuál es su identidad, no sabe si ella es o no es Alicia. Los personajes le dicen que ella no puede ser Alicia dado que ha perdido su muchedad. A lo largo del viaje Alicia tiene momentos de lucidez en los que es consciente de que lo que vive no es real, cree que es un sueño, pero a pesar de todo no puede salir del sueño. Poco a poco va enfrentándose a sus miedos y recuperando su identidad hasta llegar a un grado de maduración que le permite reconocerse como Alicia. Una vez ha reconocido su destino, Alicia debe hacer frente ella sola al dragón, en la lucha que decidirá cuál de las dos hermanas reinará. Para salir de la locura Alicia enuncia 6 cosas imposibles del País de las Maravillas que le dan la fuerza para matar al Jabberwocky. Esta toma de conciencia de la irrealidad es la que le llevará de vuelta a la realidad y a un estado de mayor conciencia y apertura.

La vuelta a la realidad

Tras el viaje Alicia es más madura y está mucho más presente que antes. Vuelve a la escena de la que había escapado para decir a cada persona lo que realmente piensa, siente y quiere. Deja a todo el mundo perplejo y en un guiño a su locura les dedica una deliranza.

En su amplitud de conciencia Alicia es capaz de visionar posibles nuevas rutas de mercado y termina la película navegando en un barco dando respuesta a su verdadero impulso a pesar de lo que su familia y la sociedad espera de una mujer como ella.

Personajes

Cada personaje del submundo refleja una parte de la propia Alicia. Entre otros encontramos a un conejo miedoso y asustadizo, una ratona valiente y aventurera, un conejo loco, un perro fiel y sensato, un gato que se evade y unos gemelos iguales y opuestos.

La rivalidad de la reina roja y la reina blanca simbolizan la lucha entre dos fuerzas opuestas. La reina blanca refleja la polaridad de buena, bondadosa, espiritual, sensible, madura, elegante, pura y dulce. Mientras que la reina roja es tosca, mala, malvada, basta, terca, cabezona, infantil, falsa y mandona.

El proceso de maduración de Alicia se ve reflejado en la oruga quién comienza cuestionando la identidad de Alicia, para ir reconociéndola cada vez más ella. Finalmente cuando Alicia está preparándose para la última batalla la oruga se está convirtiendo en crisálida y al volver Alicia a la realidad la oruga se ha convertido en mariposa.

El sombrerero es un loco con ideas recurrentes. A veces da rienda suelta a su locura cuya mayor expresión es la deliranza de loquilandia. Otras veces se hace pasar por loco y a veces su cordura le permite desenmascarar la verdad de quienes pretenden aparentar ser lo que no son.

Reflexión

La película me hace reflexionar sobre la locura y la cordura. ¿Quién dice que quién está loco/a? Considero que la salud está más cerca de la locura que de la habitual neurosis a la que llamamos “normalidad”. De hecho hay una línea delgada que separa la genialidad de la locura y es la capacidad de estar en el presente. Me da la sensación que cuando se dice o hace algo con total presencia no importa lo alejado que esté de la norma que una sabe que está en lo cierto, en aquello que le dicta su fuero interno, y esto es suficiente. Desde esta presencia, me encanta el guiño que Alicia hace a su locura a través de la deliranza. La salud está en poder hacer “locuras” sabiendo que lo son, y no en dejar de hacerlas por ser consideradas locuras.

Maite Blanco

A PROPÓSITO DE HENRY

2010-05-12T02:45:00.000-07:00

Ficha Técnica y Artística

Director Mike Nichols

Actores Harrison Ford, R.M. Haley, Stanley Swerdlow, Michael Haley, Julie Follansbhee, Rebecca Miller

Pais: EE.UU

Año 1991

Género Drama

Henry Turner es un brillante y despiadado abogado neoyorquino que necesita vencer a cualquier precio. Pero un simple disparo de pistola basta para dejar en punto muerto la meteórica ascensión de Henry, dejándole incapacitado y sin recuerdos de la vida que llevaba. Ahora, al verse forzado a empezar desde cero, Henry Turner está a punto de descubrir la dolorosa verdad acerca de un completo desconocido: él mismo.

Comentario

Henry Turner (Harrison Ford), representa una persona implacable, arrogante, sin escrúpulos y de mal carácter, que vive absorto en el trabajo y en la búsqueda del éxito profesional y económico.

Esta película hace reflexionar sobre la manera de vivir, ¿hago realmente lo que quiero?, ¿a que doy prioridad?, ¿me ocupo de los asuntos que necesito solucionar? o… ¿me evado en cosas materiales y asuntos banales?, ¿doy y pido el contacto que necesito?, ¿qué considero que es el éxito?...

El proceso terapéutico

La película en si misma me recuerda al proceso personal, ya que nos muestra esa segunda oportunidad para empezar de nuevo, desde uno mismo, con propósito y perseverancia y dejándonos ayudar cuando sea necesario.

Y, como en el proceso, su mundo de valores se ve trastocado, y aprende a reconocer el valor de cosas insignificantes hasta el momento.

De la misma forma que Henry, durante el proceso, recuperamos el contacto y a veces incluso la movilidad de zonas de nuestro cuerpo anuladas, no utilizadas o limitadas.

Josune Azcona

HAPPY FEET: EL PINGÜINO (happy feet)

2010-05-12T02:40:00.000-07:00

Ficha Técnica y Artística

Título original: Happy Feet

Dirige: George Miller. Guión: Warren Coleman, John Collee, Judy Morros y George Miller. Música: John Powell.

Con las voces de Elijah Wood, Nicole Kidman, Hugh Jackman, Brittany Murphy, Hugo Weaving, Robin Williams, entre otros.

Duración 108 min.

País Estados Unidos / Australia

Año 2006

Happy Feet cuenta la historia del pingüino emperador Mumble que a diferencia al resto de su especie no sabe ni puede cantar pero es dueño de un gran talento para el baile y por lo tanto se ve excluido por el resto de la colonia.

El film se divide en dos partes bien diferenciadas, la primera corresponde a la presentación de los personajes y al descubrimiento de sus habilidades cantoras y danzantes, con diversos números musicales, en los que se respira el amor por el musical clásico, el claqué y por la música pop de las últimas décadas.

Viaje mítico

En la segunda parte, cuenta el gran viaje mítico, que realiza Mumble, un viaje en el que va encontrando diversos personajes, y que con gran ímpetu y espíritu de superación emprende.

En el encuentra a unos amigos cubanos, conoce la figura del maestro, y prosiguen en busca de " los alienígenas que roban el pescado" (los hombres), todo el viaje, el descubrimiento de los diversos parajes que atraviesan, el ataque de las orcas, la llegada al puerto abandonado y sus oxidadas instalaciones, o la aparición del gigantesco barco pesquero, cual monstruo del averno, es una gran aventura.

Gran parte de la película, nos transmite, y toca a la puerta de nuestro compromiso y conciencia ecológica. Nuestra responsabilidad con el medio ambiente y con todas las especies que convivimos en nuestro planeta.

Es un gran ejemplo de la intransigencia ante los que no admiten a los diferentes, y a los que los excluyen por ello. Nos muestra lo mucho que se divierten unos, y lo encerrados que viven otros.

Finalmente Mumble, sus amigos y el Dr. Amor llegan al lugar, donde el maestro había encontrado su collar (plástico de sujetar las latas, el cual le estaba ahogando). En esa costa descubren a los grandes barcos que se llevan los peces y están provocando escasez y dificultades a los animales.

Tras salir a la persecución y recorrer largas distancias, Mumble termina siendo capturado y encerrado en un acuario donde intenta comunicarse con los humanos para hacerles entender lo que está causando que ellos se lleven los peces pero no logra llamar su atención. Finalmente lo logra al ponerse a bailar, aquello que tan innato era en él, y que por ello fue excluido de su colonia. Al notar este comportamiento extraño para un pingüino los humanos lo devuelven a su colonia donde Mumble incita a todos sus iguales a bailar para así lograr que los humanos entiendan que algo está mal. Al lograr esto los humanos descubren cuál es la causa y buscan una solución. Al mismo tiempo, Mumble logra no sólo el amor de Gloria sino también toda la aceptación de los suyos.

Josune Azcona

LILA DICE (lila dit Ça)

2010-05-01T07:50:00.000-07:00

Ficha Técnica y Artística

Dirección: Ziad Doueiri.

Países: Francia, Italia y Reino Unido.

Año: 2004.

Duración: 89 min.

Género: Drama.

Interpretación: Vahina Giocante (Lila), Mohammed Khouas (Chimo), Karim Ben Haddou (Mouloud), Edmonde Franchi (La tía), Lofti Chakri (Bakary), Hamid Dkhissi (Gran Jo), Carmen Lebbos (Madre de Chimo).

Guión: Ziad Doueiri; basado en la novela de Chimo.

Producción: Marina Gefter.

Música: Nitin Sawhney.

Fotografía: John Daly.

Montaje: Tina Baz.

Diseño de producción: Yves Bernard.

Vestuario: Pierre Matard.

Narra la historia de marginalidad, de falta de arraigo y de sentido de identidad, con la consiguiente fobia social, con su base, de fobia a lo desconocido por distinto.

Los personajes, son unos chicos jóvenes de origen árabe, residentes en un barrio de una ciudad de Francia. Están frustrados, aburridos y hartos. Sin saber qué hacer con sus vidas y sin cuestionárselo abiertamente si quiera. A excepción de uno, quien nos conducirá por esta bonita historia de amor por la vida.

La película plantea cómo la cerrazón, el aferrarse a unos modos de vida rígidos, por un lado nos definen y dotan de una seudoidentidad que nos aporta un lugar en el mundo social en el que estamos. Y por otro lado, si son muy rígidos, nos limitan y niegan la posibilidad de plantearnos y cuestionarnos qué queremos, deseamos y necesitamos, cada uno para si mismo. Entonces, esta seudoidentidad, antepone la identidad como perteneciente a un clan, estirpe, cultura, concreto, a la identidad como persona e individuo, con sus deseos y necesidades.

Integración entre personas

Hay veces, como se muestra en la película, la cultura, la tradición se anteponen a la identidad de la persona y además de dotarle de un sentido de identidad (social), de pertenencia; le sirven como defensa ante una cultura mayor, que en este caso es la francesa, que la contiene. En el momento en el que se encuentran dos partes, mundos que no se conocen, lo natural es, cuando es un individuo, nación , grupo, estado, que se vaya estableciendo una relación dialogal, que en función de las necesidades de ambas partes irá estableciendo y creando una relación.

¿Qué pasa que estos encuentros no se crean? ¿qué pasa qué como se ve en esta película apenas se relacionan los franceses “de toda la vida” con los árabes, y que finalmente se acaban creando guetos y barrios casi exclusivos para “árabes”, en este caso?

Este debate sería muy interesante pero lo voy a dejar para entrar a otros aspectos relacionados, que son dos temas centrales de la película y que pienso aportan pistas para la resolución de este asunto.

Sexualidad

La sexualidad como motor de vida. La libido, la energía creativa y de vida está dormida en nuestro protagonista. Se siente insatisfecho, frustrado, no sabe qué hacer con su vida y cuando se le plantea la oportunidad de hacer algo con ella la rechaza. ¿Tiene miedo, está deprimido?

Hasta que aparece Lila en su vida.

Lila representa, la vida, el deseo, lo misterioso, curioso, extraño y desconocido. Y al protagonista esto le atrae; bueno más bien le atrae Lila, que representa esto. Es fantástico.

A sus amigos también les atrae Lila, pero de otro modo. Su amigo principal quiere poseer a Lila, disponer de ella, como si de un objeto se tratase. Esta es la diferencia entre sexualidad y posesión.

La sexualidad es placer, es atracción, es deseo, curiosidad, interés por el otro, por descubrirlo, conocerlo, disfrutar con él. La posesión es tenerlo, disponer de él, y si se resiste, incluso empleo la fuerza.

La sexualidad es respeto, es juego, exploración, conocimiento y reconocimiento. Es contacto. Y el contacto es entre un yo que me quiero relacionar con un tú que también quiere. Y ahí, en ese encuentro es donde podemos jugar, reconocer, conocer, disfrutar y crear el encuentro. Sin ese deseo y aceptación y tomar en cuenta que soy yo que me relaciono con un tú que se relaciona, el respeto y el encuentro son imposibles.

Esta idea, base de la Gestalt, es principal para cualquier encuentro, relación, aplicable a esta integración entre miembros de distintas culturas en nuestras sociedades.

Chimo y Lila se encuentran y entre ambos crean una relación, única.

Creatividad

Es otro aspecto importante y que presenta la película.

Chimo sabe y le gusta escribir. Pero no se atreve a estudiar y a dedicarse a ello, y a alejarse de su madre, separarse de ella, dejar atrás lo conocido, asumir su historia familiar, su futuro y vida. Hasta que una vez encendida y alimentada su energía de vida, con su encuentro y relación con Lila, Chimo retoma su escritura, y pone en juego su capacidad creativa.

Lila y Chimo comparten sus inquietudes e historias nutriéndose de imágenes y experiencias. Así nutren y alimentan su capacidad creativa.

Lila tiene una gran capacidad de inventiva y de fantasía que le sirve para evadirse de su situación vital familiar claustrofóbica y desesperada y es su modo de relacionarse con el mundo, en este caso con Chimo. Lila da en realidad una imagen de mujer resuelta, madura y atrevida de lo que en realidad es. Y esto le trae complicaciones también.

La fantasía es una herramienta creativa cuando uno la pone en juego de un modo consciente, y resulta destructiva cuando a uno le entorpece en su vida, le limita y le puede.

La capacidad de Chimo la pone entonces en juego en distintas áreas de su vida, con su escritura, escribiendo un diario de su relación con Lila, que será su libro como trabajo de acceso a la Institución donde podrá formarse como escritor, se compromete con su profesión escritor, resuelve y atiende su relación de dependencia con su madre, a la vez que a su madre también le sirve y afecta para su vida, asume su realidad familiar y el abandono de su padre. En el único ámbito en el que no pone en juego su creatividad, entendiendo por creatividad, como el ajuste, cambio y adaptación que hacemos en nosotros mismos y en nuestro entorno con las experiencias y conocimientos que vamos adquiriendo e integrando en nuestra vida, es con sus amigos; en lo que respecta al lugar social que ocupa. ¿Qué le pasa a este chaval que no se atreve a decirles a sus amigos, en especial a uno, que sí, conoce a Lila y que le gusta, y que está con ella, lo que es/sea? ¿Por qué no da la cara? Y el no dar la cara genera problemas. Y graves.

Pienso que Chimo tiene miedo. Que no se atreve a mantenerse solo en el mundo. Que prefiere ampararse en una estructura que le sostenga y de cobijo, como es su grupo de amigos, aunque esto no le proporcione satisfacciones e incluso le genere conflictos.

Es una actitud común en la adolescencia. La de priorizar el grupo de amigos donde uno se siente alguien a buscar y realizar aquello que a uno le satisface o al menos, si no sabe qué le satisface salir a buscarlo.

Claro que una vez que soy consciente de mi actitud y acción he de responsabilizarme de mi necesidad y elegir lo que necesito. Si es el amparo del grupo el amparo y si es la exploración, y el riesgo de salir al mundo, el riesgo.

Chimo no es conciente de su actuación y de sus consecuencias hasta puede, que al final de la historia.

La prostitución es otro tema que toca la película, y que no quiero dejar desapercibido. En la prostitución que conozco, conocemos y nos muestra la película, la relación entre cliente y prostituta, están basadas en el dinero, y uso de la otra persona como objeto de cambio y transacción. Uno obtiene dinero y el otro placer.

Quiero destacarlo como elemento distinto y contrapuesto al desarrollo de la capacidad creativa y de la sexualidad. Los amigos de Chimo no acuden a donde las prostitutas a desarrollar su capacidad amatoria, y destrezas sexuales y a ser más creativos y las prostitutas tampoco, ambos buscan poseer, dinero y placer.

Pienso que ambas opciones son opciones y me gustaría que llegasen a ser elecciones.

Ainara Campos

EL MÉTODO

2010-04-28T02:49:00.000-07:00

Ficha Técnica y Artística

Dirección: Marcelo Piñeyro

Países: España, Argentina e Italia

Año: 2005

Duración: 120 min

Género: Drama

Interpretación: Eduardo Noriega (Carlos), Najwa Nimri (Nieves), Eduard Fernández (Fernando), Pablo Echarri (Ricardo), Ernesto Alterio (Enrique), Carmelo Gómez (Julio), Adriana Ozores (Ana), Natalia Verbeke (Montse)

Guión: Mateo Gil y Marcelo Piñeyro; basado en la obra "El método Grönholm" de Jordi Galcerán Ferrer

Producción: Gerardo Herrero y Francisco Ramos

Fotografía: Alfredo Mayo

Montaje: Iván Aledo

Dirección artística: Verónica Toledo

Vestuario: Verónica Toledo

Sinopsis

“El método” nos cuenta la historia de un proceso de selección de personal que se da en una empresa multinacional, en la que siete aspirantes optan por un puesto a alto ejecutivo. La prueba se realiza en un edificio de la empresa que se encuentra en el paseo de la Castellana de Madrid, mismo escenario, en el que al mismo tiempo, está ocurriendo una manifestación anti-globalización contra el Fondo Monetario Internacional, con las fuerzas de seguridad antidisturbios al frente.

Los siete aspirantes (dos mujeres y cinco hombres) se encuentran en una fría y claustrofóbica sala, a la espera de ser entrevistados, debiendo rellenar para ello un formulario en el que dan su conformidad a que su evaluación se realice a través del “Método Gronholm”. Ellos desconocen de qué se trata dicho método. Su primera sorpresa es que en esa sala no hay un entrevistador, ni un psicólogo, ni ninguna persona que los vaya a evaluar.

En ese clima de incertidumbre, el nivel de desconfianza aumenta, cuando un aspirante menciona un método de selección de personal que se utiliza en Estados Unidos, que consiste en hacer dinámicas de grupo en las cuales los candidatos a través de su forma de interactuar, demuestran sus actitudes y aptitudes. Los aspirantes al puesto deducen que ese debe ser el “método Gronholm”. Y empiezan a sospechar que están vigilados por cámaras y micrófonos.

A través de los ordenadores de la sala, se les presenta la primera prueba que deben de realizar. Se les dice que uno de ellos no es un aspirante, sino el psicólogo que les está evaluando. La prueba consiste en encontrar al topo infiltrado entre ellos. A partir de ahí la competitividad y la paranoia serán la tónica general del clima que se genera en esa sala.

La película va transcurriendo a través de distintas pruebas que los aspirantes deben realizar para demostrar que son los mejores para acceder al puesto, en cada una de las cuales uno de ellos va siendo eliminado. Y en esa dinámica se van generando conflictos, haciendo alianzas o desvelando secretos, que irán sacando lo peor de cada uno.

Personajes

Carlos Es un pijo, de familia bien. Ha estudiado en Cambridge. Sus modales son ejemplares en todo momento. Representa al triunfador y carece de escrúpulos. Tuvo un romance hace tres años con Nieves, otra de las aspirantes, aunque desde entonces no la había vuelto a ver.

Nieves Es una mujer misteriosa y un poco turbia. Parece que pisa fuerte y va a por todas. Sin embargo, tiene un problema, es consciente de que el tiempo va pasando y que en esta carrera meteórica que lleva, se está perdiendo cosas que le gustaría hacer en la vida, como por ejemplo, tener un hijo.

Julio Es el personaje aparentemente más centrado y tranquilo. Sin embargo, la honestidad que demostró tener en un suceso de su pasado, le jugará una mala pasada en este proceso de selección.

Enrique Representa a un hombre inseguro. Es el candidato que les cuenta a los demás lo que sabe sobre el método de selección de personal basado en dinámicas de grupos. Pretende hacerse “el listo”. Al final resulta ser un “pringao” y un queda-bien que no sabe cómo afrontar la encerrona que le preparan. Lamentablemente y muy a mi pesar, es el personaje con el que más me identifico.

Fernando Representa al “macho ibérico”. Es el personaje aparentemente más agresivo. Y digo aparentemente, porque la agresividad encubierta y la hostilidad fría se palpa en todos los personajes. No guarda “las formas” como los demás y se muestra impulsivo en sus actos y en lo que dice.

Ana Es una mujer madura de cuarentaitantos que pretende dar la imagen de ser una mujer de éxito profesional que pisa firme, pero que sin embargo es muy vulnerable e insegura.

Ricardo Inicialmente es el personaje más crítico con la prueba de selección. Con el tiempo se desvelará como uno de los organizadores de todo el “tinglado”.

La secretaria Es una mujer atractiva y seductora que parece que se divierte en su trabajo. Con Ricardo, es la otra persona que organiza este proceso. Es bastante insensible y a veces resulta hasta cruel ver cómo manipula a los candidatos para que el proceso de selección siga su curso.

Elegí esta película para verla con mis alumnos en la clase de “ética”. Ya la había visto antes y me parecía que representaba de una forma bastante cruda y realista en lo que se está convirtiendo nuestra sociedad capitalista. El éxito, el triunfo, el dinero… son los valores que cada vez imperan con mayor fuerza.

La película se centra sobre todo en el proceso de selección a un puesto de trabajo de alto ejecutivo. Los candidatos son personas “triunfadoras” sobre el papel, pero yo creo que realmente son una víctimas del sistema.

Es impresionante ver lo que son capaces de hacer por “ganar”, por conseguir su objetivo. Humillar, engañar, mentir. Todo vale en esta lucha sin cuartel. Es la lucha por la supervivencia.

Y a medida que transcurre el proceso los candidatos van perdiendo su alma, se van deshumanizando. Y es por ello que desde mi punto de vista, el ganador final es en realidad el que más pierde.

Pero mientras todo esto ocurre, otra cosa que me impresiona es ver las imágenes de estos aspirantes a ejecutivo, encerrados en su urna de cristal, observando por la ventana los destrozos que están teniendo lugar en la manifestación de la calle. Mirando insensibles, como si a ellos no les afectara lo que ocurre en el mundo.

Y todos ellos representan dos polos de nuestra sociedad actual. Los manifestantes representan la rebeldía contra el sistema, la inconformidad, la acción. Los candidatos por su parte representan la sumisión al sistema, lo acomodado y la pasividad.

Lo que más me impacta de la película es comprobar la miseria humana. Ver todo lo que podemos llegar a hacer por alcanzar una meta y en definitiva por no afrontar nuestro vacío existencial.

La película termina con una imagen que refleja la destrucción y la desolación. Ese es el futuro que nos espera si seguimos por este camino.

Aurkene Gallastegi

BIG FISH

2010-04-28T02:37:00.000-07:00

Ficha Técnica y Artística
Dirección Tim Burton

País USA.

Año 2003

Duración 125 min.

Interpretación Ewan McGregor (Edward Bloom joven), Albert Finney (Edward Bloom mayor), Billy Crudup (William Bloom), Jessica Lange (Sandra Bloom), Helena Bonham Carter (Jenny/Bruja), Alison Lohman (Sandra joven), Robert Guillaume (Doctor Bennett), Marion Cotillard (Josephine), Matthew McGrory (Karl), Danny DeVito (Amos), Steve Buscemi (Norther Winslow).

Guión John August; basado en la novela de Daniel Wallace.

Producción Richard D. Zanuck, Bruce Cohen y Dan Jinks

Música Danny Elfman

Fotografía Philippe Rousselot

Montaje Chris Lebenzon

Diseño de producción Dennis Gassner

Dirección artística Jack Johnson y Richard L. Johnson

Vestuario Colleen Atwood

Sinopsis

Como una red entretejida de historias reales y exageradas, Big Fish es la historia de Edward Bloom y aquellos que le aman… Aunque no siempre cree todo lo que dice,… para Edward… el relato lo es todo.

Edward pasa el día leyendo la Enciclopedia Mundial, porque es un niño de ocho años confinado en una cama a causa de un crecimiento sobrenatural. Se fija en un artículo sobre los peces grandes, en el que aprende… “que si los peces grandes se guardan en una pecera pequeña se quedan pequeños… Con más espacio, el pez puede doblar,… triplicar… o cuadriplicar su tamaño.”

Diez años más tarde, tras convertirse en el joven más popular de Ashton, (Carolina del Sur),… se da cuenta de que,… como los grandes peces, para crecer, debe abandonar su hogar y explorar el mundo… Y entonces, comienza un viaje mítico e increíble.

Muchos años e incontables aventuras después, E. Bloom (Ewan McGregor) es muy conocido como contador de historias sobre su colorida vida de joven poco ordinario, cuando su pasión por los viajes lo lleva por todo el mundo… y de vuelta otra vez…

Sus míticas proezas van de lo encantador a lo surrealista, entretejiendo sagas épicas sobre gigantes y hombres lobo,… cantantes de salón coreanas,… una bruja con un ojo de cristal que puede ver el futuro…y desde luego, un gran pez que se niega a ser cogido.

Las fabulosas historias de Bloom encantan a cualquiera que se encuentra excepto a su hijo Will (Billy Crudup), que también ha abandonado su hogar, pero en este caso para escapar de la gran sombra de su padre. …Cuando Edward enferma y su mujer, Sandra (Jessica Lange), trata de reconciliarlos, Will se embarca en su propio viaje personal para separar el mito de la realidad de la vida de su padre y aceptar los grandes éxitos y los grandes fracasos de éste.

La joven Sandra (Alison Lohman), es el único amor verdadero de la vida de Edward. Otros personajes, la mujer de Will es Josephine (Marion Cotillard), el poeta convertido en atracador de bancos y en agente de Wall Street Norther Winslow (Steve Buscemi), Amos Calloway (Danny DeVito), el propietario y el señor del anillo de un circo ambulante.

El Viaje

En muchísimas obras literarias, y también en películas, resulta esencial a la trama el viaje del héroe, en que éste, tras dejar su hogar, pasa y una mil peripecias que le enriquecen interiormente. De ese modo, de vuelta a casa, se ha convertido en mejor persona, con más vida interior.

Es lo que plantea Ed Bloom a su nuevo amigo Karl el Gigante, cuando se dispone a recorrer el mundo:… "¿Crees que este pueblo es demasiado pequeño para ti? …Bueno, es demasiado pequeño para un hombre de mi ambición. Amo cada metro cuadrado de él. Pero puedo sentir como sus límites se ciernen sobre mí. La vida de un hombre sólo puede crecer hasta cierto punto en un lugar como éste".

Iñigo Bañuelos

MEMENTO

2010-04-28T02:25:00.000-07:00

Ficha Técnica y Artística
Título original: Memento

Año: 2000

Reparto: Guy Pearce, Carrie-Anne Moss, Joe Pantoliano

Dirección: Christopher Nolan

Música: David Julyan

País: USA

Duración: 116 min.

El argumento

Memento es la historia de Leonard Shelby, ex investigador de seguros, quien sufre un síndrome de amnesia desde que su mujer fue violada y asesinada en casa. Leonard sólo es capaz de recordar lo acontecido

durante los dos últimos minutos. Pero sí tiene memoria como para acordarse de que tiene este problema, y vive adaptándose como puede a esta situación: escribe continuamente post-its con los datos importantes, hace fotografías y se tatúa el cuerpo con los mensajes fundamentales. Porque él busca vengarse del asesino, y eso sí que no lo olvida.

La forma

La película no está narrada cronológicamente, sino en forma de dos historias diferentes, una que avanza en el tiempo, y otra que retrocede, que se van intercalando. Esto hace que la vivamos con gran desconcierto y esfuerzo mental por intentar comprender lo que está ocurriendo.

Memento es para mí una película de descontrol: el argumento no se hila hasta el último fotograma, el tiempo salta, va hacia delante, va hacia atrás, el personaje principal necesita imperiosamente recurrir a sus trucos para no olvidar, otros personajes se aprovechan de esta circunstancia para engañarlo... Al mismo tiempo, no queda claro si el propio protagonista pudo haber cometido el asesinato o no. Memento revuelve, nos saca del terreno conocido en el que nos sabemos manejar: tiempo, espacio, memoria. Nos muestra cómo dependemos de la variable tiempo en una forma determinada, y cómo este cambio de forma (el tiempo hacia atrás, o intercalado) nos afecta.

Neurosis

Y, al mismo tiempo, es una hermosa metáfora de qué es la neurosis.

Si, como el protagonista, no tuviésemos prácticamente memoria, viviríamos el aquí y ahora, sin ‘recordar’ aquello que nos turbó en cierto momento de nuestra vida. Pero, al igual que él, nos esforzamos continuamente en mantener esa memoria viva, en seguir viviendo lo que ya fue pasado, en sufrir innecesariamente. Leonard intenta ‘no olvidar’ por medio de notas, fotografías y tatuajes y nos hace la siguiente pregunta: ¿cuántas notas, fotografías y tatuajes psicológicos nos empeñamos en llevar a cuestas y en no olvidar? Y, al mismo tiempo: ¿cuánta energía destinamos a este fin, a no bajar la guardia? Vivimos en tensión para que no se nos olvide aquello que ocurrió en un pasado y que ya no es actual.

Hecha esta reflexión, podríamos llegar a la conclusión de que nos sobra toda esta información que llevamos grabada, pero hay un hecho en la película que nos recuerda que no: Leonard es engañado y manipulado por Natalie para librarse de Dodd. La neurosis nos ha sido y es necesaria en cierto grado, para evitar ser dañados por los demás y poder sobrevivir en el mundo. Pero vivir neuróticamente nos puede llevar, como le ocurre al protagonista, a perder la perspectiva y llevar a cabo acciones erróneas, que no se ajustan con nuestra realidad, pero que no somos capaces de discernir. Es por esto que hacemos daño sin darnos cuenta de ello.

Memento también nos muestra cómo nuestro cuerpo guarda fielmente la información más importante para nosotros. En la película esto se concreta a través de tatuajes, y en nuestra vida llevamos tatuados en el cuerpo nuestros recuerdos principales, en forma de tensiones, bloqueos o zonas especialmente delicadas y sensibles. Como dicen en la película: “La información importante se lleva en el cuerpo”.

El viaje

El protagonista emprende un viaje de vuelta al fatídico día del asesinato, buscando sanar consumando su venganza. Y lo hace sin tener un hilo argumental, con datos sueltos apuntados por su cuerpo. Para ello, dispone de una nota fundamental “Recuerda a Sammy Jankis” tatuada en su cuerpo. Esto me lleva a plantearme la posibilidad de deshilar nuestro periplo vital, de, una vez conocido nuestro hilo argumental existencial, vivir el momento, sin hacer las cosas porque está escrito en algúnsitio (mental) que las tenemos que hacer de una determinada manera. Romper el argumento, darle un giro y deshacerlo, cambiarlo, como manera de liberarnos de su peso psicológico. Porque “los recuerdos son una imaginación, no hechos”.

Belén Napal

PARÍS

2010-03-31T03:04:00.000-07:00

Ficha Técnica y Artística

Género: Drama

Año: 2008

País: Francia

Escritor y Director: Cedric Klapisch

Actores Protagonistas: Juliette Binoche, Romain Duris, Fabrice Luchini, François Cluzet, Mélanie Laurent, Maurice Bénichou, Darin Viard.

Es la historia de varios personajes con vidas distintas y circunstancias muy diferentes que se entremezclan en la cotidianeidad de la ciudad de París. Como punto común entre todos ellos, la manifestación de la muerte en sus vidas de una manera u otra. Así como el deseo de sentirse vivos, de ser amados y amar.

Además la película da pinceladas sobre asuntos sociales, estatus, racismo, historia y arquitectura de la ciudad de París.

Algunos Protagonistas

Pierre está enfermo del corazón, a la espera de un trasplante que no sabe si llegará a tiempo ni le garantiza seguir viviendo. Desde que sabe de su enfermedad comienza a mirar la vida, a observarla y a resolver y ordenar sus asuntos.

Élise es la hermana de Pierre, que se traslada a vivir con él para atenderle y acompañarle. Élise está enfadada con los hombres por las experiencias que ha tenido, y se dedica a sus hijos y su trabajo, olvidándose deliberadamente de sí misma.

Roland es historiador y profesor de la Sorbona. Aparenta ser un hombre orgulloso de su manera de vivir. Coincidiendo con la reciente muerte de su padre comienza a sentir miedo a la vejez. Al mismo tiempo se siente atraído por una joven y vital estudiante.

Philippe, hermano de Roland es un arquitecto de éxito casado con una mujer más joven que él y que espera un hijo. Parece asustado ante la responsabilidad de tener un hijo, a la par que por la construcción de un edificio en la ciudad.

Jean tiene un puesto de verduras en el mercado. Acaba de divorciarse y ve a diario a su mujer en el puesto de enfrente. Para él es duro aceptar que su mujer flirtee con otros hombres. Aún no se ha separado sentimentalmente del todo de ella.

Benoit trabaja en un hotel en Camerún, donde conoce a una mujer parisina que está de vacaciones y por la que queda fascinado. Cuando recibe una postal de su hermano que vive en Francia emprende el viaje hacia allí, exponiendo su vida en el trayecto. Para él ese riesgo está justificado en dirección a una vida que cree será mejor.

Laetitia se dedica a estudiar, disfrutar de su juventud y las ocasiones que la vida le presenta. No tiene ataduras, cargas ni compromisos. Se siente y es libre y así vive.

Muerte/Vida

Pierre ha aceptado su enfermedad con calma y entereza, sin acritud. Ahora él no puede hacer muchas de esas cosas sencillas y cotidianas. Está asustado pero no se amilana. Se dedica a observar la vida y las personas, lo que de maravilla tiene la vida para los que disponen de todas las posibilidades del mundo a las que optar y de las que disfrutar. Desde esa posición toma verdadera conciencia de lo que verdaderamente es estar vivo.

En una conversación con su hermana le dice:

“¡Saldrás adelante, ¡¿vale?! Estás viva y tienes tiempo, ¡aprovéchalo! Estoy harto de que lo veas todo tan negro. Joder, vive, ¡aprovecha tu tiempo! Confía en el destino. Si no crees en ti, yo sí lo hago. Tu vida no está acabada. Es posible que ni siquiera haya empezado.”

Muchos vivimos no siendo conscientes de que moriremos. De que la vida se acaba y que estamos aquí para vivirla. Que todo lo que dejamos pasar pensando que habrá otro momento mejor, más idóneo o adecuado, pasa irremediablemente. Que cada momento que pasa, no vuelve. Que construimos a cada paso nuestro ser. Y solo nos asomamos a esta realidad cuando la muerte nos toca de cerca, bien porque enfermamos, por un accidente, porque alguien querido que muere. E incluso después, la cobardía nos hace volver a olvidar. Olvidar que el tiempo transcurre, que vivir significa disfrutar. Olvidamos creer en uno mismo y confiar en los demás y en el flujo de los acontecimientos.

Élise es asistente social y cada día en su trabajo ve a personas que pasan dificultades. El desgaste que ella misma siente por el modo de vida que lleva se ve reflejado en su trabajo. No se ayuda a sí misma y tampoco puede ayudar a otros. Es a través de la actitud de su hermano y sus palabras que se da cuenta que necesita aflojar en su conducta y abrirse a los demás. Pasar página y comenzar a confiar de nuevo en las personas, especialmente en los hombres.

Roland pretende quitar importancia a la muerte de su padre, relativizarla. Pero algo se mueve en su interior que le hace angustiarse y sentirse solo. Se siente atraído por la juventud de Laetitia, como si poseyéndola a ella recuperara algo de su propia juventud. Y en cierto modo así es. Enfocando su energía en algo vital, ilusionante, se despierta en él la alegría, el movimiento, el deseo de hacer cosas.

Esperanza Elvira Maiz

CYRANO DE BERGERAC

2010-03-31T02:58:00.000-07:00

Ficha Técnica y Artística

Título original Cyrano de Bergerac

Director Jean-Paul Rappeneau

Guión Jean-Claude Carrière & Jean-Paul Rappeneau (Obra: Edmond Rostand)

Música Jean-Claude Petit

Fotografía Pierre Lhomme

Reparto Gérard Depardieu, Jacques Weber, Vincent Pérez, Anne Brochet, Roland Bertin, Joseane Stoleru, Philippe Volter, Philippe Morier-Genoud, Pierre Maguelon

Productora Artificial Eye

Premios 1991: 1 Oscar: vestuario.5 Nominaciones,incluyendo mejor película extranjera y mejor actor (Gérard Depardieu), Globo de Oro: mejor película extranjera, Cannes: Mejor actor (Gérard Depardieu), César: Mejor película

Género Drama. Romance. Aventuras | Drama de época. Siglo XVII

Contexto

La obra Cyrano de Bergerac fue escrita por el dramaturgo francés Edmond Rostand en 1897, llevada al cine en numerosa ocasiones, la película realizada por Jean Paul Rappeneau parece ser una de las más fieles adaptaciones de esta obra. Cyrano de Bergerac está fantásticamente ambientada en la Francia del siglo XVII, en pleno auge del romanticismo y de la Guerra de los Treinta Años, una de las épocas de mayor esplendor de Francia: la de Luis XIV y el cardenal Richelieu.

Personajes

El personaje protagonista fue inspirado por la figura de Savinien Cyrano de Bergerac nacido en Perigord en 1619. Perteneció a la nobleza pero dilapidó su fortuna y tuvo que ganarse la vida escribiendo obras fantásticas, satíricas y libertinas. Para su adaptación al cine, Rappeneau modifica al libertino y ateo Cyrano y lo convierte en un poeta y capitán de la compañía de los gascones, soldados de la guardia Real Francesa. El Cyrano de Rappeneau es orgulloso, pendenciero, irónico, noble y fanfarrón. Es hábil con la espada y posee unas sobresalientes dotes para la lírica. Entre sus aficiones destaca batirse en duelo con quien ose destrozar la poesía con versos nefastos.

El personaje de Roxanne parece haber sido modificado de la obra de Rostand para la versión cinematográfica. En la novela se presenta a Roxanne como una mujer acorde con los cánones de la época, inocente, sumisa, abnegada, modesta, bondadosa y subordinada al hombre. Pero la Roxanne que aparece en la película ha evolucionado, ya que es una mujer que expresa sus sentimientos y con un fuerte carácter. Muestra iniciativa a la hora de acerarse a Christian y no es pudorosa, mas bien impulsiva y apasionada.

Cristhian es un guapo cadete que sirve en el regimiento de Cyrano y del que Roxanne está perdidamente enamorada. Es poco hábil con la poesía y no tiene mayor encanto que su atractivo físico. Carente de iniciativa se deja llevar por Roxanne

Sinopsis

Cyrano está enamorado de su prima Roxanne, pero el cree no ser merecedor del amor de una mujer de tan deslumbrante belleza. Se atormenta negándose la posibilidad de ser amado por ella, hasta el punto de ayudar a Christian, su rival, escribiendo para él apasionadas cartas de amor dirigidas a Roxanne, en las que secretamente y hasta el día de su muerte le expresará el amor que siente por ella.

Cyrano y Christian se conocen debido a que éste ingresa en la academia de gascones, de la que el poeta es capitán.

Roxanne pide a su primo que proteja a su amado ya que teme que los gascones, famosos por su bravura, se aprovechen de su posición de novato. Cuando Christian llega a la academia, desconociendo la identidad del primo de su amada, intenta provocar a Cyrano haciendo alusión a su prominente nariz, la cual nadie osa nombrar, y el espadachín no tiene más remedio que acallar su impulso de atravesarle con la espada, ya que se lo ha prometido a su prima y porque por encima de todo la ama y quiere que sea feliz.

A partir se este momento, con la belleza de Christian y el ingenio de Cyrano, estos se embarcarán en una romántica aventura a la conquista de la hermosa Roxanne.

Cyrano siente amor por Roxanne, ella muere de éxtasis ante los poemas que su primo le escribe y Christian busca satisfacer sus deseos sexuales.

Christian no tiene labia y sólo puede acceder a su amada a través de la poesía de Cyrano, lo que no conseguirá hasta que, en una hermosa noche de luna llena, sea Cyrano quien recite los más hermosos versos de amor para ella. Roxanne extasiada por tanta belleza lírica permite pasar a su alcoba a quien cree ser el autor de tan sublime poesía. Mientras Cyrano se aleja bajo la lluvia sabiéndose el hombre más desdichado.

Tras una fugaz boda Cyrano y Christian parten con los gascones a la guerra. Cyrano promete a su prima que cuidará de su recién estrenado marido.

Cyrano le escribe cartas a diario en nombre de Christian. Pero Roxanne no puede esperar y se presenta en el campo de batalla con provisiones para la compañía.

Es entonces cuando Christian se da cuenta del amor que Cyrano siente por Roxanne y le pide que se declare, ya que además, ella le ha revelado que aunque al principio se sintió atraída sólo por su físico, lo que de verdad le gusta de él es su interior, que se ve reflejado en sus cartas.

Christian es herido en la batalla y antes de morir en brazos de Roxanne, Cyrano le hace creer que de verdad ella lo ama.

Roxanne se recluye en un monasterio para superar el dolor sabiendo que no podrá amar a nadie como ama al autor de esa poesía que le hace perder el conocimiento.

Cyrano acude diariamente, durante años, a contarle a su prima lo que en las calles de Gascuña acontece. Uno de esos días Cyrano al haber sido golpeado por una viga, en un accidente provocado por sus enemigos, cae muerto en el jardín, reivindicando lo que nunca ha sido capaz de abandonar, su orgullo.

Roxanne no se dará cuenta hasta el final del epitafio de que él es realmente la persona de la que está enamorada.

Comentario personal

He elegido esta película porque es una de mis favoritas. La primera vez que la vi, quedé tan maravillada que me pasé varios días escribiendo los versos que Cyrano recita a Roxanne en la escena del balcón. Me los aprendí y veía la película una y otra vez recitándolos.

He sido siempre una persona muy romántica y he esperado mucho tiempo a que apareciera en mi vida un Cyrano. Ahora se que no existen y aunque racionalmente me doy cuenta de que es irracional seguir pensando en que algún día aparecerá, dentro de mí, pegados a mi piel, están todos los cuentos, todas las películas, todos los libros en los que el príncipe maravilloso, el héroe o el protagonista de la historia conquista a la bella y la saca de su sueño, la libera del malvado villano y la lleva en brazos a vivir juntos felices para siempre. En contraposición a este idílico cuento de hadas e igualmente incrustado bajo mi piel está el mensaje de mi madre, ese que dice que todos los hombres son unos desgraciados y que ninguno merece la pena.

Así que en mi vida me he encontrado ante la tesitura de posicionarme en un mundo irreal de súper hombres o en otro de súper villanos.

Cyrano es una historia de amor, en la que el protagonista no consigue a la chica,

como se consigue en las típicas historias románticas. Cyrano convierte la seducción en arte y el sexo… el sexo para el es solo parte del todo, no es el fin, ni el medio para llegar a conquistar a la Roxanne. Me gusta esta película porque es romántica y también real. Con un héroe de carne y hueso que no es guapo, y tampoco especialmente simpático, es arisco y malhumorado pero también cariñoso, cortés y tierno y que por encima de todo sabe lo que es el amor.

Cyrano de Bergerac es para mí un canto al amor.

Mónica Pérez

SECRETARY

2010-03-31T02:50:00.000-07:00

Ficha Técnica

Dirección: Steven Shainberg.

País: USA.

Duración: 104 min.

Género: Comedia negra.

Interpretación: James Spader (Sr. E. Edward Grey), Maggie Gyllenhaal (Lee Holloway), Jeremy Davies (Peter), Lesley Ann Warren (Joan Holloway), Stephen McHattie (Burt Holloway), Amy Locane (Theresa Holloway), Patrick Bauchau (Dr. Twardon), Jessica Tuck (Tricia O’connor), Oz Perkins (Jonathan), Mary Joy (Sylvia), Michael Mantell (Stewart).

Guión: Erin Cressida Wilson; basado en un relato corto de Mary Gaitskill.

Producción: Steven Shainberg, Andrew Fierberg y Amy Hobby.

Música: Angelo Badalamenti.

Contexto

Secretary es una adaptación de un relato corto de Mary Gaitskill publicado en el volumen de historias de la autora ‘Bad Behavior’. La película dirigida por Steven Shainberg logró el Premio especial del público a la Originalidad en la edición de 2002 del Festival de Sundance. Secretary está brillantemente protagonizada por James Spader y Maggie Gyllenhaal.

Los personajes

Lee Holloway es una joven que a lo largo de la película y en interacción con el Sr Grey pasa de de ser una mujer acomplejada, infantil y poco segura de sí misma, a convertirse en una mujer con carácter que lucha por sus sentimientos y que consigue aquello que se propone.

Lee utiliza como mecanismo de defensa la retroflexión y para aliviar su sufrimiento psicológico se lastima físicamente con pequeños cortes, para ello lleva consigo un bolso con instrumentos de tortura y un botiquín para curarse.

Mantiene una relación sentimental con un novio convencional al que plantará en el altar al darse cuenta de que su verdadero amor es Edward, ya que con él puede canalizar su necesidad de dolor y su deseo de humillación de forma sana.

Edward Gray se ha aislado del mundo en su despacho de abogados, tras un matrimonio fracasado. Se siente atormentado y proyecta este tormento en los demás, sobretodo en sus secretarias, humillándoles.

Su cuidado y ordenado mundo se descompondrá cuando su nueva secretaria, Lee, responda placenteramente a los azotes que él le propina cuando comete faltas de ortografía.

Sinopsis

La historia se centra en la vida de Lee Holloway, una joven que recientemente ha abandonado el psiquiátrico donde ha pasado unos meses por su obsesiva necesidad de autolesionarse, recurso que ha encontrado para castigarse por no soportar a su familia desestructurada, con un padre alcohólico al que han despedido del trabajo y una madre a la que únicamente le preocupa su imagen y mantener un buen estatus social.

El otro personaje que coprotagoniza Secretary es Edwar Grey una abogado, solitario, metódico y perfeccionista con tendencias sádicas. Arrastra un fracaso matrimonial el cual trata de superar encerrándose en el despacho y machacándose en el gimnasio de su casa.

Lee quiere volver a reinsertarse en la sociedad y para ello realiza un curso de mecanografía. Sus excelentes calificaciones le llevan a ser contratada por el prestigioso bufete de abogados de Edward Grey. Al principio el trabajo parece normal: mecanografiar cartas, archivar documentos y hacer el café; pero Lee y el Sr. Grey no tardan en embarcarse en una relación mucho más estrecha e íntima. Este hombre obsesivo, tímido y con tendencias sádicas ha despedido en los últimos meses a varias secretarias que han dejado el bufete escandalizadas por las extrenticidades de Edwar.

Lee y Edward son dos personas solitarias que sienten una atracción poderosa. Esta atracción desencadena en una relación sadomasoquista con tintes románticos. La historia esconde detrás una verdadera historia de amor romántica con un final a lo Pretty Woman.

Los dos se comprenden, y se dan cuenta de que el amor consiste en reconocer aquello que les distingue del resto del mundo, lo que les hace felices, aunque eso suponga tener que atravesar las convenciones sociales.

Secretary me comunica que se puede ser diferente y feliz. Es una película capaz de tratar con sensibilidad un tema tan tabú como el sadomasoquismo. Una película apasionante y extraña.

La película nos lleva por la polaridad de la dominación y la sumisión

Desenlace

Cuando el señor Grey se da cuenta de que se ha enamorado de Lee trata de apartarla de su vida, la despide y se dedica a trabajar y hacer deporte. Ella no está dispuesta a perder lo único verdadero que le ha ocurrido en la vida y acepta el reto masoquista de permanecer sentada en la silla del despacho de Edward sin levantar las manos de la mesa hasta que él la llame.

Los medios de comunicación se hacen eco y se apostillan a las puertas del despacho. Los familiares de Lee y el ex novio tratan de convencerla de que eso que hace es una locura, pero ella se mantiene firme incluso se hace pis encima por seguir esperando y luchando por la persona que ama.

El señor Grey se da cuenta de que no puede vivir sin Lee. Como en las mejores películas románticas de la historia el señor Grey coge en brazos a Lee y vestida con el traje de novia atraviesan el umbral de la oficina.

Comentario personal

Al principio de la película esperaba ver un film tipo sesión de media tarde pero a medida que avanzaba y los personajes se iban perfilando iba involucrándome más y más. No sólo no resultó ser un telefilm sino que consiguió hacer que permaneciera inmóvil en el sofá.

Las polaridades sádica y masoquista tan metidas en la piel de todos nosotros, como actitudes socialmente discriminadas e incluso reprobables, se presentan aquí precisamente como una opción para salir de esa preocupación por la imagen. Una combinación perfecta, en el encuentro de dos personas solitarias e incomprendidas, a causa de sus respectivas neurosis que, al encontrarse, concuerdan y se complementan.

Al reconocerme en cada una de las polaridades me ha ayudado a darme cuenta de que, al contrario de lo que pensaba, hay en mi tanto una parte masoquista como una sádica, porque una no puede existir sin que dentro de mi exista la otra.

Lo que ocurre es que el masoquismo, aunque rechazado por la sociedad, está más aceptado que el sadismo. En realidad se trata de superar los prejuicios de un mundo que mira mal todo aquello que se sale de lo común y asumir que el amor no siempre surge del modo en que uno espera.

Mónica Pérez

SHUTTER ISLAND

2010-03-24T06:06:00.000-07:00

Ficha técnica y artística

Director: Martin Scorsese

Guión: Laeta Kalogridis. Basada en la novela de Dennis Lehane

Reparto: Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo, Ben Kingsley, Emily Mortimer, Michelle Wiliams, Patricia Clarkson, Max von Sydow, Jackie Earle Haley, Elias Koteas, John Carroll Lynch, Ted Leyine, Christopher Denma

Género: Thriller

Duración: 138 min

País: Estados Unidos

Año: 2010

La película tiene como único escenario un psiquiátrico situado en una isla y al que envían a las y los locos más peligrosos. A través de la investigación de la huida de una interna se va desvelando una trama de locura a través de la cual la o el espectador se sumerge en un viaje de confusión y desconcierto.

La película muestra cómo los seres humanos utilizamos diversos mecanismos de defensa que nos alejan de la realidad y nos permiten vivir una vida más soportable. En este sentido, algunas personas llegan al extremo de preferir desconectarse de la realidad y vivir en un mundo de fantasía y paranoia, antes que afrontar la dureza de la realidad. Tal y como menciona el protagonista de la película “Es mejor morir como un héroe que vivir como un monstruo”. Generalmente, la gente tiende a escoger la primera opción. Quienes apostamos por un camino de crecimiento personal optamos por dejarnos ver “el monstruo” que llevamos dentro, y a partir de ahí ver qué pasa.

No quiero entrar en el argumento de la película dado que la desvelaría. Sin embargo, me gustaría compartir el miedo que he pasado al verla. Ese miedo a la locura, a no tener claro qué es ficción y qué realidad. A lo largo de la película, y para no sentir miedo, me he visto racionalizando, pensando “va, eso es un montaje” o “esa sangre es falsa”. También he vivido desconfianza; mirando a mi alrededor para situarme en la sala y entre las personas que me rodeaban. He negado mi miedo haciéndome la fuerte y tranquilizando a mi acompañante. Los mismos mecanismos de defensa eran utilizados por los personajes de la pantalla.

Y en la película, al igual que en la vida real, hay personas conscientes, conectadas con su fuero interno y con su entorno. Personas que conocen la cruel realidad de las y los otros y saben respetarla sin juzgarla. Pueden ver a la persona que hay detrás de la locura y el sufrimiento y tratar de darle luz y ternura confiando en que es la única salida a la vida. A partir de aquí cada quién elige si seguir en la locura o responsabilizarse de la realidad.

El haber atravesado el camino más allá del miedo me ha permitido ver la película, darme cuenta de los automáticos que me saltan para no sentir miedo y a la salida conectar con el miedo vivido y dejarme recoger por una persona de confianza.

Es curioso que saliera del cine diciendo que no me había gustado la película. Sin embargo, en la medida en la que pasa el tiempo, mas siento que me ha gustado. Siento que me ha servido para afrontar el miedo una vez más.

Maite Blanco

EL ILUSIONISTA (the illusionist)

2010-03-24T06:01:00.000-07:00

Ficha Técnica y artística

Título original The illusionist

Reparto Edward Norton, Paul Giamatti, Jessica Biel, Rufus Sewell

Director Neil Burger

Productor Brian Koppelman, David Levien, Michael London, Bob Yari, Cathy Schulman

Duración 110 min.

Género Drama

País EE.UU.

Distribuidora Aurum Producciones

Sinopsis

A principios del siglo XX en la ciudad de Viena, el ilusionista Eisenheim, deja con la boca abierta al público desafiando las leyes de la naturaleza con sus espectáculos y trucos imposibles. Le rodea un halo de misterio que intriga a todos.

En un mundo donde nada es lo que parece, un prestidigitador y un inspector de policía se enfrentan en un desafío para determinar dónde acaba la realidad y dónde comienza la magia. La línea que las separa se torna borrosa.

La trama

Pronto se corre el rumor de que Eisenheim tiene poderes sobrenaturales, llegando a oídos del Príncipe heredero Leopold. Convencido de que el mago es un impostor, el Príncipe asiste a uno de sus espectáculos con la intención de desacreditarle en público. Le acompaña su prometida, la bella Duquesa Sophie von Teschen, con quien quiere contraer matrimonio por intereses políticos.

Durante la actuación, el Príncipe convence a su prometida para que suba al escenario a colaborar en un truco del ilusionista. El mago y Sophie se reconocen; habían tenido un amor de adolescencia que no pudieron ultimar debido a su diferencia de clase. No dicen nada para no irritar al heredero, un hombre altivo, arisco, desagradable y violento.

El Príncipe invita al prestidigitador a palacio para tratar de nuevo de desacreditarle fuera de sus dominios del teatro, intento que también resulta fallido. Desesperado, encarga al inspector de policía Uhl que vigile al ilusionista para desenmascararle. Para el inspector, la magia es un conjunto de trucos e ilusiones explicables.

La duquesa inicia un romance con el ilusionista y deja al Príncipe, lo que conduce a una trifulca que un empleado presencia. Sophie aparece misteriosamente asesinada en el bosque y el ilusionista se vuelve más misterioso aún. En sus siguientes espectáculos, el espíritu de la duquesa se aparece en público y está a punto de anunciar quién la mató. Eisenheim, que ha conseguido gran respaldo social, entrega sus posesiones a su representante en Viena y cuando va a ser apresado por el inspector en el teatro, se desvanece en espíritu en la que será su última actuación. El inspector encuentra pistas que prueban que el asesino de Sophie es Leopold. El Príncipe se vuelve loco y ante las presiones sociales se suicida.

Todo parece haber acabado pero justo antes de partir en un tren, el ilusionista envía al inspector unos diseños que le hacen comprender que todo, incluída la muerte de Sophie y su propia desaparición en escena, habían sido un gran truco. Un exquisito diseño de un plan para hacer ver una realidad que, si bien no era absolutamente mentira, no se produjo objetivamente. Finalmente Eisenheim y Sophie se reúnen para vivir su amor.

La ilusión

El término ilusión se refiere a cualquier distorsión de una percepción sensorial: mental, óptica, auditiva, olfativa, gustativa o táctil. Ilusión se utiliza también para expresar una esperanza o anhelo, uso que tiene su origen en la época romántica.

Esto me lleva a recordarme algunas leyes que se contemplan en Gestalt y la teoría del campo:

• Figura: elemento que destaca en un campo en su interrelación con otros elementos. – Fondo: es la parte del campo que contiene elementos interrelacionados que, por su contraste, tienden a desaparecer sosteniendo una figura que destaca.

• Pregnancia: Los elementos son organizados en figuras de la “mejor” posible.

o Cierre o completud: Las formas acabadas son más estables visualmente por lo que tendemos a "cerrar" y a completar con la imaginación las formas percibidas.

o Contraste: Relativizar los elementos hace que se atribuyan unas cualidades u otras.

o Proximidad: Los elementos tienden a agruparse con los que se encuentran a menor distancia.

o Similaridad: Los elementos similares tienen a ser agrupados.

o Movimiento común: Los elementos que se desplazan en la misma dirección tienden a ser vistos como un grupo o conjunto.

El ilusionismo sería el arte y la técnica de producir efectos ilusorios, aparentemente mágicos, a partir del conocimiento de una serie de leyes de percepción.

Lo que me mueve

Esta película me dejó mal cuerpo. Durante todo el relato me estuve creyendo la realidad aparente que se iba presentando y cuando descubrí que todo había sido una ilusión, sentí un gran vacío. Me conectó con un texto de Tolstói, La muerte de Iván Ilitch, y una reflexión del personaje cuando cerca de su muerte se preguntaba algo así ¿te imaginas que tu vida entera hubiese sido una gran equivocación?

Tal como me ocurrió con la película, tengo la sensación - mal cuerpo- de haberme tragado en mi vida grandes trucos de ilusionismo. Y digo grandes, porque en contraste con mi tamaño (hablo de la niñez), me parecían verdades enormes.

Estas ilusiones me han llevado a creer que mi historia, que la historia, era de una determinada manera. Habiéndome con-forma-do así, me doy cuenta de que he desarrollado un patrón en mí “ilusionista”, consistente en tragarme y producir ilusiones, verdades aparentes que me creo y hago creer. A través de la terapia, la con-fronta-ción y la observación, he podido desmantelar algunas.

Cuando doy por hecho que ya sé lo que ocurre o me creo lo que aparentemente pasa, no pongo en práctica “la simple” contemplación. La observación y la contemplación es lo que me ayuda a atisbar una realidad distinta, una nueva configuración en mí.

El vacío que he sentido al final de esta película, es el mismo que siento ahora con mi propia historia, un descubrir que ni el Príncipe es tan asesino, ni el mago tan bueno, ni la duquesa tan cándida, ni el inspector de policía tan objetivo... Confrontado con la nueva con-figura-ción de mis personajes internos, también como Iván Ilitch me pregunto ¿te imaginas que tu vida entera hubiese sido una gran equivocación?

Y paradójicamente, confrontado con este error en mi vida, me siento más pleno y presente y hasta la visión se me torna más nítida. Y digo paradójicamente por que habitualmente la culpa y la vergüenza de errar habitan en mí.

La aceptación del error me conduce al vacío y dejar que ese vacío fertilice, me conduce a la presencia.

Juanan de la Cruz

VIAJE A DARJEELING (the darjeelinj limited)

2010-03-24T05:52:00.000-07:00

Ficha técnica y artística

Título original The Darjeelinj limited

Dirección:WesAnderson.

País:USA.

Año:2007.

Duración:91min.

Género:Comediadramática.

Interpretación: Owen Wilson (Francis), Adrien Brody (Peter), Jason Schwartzman (Jack), Anjelica Huston (Patricia), Amara Karan (Rita), Camilla Rutherford (Alice), Irrfan Khan (Padre del pueblo).

Guión: Wes Anderson, Roman Coppola y Jason Schwartzman.

Producción: Wes Anderson, Scott Rudin, Roman Coppola y Lydia Dean Pilcher.

Fotografía:RobertYeoman.

Montaje:AndrewWeisblum.

Diseñodeproducción:MarkFriedberg.

Vestuario: Milena Canonero.

Viaje a Dargeling se enmarca en la India actual, aunque ligeramente coloreada por la imaginación del director.

Como en sus anteriores películas “Los Tenenbaums" y "The Life Aquatic”, Wess nos muestra con humor tabúes como la muerte o el sexo, dándonos la oportunidad de reírnos de la adversidad y proporcionándonos al mismo tiempo la posibilidad de reflexionar sobre nuestra vida familiar sin caer en melodramas. El humor negro y el sarcasmo que caracteriza las películas de Wess Anderson esta presente en cada fotograma de Viaje a Darjeling, la última película de este genial director.

A lo largo de toda la película los colores y sonidos te trasportan a la esencia de la India, los embriagadores olores de este país parecen salirse de la pantalla y casi puedes olerlos.

Viaje a Dargeling nos lleva en tren por la India, por una India exótica y llena de color. Seguimos en este viaje a tres hermanos que se reencuentran un año después de la muerte de su padre. Proceden de una familia americana desestructurada, cuyas miserias vamos descubriendo a lo largo de la película.

Les acompañan once maletas del padre que simbolizan claramente el peso que este sigue teniendo en todos ellos.

El viaje está organizado por el mayor de los tres hermanos, quien acaba de sobrevivir a un accidente de moto provocado por el mismo, apareciendo a la cita con la cabeza completamente vendada. Francis, que así se llama el primogénito, tiene asumido el rol de hermano mayor y continuamente intenta dirigir la vida de sus hermanos. Francis podría enmarcarse en un rasgo seis del enegrama, esto podemos verlo en su necesidad de tener el viaje continuamente planificado en y en su creencia de que debe cuidar de sus hermanos.

En un principio el objetivo del viaje, planteado por Francis es reencontrarse para vivir una experiencia mística en la India, aunque él tiene otro objetivo que no revelará a sus hermanos hasta bien avanzado el viaje, encontrar a su madre.

El mediano, Peter, arrastra consigo el complejo de segundón, y tras la muerte de su padre decide apropiarse, en nombre de la justicia, de una serie de objetos de su padre sin consultarlo con el resto de los hermanos. Se acaba de enterar que va a ser padre y no quiere hablar de ello porque se siente todavía como un niño necesitado y carente. Esta actitud de carencia la sigue manteniendo frente a su hermano Francis, a quien le sigue permitiendo que le diga lo que tiene que hacer. Desde un punto de vista caracterial Peter se enmarcaría en un rasgo cuatro. Siente envidia de sus hermanos y a pesar de que permite a Francis ocupar el papel de padre, le recrimina por ello.

El pequeño, Jack, vive una vida desordenada, las mujeres son su pasión y el sexo la vía de escape que ha encontrado para dar sentido a su vida. Podríamos estar hablando igualmente de un rasgo cuatro aunque más anclado en la melancolía.

Los tres hermanos son adictos a los tranquilizantes y las pastillas para cualquier dolencia. Continuamente se intercambian las medicinas, combinando jarabe para la tos con pastillas para el mareo o para el dolor de cabeza.

La relación que existe entre los hermanos es ambigua ya que todos se enteran de la vida de los otros a través del tercero, se ocultan cosas unos a otros que al final acaban sabiendo todos. Los hermanos tienden a darse puñaladas y a contarse las cosas que deberían ser secreto los unos a los otros. En el tren, comienzan las peleas, las disputas verbales y hasta físicas y su comportamiento llega a tal extremo que serán obligados a apearse del tren. El revisor del tren en el que viajan les echa a la calle por diversos altercados y porque sospecha que unos de los hermanos, Jack, se ha tirado a su mujer, cosa que es cierta.

A partir de aquí, abandonados a sus propios recursos, comienza un nuevo viaje que no estaba en sus planes...

Durante todo el viaje tratan de encontrar algo que les haga vivir una experiencia trascendental, como acudir a templos o realizar rituales que el mayor tiene apuntados en papeles que su secretario, con el que mantiene una ambivalente relación, le proporciona a diario.

Cuando deciden regresar cada uno a sus respectivas vidas sin haber conseguido su objetivo y tras varios intentos de encontrar un momento místico y de recibir una carta en la que la madre, que se ha hecho monja, les dice que no es buen momento para que vayan a visitarla, la película de un giro y encuentran sin querer el momento místico que andaban buscando.

Ya en el aeropuerto a punto de coger el avión de vuelta a casa los tres se dan cuenta de que el viaje no ha terminado para ellos y deciden ir en busca de su madre a pesar de la carta.

Emprenden la marcha en moto cargando con las maletas del padre. A mitad de camino tienen un encuentro con tres niños que están cruzando un río en una balsa muy inestable. La balsa vuelca y los tres hermanos se lanzan a socorrer a los niños. Peter no consigue salvar al suyo, se dirige a sus hermanos con el niño en brazos y les dice, “No he conseguido salvar al mío”. En ese momento Peter empieza a darse cuenta de que ya no es un niño y que tiene que hacerse cargo de ese otro niño que ha fallecido.

En la aldea donde vive el niño son acogidos por el pueblo e invitados a pasar unos días allí y participar en el funeral. El tiempo que pasan conviviendo con la familia del niño, compartiendo su dolor, y con el resto de la aldea compartiendo su vida familiar son los que les hacen vivir la experiencia mística que andaban buscando. Esta experiencia no es más que un darse cuenta, un tomar conciencia del momento vital en el que se encuentra cada uno, independientemente de los otros dos y de sus padres.

Francis descansa tumbado sólo sin preocuparse de sus hermanos, a Peter le permiten cuidar un bebe de la aldea y Jack fabrica, junto a unos niños collares de flores. Cada uno en solitario y en comunión con la aldea.

Tras el funeral del niño marchan en busca de su madre quien les recibe sin demasiada efusividad. Ellos le recriminan que no fuera al funeral de su padre. Ella les dice que ahora otras personas le necesitan. Los tres reaccionan como niños en un primer momento, pero a la mañana siguiente cuando la madre vuelve a desaparecer, los tres se dan cuenta de que no va a volver y de que en realidad ya no la necesitan.

Cuando al llegar a la estación están a punto de perder el tren por el peso de las maletas deciden tirarlas y coger el tren sin el peso del padre. Así es como consiguen regresar los tres siendo ellos mismos adultos, sin necesidad de una mama o un papa que les cuide.

Durante toda la película me he sentido identificada con el hermano mediano, sobre todo en el sentimiento de carencia familiar, de resentimiento hacia sus padres y hermanos. Otras de las características de Peter que me resonaban mucho son por un lado esta necesidad de apropiarme de lo que me parece justo, independientemente de lo que los demás opinen y por otro la dificultad para comprometerme con las personas y con mi vida.

Por otro lado la necesidad de controlar la vida de los hermanos desde el paternalismo que caracteriza a Francis también ha sido una constante en mi vida.

Viaje a Darjeling es una bonita película llena des simbolismos, que nos permite reflexionar sobre cómo las conductas de los padres determinan el carácter de los hijo/as y como una deficitaria gestión de estas, nos llevan siempre a una confusión de roles.

Mónica Pérez Benito

RECUERDA (spellbound)

2010-03-24T05:42:00.000-07:00

Ficha técnica y artística

Título original Spellbound

Director: Alfred Hitchcock

Guión: Ben Hecht

Reparto: Ingrid Bergman, Gregory Peck, Leo G. Carroll, John Emery, Wallace Ford, Rhonda Fleming, Michael Chekhov

Año: 1945

Idioma: Español

Pais: EE.UU

Duración 106 min.

Sinopsis

Esta película se desarrolla en una Hospital Psiquiátrico a donde llega el Dr Edwards un prestigioso doctor para sustituir al anterior director. Este muestra síntomas de amnesia y de suplantación de personalidad –en realidad es Jhon Ballantine-.Se enamora de Constante, la psicoanalista y ésta le ayuda a encontrar el origen de su complejo de culpabilidad inicial que se rebela como un posible acto de asesinato hacia el Dr.Edwards que aparece

Comentario

Empieza con una frase de Shakespeare que dice “la culpa no está en nuestras estrellas sino en nosotros mismos”.Cambio la palabra culpa por la de responsabilidad y me impresiona el interés de Constance por ayudar a su amado desde el primer momento en que descubre que sufre de amnesia y complejo de culpabilidad por algo que cree que no ha hecho y todo su empeño se vuelve, pasando por situaciones de peligro en relación a su carrera e incluso a su integridad fisica, a que él recuerde, recuerde, poco a poco y tirando con cariño del hilo que se desprende de detalles como la relación del color blanco con la leche con la nieve y las rayas de la colcha con las huellas de los eskis en la nieve les lleva hasta el escenario del supuesto crimen.

El Dr.Alex, viejo psiquiatra con quien Constante ha trabajado de ayudante le dice a ésta que “Jhon no quiere conocerse a si mismo porque cree que lo que vea de él le va a hacer daño y se pasa el resto de la vida tapando haciéndose todavía más daño”. Me resuena como un acto de retroflexión cuando en vez de seguir recordando con cada sensación, emoción o información que me llega del pasado y veo cómo me influye en el presente, me alejo de todo lo que tiene que ver con el marco terapéutico “descansando” en comportamientos automáticos como el ponerme delante del televisor, negar mis progresos o retrasar mis entregas en las tareas solicitadas porque quizás me duele ver cómo soy o ver mis partes negadas, ocultadas o no aceptadas.

Vivo la sensación de “hasta aquí” no puedo más. Cuanto más quiero menos hago y más me cuesta hacer en cada momento lo que me nutre a nivel de elaboración, redacción y envio, en este orden.

Tal y como Jhon llega hasta el hecho inicial de su culpa de creerse culpable de la muerte de su hermano chiquito cuando jugando en el tobogán con su hermano éste acaba clavándose el torso en la verja y muere. Este hecho lo arrastra toda su vida bloqueándole la memoria creando un conflicto entre una parte de si mismo que necesita algo y la otra que no se lo permite.

Osea seguir avanzando, recordando, revisando, trayendo luz a los lugares oscuros que es lo que necesito y por otro lado anestesia de TV y olvidando lo que he elegido sin marcha atrás. Recordar y olvidar como polaridades.

También está la conducta agresiva de Jhon hacia Constance cada vez que ésta la recuerda y le ayuda en su proceso de salir de la amnesia y la tensión desencajada de la expresión y la cara de Jhon –sobre todo la mandíbula- cuando está rescatando algo de su pasado y la relajación en desmesura rayando el desvanecimiento al acabar el episodio de recuerdo.

Me recuerda a mi conducta agresiva hacía el grupo en las entregas retrasadas.

Finalmente se descubre que el asesino del Dr.Edwards es el antiguo director del Hospital que no quería ser sustituido en sus funciones.

El hecho de encontrar la situación que desencadenaba en Jhon el complejo de culpabilidad ayuda a recordarle el resto de su vida que se la cuenta a Constance. Acaba la película en el andén del tren a punto de iniciar una vida en común juntos tras recordar, elaborar y darle un lugar en su memoria a aquello de lo que le hacía sentir tan terriblemente culpable.

Mensaje

Me sienta mejor la responsabilidad que la culpa. En la culpa estoy en el agujero atada de pies y manos y con el corazón encogido, en la responsabilidad tengo la posibilidad de desatarme, respirar y sacar la cabeza al sol.

Miryam Emparanza

DESGRACIA (disgrace)

2010-03-24T05:29:00.000-07:00

Ficha técnica y artística

Título Original Disgrace

Género Drama

País Suráfrica, Australia

Año 2008

Dirección Steve Jacobs

Guión Anna María Monticelli, J M Coetzee

Reparto John Malkovich, Eriq Ebouaney, Jessica Haines, Fiona Press

Fotografía Steve Arnold

Música Antony Partos

Duración 120 min.

Adaptación al cine de la novela escrita por el premio Nobel de Literatura sudafricano J.M.Coetzee que transcurre en la Sudáfrica del postapartheid.

Sinopsis

David es un profesor de Poesía Romántica en de la Universidad de Ciudad del Cabo que tras mantener una relación de cita semanal con una prostitua comienza una relación sexual con una alumna suya mestiza con tintes de abuso. Esto se hace público y un tribunal universitario le destituye del cargo. Tiene una hija que vive sola con un ayudante negro al que le cede una parte de la tierra en plena naturaleza alejada de vecinos en una granja cultivando flores y hortalizas que las vende en el mercado y ocupándose de una perrera y se traslada a vivir con ella. Padre e hija sufren un asalto, a ella la violan 3 negros y David sufre quemaduras parciales. Tras este suceso se ve la adaptación a la nueva situación de los dos viviendo en el mismo lugar y las mismas personas llegándose a crear una sorprendente solución para el equilibrio de la sobrevivencia en un país y una zona donde la raza negra comienza a cambiar el signo de dominio.

Comentario

Elijo esta película porque en la carátula aparece un hombre sentado con una sombrilla tomando el sol rodeado de una valla de hormigón con una alambrada en la parte superior en lo que parece estar en medio del campo solo. ¿Para que tanta seguridad? Es por esta falta de adecuación al momento histórico que se vive en Sudáfrica que la hija de David sufre el asalto a su casa y a ella misma.

Ella piensa que no le va a pasar nada –quizás porque está cerca su ayudante negro- o porque sobrevalora su capacidad de independencia o porque sabe que te puedes sentir inseguro en cualquier parte – ¿inconsciencia?- pero su falta de precaución le juega una mala pasada.

Conozco esta falta de adecuación cuando no me paro a mirar a los demás, a las consecuencias de mis acciones o cuando entre el orgullo y el narcisismo pienso que yo me lo puedo saltar y que voy a salir impune.

David vive en su propia hija el abuso que él ha ejercido con otras mujeres.

Su hija que es lesbiana vive la sensación de que aún con su padre en casa, éste no le ha podido proteger y le han violado 3 chicos jóvenes negros dejandola embarazada..

Su vecino no hace más que decir que qué importa, ahora está bien ¿no? Pues ya está.

Es como si en este olvidar todo lo anterior y echar para adelante cabe todo. David no quiere que su hija se quede aquí y le insta para que se vaya a Holanda con su madre pero ella no quiere saber nada de esto.

Quiere quedarse en esta tierra. Descubre que uno de los violadores es el hermano de la mujer del vecino pero no quiere pelear –contradiciendo al padre- y hace un pacto de matrimonio con el vecino para poder seguir llevando la vida que lleva de la mejor manera. Es una manera de adaptarse a lo que ella quiere, que es no moverse de allí y para ello acepta esta” solución”.

¿Cómo quiere seguir en esta tierra después de todo? Cómo llega a aceptar el matrimonio? Quizás le dan la seguridad necesaria para seguir donde ella ha elegido vivir después de todo.

Otra manera de sobrellevar las desgracias, adaptandote a la nueva situación haciendo cambios allí donde antes había negligencia. Parece que le contagia a David quien opta por lo mismo.

Mensaje

Cómo hacer leña del árbol caído. Cómo adaptarse de forma constructiva y creativa a las situaciones límite. Qué elijo hacer con lo que he vivido de forma sana y polinizada –suficientemente abierta y sensible a mi entorno para poder dar y recibir lo que he vivido, aprendido y dolido, en un intercambio de” súbete a mi hombro para ver más allá”

Miryam Emparanza

BELLA

2010-03-24T05:15:00.000-07:00

Ficha técnica y artística

Director Alejandro Gómez Monteverde

Guión Alejandro Gómez Monteverde, Patrick Million, Leo Severino

Reparto Eduardo Verastegui (José), Tammy Blanchard (Nina), Manny Perez (Manny), Aly Landri (Celia), Angélica Aragón (madre), Jaime Tirelli (padre), Ramón Rodríguez (Eduardo)

Música Stephan Altman

Género Drama

País EE.UU

Año 2006

Sinopsis

José es una estrella del fútbol a punto de firmar un contrato y va conduciendo con su manager cuando sufre un accidente y mata a una niña que sale a la carretera cuando jugaba con su madre. Su vida cambia desde entonces y se dedica a trabajar de chef en el restaurante de su hermano mayor Many donde conoce a Nina una camarera que trabaja con él.

Un dia Nina llega tarde al trabajo y Many, jefe del restaurante le echa del trabajo. Jose sale con ella entre los chillidos de su hermano y la sorpresa de sus compañeros de cocina dejando atrás todas las comandas en el aire, y poco a poco caminando despacio acomapaña a Nina y comienzan a charlar de lo sucedido. Durante todo el dia se va creando un sentimiento de confianza que hace cambiar la decisión de Nina que embarazada de padre desconocido está pensando en abortar.

Comentario

Es un canto a la luz, a los sentidos, al oído por su música, al paladar por el disfrute de la comida, la bebida y entre plato y plato un baile arrejuntados. Un canto a los colores y a la sensación de limpio, de comunicación clara y directa, de ternura, de acompañamiento a una mujer que ha perdido el empleo y que minuto a minuto se van transformando en hechos que van curando anteriores desgracias.

La vuelta a confiar en una persona. La confianza de Nina hacia José.

La sensación que más me llega es la confianza y que cuando confío me dejo llevar.

Comienza la película con una frase que aparece en una de las canciones que dice que “si quieres hacerle reir a Dios cuéntale todos tus planes”. Bueno esto me tranquiliza un poco ya que intuyo que quizás hacer planes sea una manera de mantenerme motivada o en la acción o apasionada y existe otra de frustración por no llevarlos a la práctica e incluso la sensación de necesitar sentirme llena “aunque sea de planes” por no acercarme al vacío pura y llanamente.

José se transforma tras el accidente de coche que provoca la muerte de una niña de corta edad y se le muere la pasión y la alegría, sufre enormemente al ver a la madre sujetando el cadáver de su hija y esto lo recuerda todos los días. Todos sus planes de ser una gran estrella se le van al garete. En vez de pensar en el éxito, coches y fortuna, se convierte en una persona con otros valores que le llevan a de alguna manera reparar el dolor sufrido por el accidente de la niña.

Suceden los momentos, sin prisa, sin artefactos, hablando de lo que más les duele a cada uno. Nina cuenta a José que está embarazada y que no está preparada para tener ese hijo. No tiene familia y todavía se está cuidando de ella. José le abre los ojos a la adopción y durante el dia que están juntos en el que visitan a la familia de José, ella se va llenando de todo lo que rodea a José, de la alegría y el cariño de la familia de José, de su cercanía, de su emotividad, de la historia de José y de la historia de la familia en la que la madre cuenta que el primer hijo-dueño del restaurante- es adoptado y los otros dos hijos naturales y que a los tres les ama de la misma manera.

Con ternura y cariño José proyecta en Nina la confianza en él y Nina decide tener a su hija y dársela en adopción . Nina vuelve tras algunos años y se reencuentra con su hija y José en la playa, y tal y como ha sido su relación desde el inicio, hay un intercambio de cariño y objetos e incluso de palabras que hace que esta niña tenga una actitud abierta y reconocida para con su madre en el encuentro de ambas.

Me siento reconfortada al ver la relación que tienen los personajes, de cariño, ternura y acompañamiento reales entre José y Nina, de dulzura, afecto y comprensión entre los padres y de cariño y perdón entre los hermanos.

Hay un momento donde Nina explica que al morir su padre su madre se dedica a ver la tv y se tiene que hacer cargo de ella. Ella tiene 12 años hasta que un día en la adolescencia llega a casa alegre por la bebida y le dice a su madre que echa de menos a su padre y que sabía de su sufrimiento, fue la primera vez que la miró y la abrazó pero no fue suficiente para sacarla de la tv.

Me reconozco cuando utilizo la tv sin control dejando de lado las cosas necesarias para mi bienestar, abandonada a la inconsciencia donde no existe nada, ninguna posibilidad de cambio sino todo lo contrario, es un efecto hipnótico del que cuesta salir.

Me conmueve la sensación de volver a confiar y dejarte llevar.

Mensaje

Solo hablando de mis emociones reales contacto con el otro. En el momento donde Nina comenta la sensación de contacto con su madre.

Merece la pena seguir viviendo y seguir arriesgando en la confianza. Cito la máxima italiana de “aperta ma coperta”. Se dice cuando necesitas poner la boca en su sitio para cantar. Abierta pero cubierto. Abierta y consciente.

Miryam Emparanza

MÁS DURA SERÁ LA CAÍDA (the harder they fall)

2010-03-24T04:57:00.000-07:00

Ficha técnica y artística

Titulo original The HarderThey Fall

Director: Mark Robson

Guión: Philip Yordan (Novela: Budd Schulberg)

Reparto: Humphrey Bogart, Rod Sterling, Mike Lane

Música: Hugo Friedhofer

Fotografía: Burnett Guffey

Año 1956

Duración 109 min.

Argumento

Eddie Willis (Humphrey Bogart) es un veterano periodista deportivo en paro y es contratado por un manager del boxeo Nick Benko (Rod Steiger) para que sea el agente de prensa de un nuevo boxeador. El objetivo es que mediante la manipulación, la mentira y amañando combates todos, incluido el boxeador, piensen que es el nuevo campeón del ring.

La película

Película como un todo en la que cada uno de los personajes representa un aspecto de la personalidad humana en su mayoría negativos: avaricia, individualismo, odio, crueldad...

El tema de la película es el poder, gloria, la obtención de dinero a costa de lo que y quien sea para sentirse superior a los demás.

El boxeador

Boxeador como un aspecto de la personalidad, inseguro, miedoso... que camelado y jaleado por los demás aspectos, a los que lo único que les interesa es el dinero, le izarán hasta la cima de la fama por medio de tongos y mentiras. Creando un mundo falso y de fantasía.

Boxeador como niño en el que el sustituto del padre, el entrenador, velará por su seguridad, falacia absoluta. Boxeador narciso centro de atención.

Boxeador, prepotente, orgulloso, ciego que prefiere creer que todo lo que está pasando es cierto en lugar de ver la realidad y darse cuenta de que ni tan siquiera sabe boxear.

Boxeador que por la importancia del que dirán y seguir viviendo en una mentira decide que le apaleen y casi morir antes de dejarse ver.

El boxeo

Boxeo: espectáculo de vanidad en el que hay que pegar como los hombres, fuerte, duro... y demostrarlo. Competición infinita contra uno mismo, ser el mejor.

Boxeo microcosmos en el que un grupo de personas hacen dinero, estafando y engañando a costa de que cuatro inseguros se den de puñetazos para que otros cobardes ansiosos, con ganas de sangre, repletos de agresividad descarguen todo ello con gritos, insultos, a los que están en el ring.

¿Qué y a quién están transfiriendo?

Boxeo como regresión a la infancia, dos niños pegándose en el parque o el recreo mientras los demás jalean.

La luz

Personaje femenino que se subleva y abandona este submundo. Es entonces cuando Bogart se da cuenta del ambiente tóxico en el que se está moviendo.

Humpry Bogart cumple la función del asistente. Gracias a la parte femenina, su mujer, da el cambio en su forma de comportarse, detonante necesario para que este juego de vanidades y arrogancia se tambalee y necesite de un nuevo posicionamiento por parte de cada una de las partes.

Conclusión

En mi opinión esta película del año 56 representa nuestra sociedad actual en la que la competitividad, el exhibirse ante los demás, la manipulación y el engaño están a la orden del día. Todo ello para demostrar lo maravillosos y buenos que somos según lo que poseemos y sabemos hacer. Esta confusión del ser y el tener es lo que promulga el sistema capitalista, de esta forma las personas olvidan su esencia entrando en estado de catatonia, participando en el juego que controlan unos pocos en el que se vale por lo que se tiene. Capitalismo que necesita crear sus adeptos para alimentarse así mismo, el monstruo que todo y a todos se come.

Pienso además que esta película puede ser una metáfora de la creación del carácter, eneatipo seis. Ya que es posible hacer un paralelismo de cada uno de los personajes con los diferentes aspectos de la personalidad. Todos estos aspectos apoyados en el miedo e inseguridad aupan al “niño” a convertirse en un adulto prepotente y orgulloso que lo que realmente le ocurre es que prefiere evitar mirarse así mismo para ver que lo que ha creado es una imagen falsa y de fantasía. Todo se derrumba cuando el adulto ve que no es lo que había creado y es capaz de dejarse maltratar por alguno de estos aspectos, retroflexión, con tal de mantener este estado de falsa e aislada seguridad.

Yolanda Blázquez

EL MILAGRO DE ANNA SULLIVAN (the miracle worker)

2010-03-24T04:43:00.000-07:00

Ficha técnica y artística

Título original The miracle worker

País EE.UU

Año 1962

Duración 103 min.

Dirigida por Arthur Penn

Interpretada por Anne Bancroft, Patty Duke, Andrew Prine, Inga Swenson.

Guión William Gibson (también de la versión teatral)

Música Laurence Rosenthal

Fotografía Ernesto Caparros.

Género Drama | Biográfico. Enseñanza. Discapacidad

El Milagro de Ana Sullivan es la historia de una niña sorda y ciega que consigue superar su aislamiento del mundo con la orientación de su maestra, quien la ayuda a comprender que la ceguera y la sordera físicas no conllevan necesariamente una ceguera y sordera mentales, ni sociales. Toda la película gira en torno a este duro proceso de enseñanza.

Milagro vs. trabajo

El título original de esta película antigua es “The Miracle Worker” la que trabaja haciendo milagros. Y es que ciertamente es una labor difícil hacer que una persona ciega y sorda pueda entender los matices de un mundo que sólo percibe a través del tacto. ¿Es consecuencia de un milagro? Supongo que nos resulta conveniente creerlo.

En un momento de la película Ana, la maestra, se pregunta por qué se considera más importante educar el cuerpo que educar el alma. Sabe que la clave para llegar a Hellen y comunicarse con ella está en hacerle entender que existen las palabras y que cada palabra designa a un objeto. Y para llegar a esta comprensión sólo hace falta que Hellen asocie una palabra con uno de los objetos que toca, sólo una. Una vez que ella COMPRENDA esto, su conexión con el mundo está hecha. Pero para ello Ana tiene que llegar a su alma, pues es ahí donde se producen este tipo de comprensiones universales.

Ana ha tenido una vida muy dura. De pequeña la internaron con su hermano menor en un manicomio porque no había otro lugar donde meter a una niña ciega y a un niño inválido huérfanos. Aquí convive con personas mayores dementes en un entorno insalubre lleno de ratas. Crece aquí y aquí pierde a su hermano, la única persona a la que quería. Tras pedirlo reiteradamente tiene la fortuna de que la ingresan en un colegio para ciegos donde aprende a leer y escribir y donde parece encontrar personas que se preocupan por ella. Con los años y tras varias operaciones llega a ver, aunque no sin dificultades.

Por lo tanto, Ana sabe por lo que puede estar pasando Hellen en su aislamiento y también intuye la forma de hacerla salir de él. Y es que para trabajar con el alma de los otros uno ha tenido que acercarse a la suya y tiene que tener la fortaleza de estar en contacto con ella con el dolor que eso representa, pues el dolor ajeno te pone en contacto con el tuyo propio, y es este dolor el que te orienta hacia dónde tirar.

De ahí mi pregunta sobre si esto es un milagro. Creo que se trata de amor por el prójimo, de perseverancia y valor, me decanto más por la parte del título que se refiere al “trabajo” que por la del “milagro”. Pues sospecho que es más fácil acogerse al milagro que acercarse al lado oscuro de cada uno.

Proceso de enseñanza

Primero está la fase en la que establecemos contacto, vamos tanteándonos, conociéndonos. Luego viene el aprender qué papel le toca a cada uno en este proceso. Yo te dirijo en tu proceso de aprendizaje, proceso que no has pedido pero que es el que te toca vivir y tú me diriges a mí en mi labor de enseñante (y de persona que está revisando su pasado), reaccionando ante lo que te muestro, revelándote, mostrándote contenta, ignorándome, haciéndome caso, en definitiva, viviendo y así, ambas vamos completándonos como seres humanos…

Este proceso en el que nos alimentamos y crecemos al unísono yo sé donde estás tu más allá y tú me das las claves sobre dónde está mi más allá. Ambas caminamos a ciegas tanteando, descubriendo…Nos unen las ganas de vivir, de conocer, de explorar, nos une también nuestro inconformismo y rebeldía porque sabemos que ESTO no puede ser todo lo que hay.

Esta rebeldía tan necesaria para seguir es también la que más dificulta el proceso. Hellen ha conseguido a lo largo de los años hacer lo que le viene en gana en cada momento, por ejemplo, a la hora de comer, va paseando alrededor de la mesa y va cogiendo del plato de cada miembro de la misma (su madre, su padre, su tía, su medio hermano…) a su antojo mientras estos hablan como si ella no estuviera allí. Y es que este “como le viene en gana” parece que no es más que un mecanismo de supervivencia un “como puedo”. En realidad, no hay una silla y un plato para ella, no sé si originalmente los hubo, pero en la actualidad no los hay, por lo tanto, no hay un sitio reservado para ella como un miembro más de la familia, Parecería que no lo tiene porque es privilegiada pero a mi me parece que bajo la excusa de la compasión (pobrecita ella que no oye ni ve) nadie se ha tomado el trabajo de educarla según sus necesidades, por lo tanto, es una maleducada. Considero que se trata más de una cuestión de dejadez que de amor o compasión. Desde luego es más fácil tratarla como diferente, como imposible debido a su “minusvalía”, que tomarse el trabajo de comprenderla y adecuarse a su forma de entender el mundo, con la frustración que esto puede conllevar como madre, padre o enseñante.

Al no tener su lugar tiene que pelearse por salir por los resquicios que le dejan y como el agua a presión que está en un contenedor sale por las grietas con toda su fuerza avasallando a todo el que encuentra por delante. Por eso, cuando Ana intenta educar a esta pura sangre, ella se revela con violencia. Ana le responde con mayor fuerza hasta que Hellen se da cuenta de que no la están atacando sino que hay alguien que la sostiene e intuye que ese alguien la comprende y tiene algo que decirle.

Entonces comienza otra fase del proceso. Ahora ella se deja llevar, se deja hacer, se deja domar siguiendo un impulso natural, pero todavía no COMPRENDE. No sabe que las letras que Ana marca con sus dedos a cada momento son la clave para salir de sí misma, para salir al mundo. Sólo necesita comprender una, sólo una y el mundo estará literalmente en sus manos, en esas manos en las que Ana escribe sus letras. Podrá empezar a vivir como una más.

Mientras, Ana no ceja en su empeño. Consigue convencer a su familia para llevarla a una cabaña cercana y estar con ella a solas para no tener distracciones de ningún tipo entre las que destacaría el boicoteo inconsciente de la familia. Pues si bien desean el bien de Hellen, la independencia que comprender el mundo le proporcionaría pone en riesgo el estatus Quo de la misma que como siempre sucede, al menos inicialmente, se resiste al cambio.

Ana quiere que Hellen desayune, coma, cene, juegue y, en definitiva, respire letras, para que su cerebro haga ese “clic” que cambiará su mundo y el de aquellos que están a su alrededor, para que se dé LA COMPRENSIÓN.

Tras dos semanas de trabajo intenso la familia quiere que vuelvan a casa pues les es suficiente con que Hellen esté domada, esté adaptada. Al igual que sucede en el proceso terapéutico éste es un punto crítico. En este punto hay que tomar una decisión vital, vivir de forma funcional, sin mayores fricciones con el entorno y cómodamente o vivir para comprender lo que hay más allá, lo más allá que uno pueda llegar, y ser un miembro activo y consciente de la sociedad. Se trata de elegir entre una vida cómoda y plana o una vida incómoda y rica. En mi proceso terapéutico yo me decanto por la segunda

La familia lo tiene claro pues forma parte de ese primer colectivo, Ana también lo tiene claro, ella quiere que Hellen comprenda, pues habiendo sido ella misma ciega y habiendo salido de su ceguera física y emocional con la ayuda de personas amables que se ocuparon posteriormente de ella, sabe la trascendencia que puede tener ese “clic”, la repercusión que puede tener en su vida y en la vida de otras personas que como ella, están encerradas en sí mismas sin saber que existe un mundo más allá de las formas que tocan, como sucedía en el mito de la caverna de Platón.

Por eso Ana se siente frustrada, porque sabe lo que está un “clic” más allá. Cuando ya están de vuelta con la familia, en la misma cena de bienvenida, Hellen intenta volver a su vieja niña indómita tirando la servilleta al suelo, entonces empieza una batalla campal entre Ana y Hellen y entre Ana y la familia que intenta detenerla. Es la misma batalla que al principio de la película. Es enormemente frustrante observar cómo todo el trabajo realizado durante dos semanas se va al traste. Pero dos semanas llenas de comprensiones no pueden desaparecer así como así, están ahí en el fondo pujando por salir. Así que cuando Ana coge a la niña y la lleva a llenar la fuente de agua que ha desparramado en su cara, en este momento de enfado, pelea y caos todo eso que está en el fondo emerge de golpe y se produce la comprensión. Ese líquido frío que sale de la fuente es “bua bua”, la única palabra que Helen recuerda de antes de quedarse sorda y ciega, y que en lenguaje sordomudo tiene su correspondencia. Para asegurarse de que lo ha entendido Hellen va tocando todo lo que tiene a su alrededor, la hierva, los árboles y corrobora con Ana que efectivamente ha comprendido.

Por fin Hellen, esta niña testaruda y que parece carecer de todo sentido de afecto verdadero comprende, pero no sólo comprende que cada cosa tiene un nombre y que puede comunicarse con el exterior, sino que parece comprender, por primera vez, qué es el AMOR y el agradecimiento, es eso que siente por esta maestra que ha puesto el mundo en sus manos.

Resonancias

A lo largo de la película Ana va revisando su pasado sobre todo en lo relativo a su vida en el manicomio y a la relación con su hermano. Ana quería estudiar, pero para ello tenía que salir del manicomio, su hermano le pidió que no se fuera, que no lo dejara sólo. Ella le respondió que sí, que se iría a estudiar. La siguiente vez que lo vio él estaba muerto. Estas heridas, las culpas, los dolores…acompañan a Ana a cada momento y posiblemente son las mismas que la hacen perseverar con Hellen, para que esta niña no tenga que sufrir innecesariamente, al menos no con cosas que pueden evitarse.

El proceso de enseñanza de Ana a Hellen me resuena a mi labor como profesora. Veo a estos jóvenes total y absolutamente desmotivados, malcriados, rebeldes y veo las actitudes que tenemos los adultos para con ellos y me doy cuenta que tendemos a tener la actitud de la familia para con Hellen. Es decir, son ellos los que tienen el problema y lo que nosotros tenemos que hacer es amaestrarlos para que estén sentados, escuchando e incluso exigimos que estén interesados en lo que tenemos que decir, y esto nada menos que durante seis horas al día.

Luego nos quejamos de que no participan, de que no tienen iniciativa o interés. Les llevamos a un punto de inmovilidad absoluta (pues nos da miedo que se muevan, que opinen, por si ponen en evidencia nuestro precario conocimiento y nuestra escasa reflexión sobre aquello que enseñamos) y al mismo tiempo les reprochamos que no se muevan, que no estén motivados. Si a alguno se le ocurre moverse, sobre todo si es con comentarios críticos, le cortamos la cabeza y si no lo hacemos nosotros, lo hacen los propios compañeros. Cuando un alumno participa con ganas le llaman “motivado” de forma despectiva, así lo mantienen ahí en este punto de desmotivación y desidia absolutas, no vaya a ser que ellos también se tengan que motivar (y tengan que volver a darse cuenta que lo tienen difícil, con el dolor que eso supone). En fin, que los chavales hoy en día lo tienen bastante difícil.

Mi motivación personal se encauza con un grupo de jóvenes que han sido considerados “inadaptados” y están en un aula de “diversificación”. La mayoría son jóvenes rebeldes muy inteligentes, muy emocionales y muy impulsivos a los que el sistema les ha hecho creer que son tontos. Ellos han adoptado el papel de “malotes” lo que se traduce en fumar, en hacer juergas los fines de semana, en hablar de sexo, en dar contestaciones desafortunadas a los adultos y en pelearse entre ellos. Supongo que es mejor ser malote que ser tonto, al menos los malotes son “respetados” y admirados por el resto.

Y es aquí donde me identifico con Ana. Yo sé que ellos no son tontos, sé que en realidad son inteligentes y lo sé porque hablamos mucho y discurren perfectamente, muchas veces bastante más lúcidamente que estudiantes que se encuentran en otros grupos. Cuando les hablo sobre ellos, sobre cómo los veo, cómo entiendo el sistema, cómo entiendo la educación, escuchan atentos y me piden más, porque quieren saber. Cuando les pregunto cómo ven las cosas, cómo se sienten, qué piensan del mundo, del sistema escolar, de las relaciones con sus compañeros o incluso qué es para ellos el amor, se muestran total y absolutamente receptivos y generosos. Son personas abiertas y hambrientas por saber, por saber cómo vivir, por tener referentes. Están motivados pero no como creemos, ni en lo que pretendemos que estén.

Mi dificultad radica en cómo transmitirles que todo lo que tratamos de enseñarles, lengua, inglés, historia, matemáticas, ciencias naturales…está de algún modo relacionado con todo eso que sí les interesa. Y es aquí donde veo sus mayores dificultades, en trasladar esta claridad a un papel, en que no les de miedo leer, porque aquello de lo que tienen hambre está escrito en los libros, porque hay personas muy sabias que se han cuestionado las mismas preguntas que ocupan la mentes de estos “tontos”.

Y automáticamente me pregunto si no está sucediendo lo que ha sucedido siempre a lo largo de la historia, que esos libros tan interesantes que nos hacen pensar y cuestionarnos el sistema, y que nos gustan porque alimentan el alma, están de algún modo, más sutilmente que entonces, difícilmente adquiribles.

Quizá el modo en que lo hacemos ahora es tener la atención de estos jóvenes entretenida con libros intragables para que pierdan el gusto por leer y escribir, así, no se les vuelve a ocurrir abrir un libro en su vida y se dirigen a la caja tonta para que les llene con basura ese vacío que nosotros, “los adultos”, no conseguimos y sospecho no queremos llenar.

También veo que los adultos de hoy en día hemos vivido esta misma forma de educación y que difícilmente podemos trasladar algo distinto a los jóvenes a los que queremos educar. Mirando mi propia historia para poder entender a los chavales me he dado cuenta de que yo carecía de interés por lo que me enseñaban en el cole, no había una sola asignatura que me apasionara, a veces algunos ejercicios de matemáticas me parecían entretenidos, otras la historia que me contaba el profesor de filosofía, pero creo que era más el tono de motivación que empleaba que lo que contaba en sí mismo. En fin…cómo transmitir lo que no he sentido.

No lo sentí entonces pero sí lo he sentido de mayor, en otro sistema más amable, más abierto, más comprensivo, más amoroso, más perseverante y más educador, a saber, en el entorno terapéutico en el que me he movido y en el que continúo. Gracias a mis terapeutas puedo escribir sobre alguien diferente a mí, gracias a ellos puedo sentir la motivación suficiente para escribir lo que escribo hoy aquí. Gracias.

Ttala Lizarraga

SARABAND

2010-03-24T04:26:00.000-07:00

Ficha técnica y artística

Título original: Saraband

Dirección: Ingmar Bergman

Reparto Liv Ullmann (Marianne), Erland Josephson (Johan), Börje Ahlstedt (Henrik), Julia Dufvenius (Karin), Gunnel Fred (Martha).

País Suecia, Italia, Alemania, Finlandoa, Dinaamrca, Au

Año 2003

Productora: Sveriges Television (SVT)

Guionista: Ingmar Bergman

Fotografía: Stefan Eriksson, Jesper Holmström, Per-Olof Lantto, Sofi Stridh, Raymond Wemmenlöv

Vestuario: Inger Pehrsson

Maquillaje: Cecilia Drott

Sinopsis

Marianne no ha tenido ningún contacto con Johan en todo este tiempo. Está sentada a la mesa, y sobre ella se extienden una serie de fotografías que ilustran la vida en común de ambos: ella comienza a hablar directamente a cámara, a nosotros los espectadores. Abogada especialista en divorcios, todavía en activo, nos cuenta como, por un repentino impulso, decide visitar a Johan. Tras haber heredado una fortuna, y con más de ochenta años, ahora él es un profesor de psicología jubilado que vive sólo en una casa de campo, a la orilla de un bonito lago. Desde que Marianne llega inesperadamente a la casa de Johan una serie de acontecimientos va a influir en las vidas de cada personaje de esta historia.

Temas que se abordan

Se trata de un drama a veces conmovedor y a veces aterrador sobre la culpabilidad, el horror de envejecer, los consiguientes pensamientos acerca de la muerte, la necesidad de ser reconfortado y de reconciliación con el pasado. También es una película sobre las relaciones entre padres e hijos. El amor y el odio están de la mano durante todo este viaje.

Drama

Esta historia se presenta dividida en diez partes donde va desarrollándose todo el entramado dramático. En cada una de ellas he visto reflejado algún aspecto de mi vida y me ha resultado tan fácil verlo, que he llegado a la conclusión de que esta historia trata sobre temas muy universales e inherentes al ser humano. Habla sobre lo cruda y descarnada que también es nuestra forma de ser. Temas como el odio, el miedo, la confusión… que tanto intentamos mantenerlos en nuestros recovecos más oscuros y que inevitablemente salen a flote como el chapapote moviéndose al ritmo del oleaje del mar. Gracias a la invitación autobiográfica en parte de Bergman en este trabajo, no he podido evitar entrar en mis pozos y quedarme inmóvil por esos pegotes de petróleo tan desagradables y necesarios al mismo tiempo.

El primer pegote me ha llegado al observar a través de Marianne como testigo, la relación de poder que mantiene Johan con su hijo Henrik. Esta relación está envenenada por el odio y la humillación y resulta imposible un punto de encuentro entre los dos. Sin duda este oleaje me lleva a corroborar la importancia del tipo de relaciones

que creamos en nuestra infancia con nuestros progenitores. Aquí está la base donde nos apoyaremos en las futuras relaciones.

Siguiendo con la marea viva de esta historia, Henrik es un profesor jubilado y un consumado violoncelista que se dedica a dar clases de violonchelo a su hija de una manera obsesiva y posesiva. Él proyecta en ella su ansia por ser reconocido a través de la música y coarta la libertad de su joven hija sin dejarle opción a decidir lo que ella quiere hacer con su vida. Además la relación entre padre e hija está contaminada por la transferencia de amor por su esposa ya muerta hace dos años que hace Henrik en Karin, incluso llegando a situaciones incestuosas que la película recoge en más de un momento. Casi al final, Karin se posiciona ante su padre reivindicando su derecho a ser libre y rompe con estos lazos nada saludables para su desarrollo como persona. El desenlace de esta relación se hace aún más demoledora con el intento de suicidio por parte de Henrik como una promesa anticipada desde el comienzo de la película. Se trata de un personaje predestinado al sufrimiento y dolor que no puede evitar hacerse daño y expandir el odio tan profundo en él al resto de las personas más cercanas.

Anna la esposa fallecida de Henrik guarda un sitio especial durante toda la película a través de una fotografía en blanco y negro que va apareciendo en sitios diferentes. Me da la sensación que cada uno de los personajes adopta en su interior a esta mujer como símbolo del amor incondicional. Ya que cada vez que ellos expresan sus dificultades para entregarse al amor acaban refiriéndose a Anna como la única que sí sabía amar. Aún así no deja de extrañarme que justo el símbolo del amor muera siendo joven por cáncer. ¿Acaso no es la capacidad de amar la única que puede sanar todos los males?

Los polos opuestos que representan tanto Marianne y Johan cogen forma de dos fuerzas atrayentes, que se necesitan pero no acaban de fusionarse. Marianne representa el rol de escuchadora, madre acogedora, comprensiva con el dolor del otro. Sin embargo Johan, 20 años mayor que ella, se expresa desde su propio aislamiento y egocentrismo, narcisista y pueril como antaño, intelectual emocionalmente congelado de pasión y de gritos y susurros. Una noche se despierta angustiado, presa de su propio miedo y fragilidad. Acude a Marianne en busca de calor humano, ella accede pero terminan dándose la espalda con sus cuerpos desnudos sedientos de ternura. Otra muestra de aislamiento y desolación.

La cámara empeña el papel de una especie escáner, donde a través de un reducido grupo de personajes, decorados confinados y claustrofóbicos, las agresiones, acusaciones y un odio angustiosos manan mediante intercambios verbales venenosos. El impacto psicológico, emocional y dramático es intenso y lo he sentido impregnado en mi piel desde el principio. Sudor frío, tripas revueltas y más de una sensación relacionada con el proceso digestivo ha sido protagonista en la película de mi vida durante unos días.

Como apunte esperanzador para mí ha sido el último encuentro que ha tenido Marianne con una de sus hijas (también hija de Johan). Se trata de Martha una mujer de unos treinta y tantos años, que se encuentra en un sanatorio desde hace años. En ninguna de las visitas que le ha hecho su madre hasta ahora, ha emitido alguna señal de comunicación. Pero esta vez, muda, envarada, abre los ojos un par de segundos en respuesta a la caricia de su madre, y vuelve a cerrarlos, prisionera de su mundo, catatónica, inalcanzable. Marianne confiesa que tal vez esta vez ha sido la única vez que se haya conmovido a su niña. Una nueva marea se aproxima.

Nagore Aranburu

LE HÉRISSON (el erizo)

2010-03-10T15:07:00.000-08:00

Ficha Técnica y Artística

Título original Le hérisson

Director Mona Achache

Guión Basado en la novela de Muriel Barbery, “La elegancia del erizo”

Reparto Josiane Balasko, Garance Le Guillermic, Togo Igawa, Anne Brochet, Ariane Ascaride

Año 2009

Duración 100 min.

País Francia

Género Comedia, Drama

La historia

Es la crónica de la muerte anunciada de una niña de once años, llamada Paloma, que vive en una de las cinco viviendas de ricos, de una casa X, de un barrio Y, de París.

La historia nos presenta a esta niña, que afanosa y pro activamente, vive sus últimos 160 y pico días de vida; hasta el x de junio, que es su cumpleaños y termina el curso escolar y es cuando tiene decidido suicidarse.

El viaje

Es un viaje, sin retorno, el de esta niña, que una vez que decide acabar con su vida, se pone activamente y con toda su intención y consciencia a vivir estos últimos días de su vida y a realizar aquello que quiere, una película de porqué no quiere seguir viviendo.

La niña, inquieta y curiosa, nos enseña con la realización de su película, qué le lleva a decidir su muerte. No quiere convertirse en adulta. Porque eso significa “acabar en la pecera en la que están dándose cabezazos sus adultos próximos”. Así pues, la niña nos va mostrando esta pecera y cómo son y están los peces que la conforman.

Y nos muestra a su madre. A su padre. A su hermana. Su familia. Con quienes vive.

A los vecinos. A la amiga de la portera y a la portera. Y es aquí, con la amiga de la portera; y de seguido, con la portera, con quien la niña comienza a ver y a girar hacia un sentido para su vida.

En el viaje, no solo viaja la niña. Viaja la niña y también lo hacen la Sra. X, la portera y el Sr. J, el nuevo vecino.

Quiero dejar sin nombrar a los personajes, ya que podríamos ser cualquiera de nosotros. Cualquiera de nosotros podemos viajar. Viajar hacia un cambio de actitud, y forma de entender y vivir la vida.

Los personajes

Están divididos en ricos y pobres.

Me llama la atención el escuchar repetidamente autodenominarse como ricos y pobres. Con la consiguiente clasificación y disposición en la vida según el estatus. Además del sentido de estatus social, añado el de estatus vital; con cuanta vitalidad, entusiasmo, entrega, amor vivo la vida. Con esto no quiero decir que los ricos sean vitales, amorosos, y entregados, sino que lo tendrían, en principio más fácil para serlo.

Incido en resaltar la diferencia entre ricos y pobres por la trascendencia que tiene el hecho de ser pobre y rico. Cuando uno es pobre, si cubre las necesidades básicas de comida, techo y calor, sobrevive. Pero, para vivir hacen falta cubrir otras necesidades, que son de afecto, de relación, de confianza, y entrega. Yendo, después, hacia otro universo de necesidades que tienen que ver con el arte y la comprensión de la vida.

Ajustándome más a lo que la película plantea; nos habla de diferencias por clases. Esto es que porque tú seas un conserje, o una portera, yo a ti, no voy a verte más que como portera, tú no vas a ser más que eso. No te veo como una persona. No me relaciono contigo, realmente. Esto, es una forma de estar y “vivirse” en el mundo, que limita y es limitante. Cada vez que me identifico con mi posición, rol y papel en el mundo, me olvido, me pierdo de mí como el ser humano que soy. Y Somos, más, que el papel que representamos.

La portera se autolimita. Y sus vecinos la autolimitan. No se relacionan con ella, lo hacen con la portera. Como si la portera no fuese persona. No la invitan a cenar, es impensable que ella invita a nadie a su casa, o que salga con la vecina J a pasear.

Entonces, está el Sr. Kakuro, él si ve a la Sr. Renée. Él se sabe a sí mismo, y puede vivir, y busca vivir, y vive una vida más plena. Además la busca a Renée para compartirla. Es entonces cuando Renée comienza su viaje hacia una vida más allá de ser la portera, y a una vida más allá de su rincón de lectura. De ser más allá del rol. Después de vacilar, y replantearse a si misma, coge la oportunidad que se le presenta, y viaja hacia si misma y hacia el encuentro con Kakuro.

Renée además cuenta con el apoyo de la niña, Paloma, ante quien Renée se muestra tal y como es en ese momento. Con sus dificultades y su tristeza por no amar.

Renée, se limita con sus prejuicios e introyectos, por los mensajes internalizados que tiene y que finalmente, decide dejar a un lado; “solo eres una portera no puedes esperar algo mejor en tu vida”, “no te corresponde vivir esa vida” “no te corresponde ser feliz”; se me ocurren. Estos mensajes, son formas de ser y de vivir, que hemos ingerido, y que están instalados en nuestra personalidad, en nuestra forma de funcionar, de entender la vida y de vivir. Y que en la terapia, podemos ir viendo, para así, dándonos cuenta de que están, podamos ir tomando cotas cada vez mayores de libertad y responsabilidad para con nosotros mismos. Cuando no somos conscientes de estos mensajes, que operan en nosotros, actuamos sin darnos cuenta desde, en base a ellos. Y lo hacemos como autómatas. Es entonces, en la vivencia de esos mensajes introyectados y con la cerencia y necesidad de amor emergente, cuando Renée se descubre ante, Paloma, y llora, y se expresa tal cual es en ese momento. Y se da el encuentro entre ambas. Y se abrazan y apoyan y quieren. Entonces Renée está lista para acudir e ir al encuentro de Kakuro.

Los otros personajes, la madre, el padre, la hermana, los vecinos. Viven una vida desde los roles. Identificándose con el papel que corresponda, de esposa, madre, de padre, de cabeza de familia, de esposo, de hija, de amigos de, etc.

La madre es visible que sufre. Apenas se expresa, está temerosa, controladora e incluso persecutoria de su hija. Y carente de sentido en su vida. La carencia de sentido, se amplia e instala cuando vivimos desde el rol, y así, nos quedamos vacíos. Ya que no hacemos por nosotros mismos, sino por la imagen que queremos mantener o que mantenemos.

Estos personajes están disgregados, no buscan la unión y el encuentro con el otro. Sino la posición.

Estos personajes con sus roles en su universo: familia, amigos, trabajo y vecindario, conforman la pecera de la cual Paloma no quiere formar parte. Y la que le lleva a emprender su viaje. Viaje, que finalmente se convierte en un viaje enriquecedor de descubrimiento y de transformación.

Los medios para el viaje

Una cámara de video, pinturas, donde pintar, la motivación, la intención, el propósito claro del viaje, y una creatividad impresionante que se va desarrollando a medida que la ejercita. Como el regalo que le hace Paloma a Renée.

La película nos muestra en algunos momentos dibujos de animación. Siempre me han gustado este tipo de dibujos, al igual que los creados con plastilina y objetos inanimados. Y ahora me doy cuenta de que lo que me atrae, es el hecho de ver como algo muerto e inanimado cobrar vida. Ahora lo pienso y me doy cuenta que cuando estamos instalados en los roles, estamos en parte muertos. Muertos a lo espontáneo, a la vibración y a las necesidades del momento. El darle vida a estos dibujos con el movimiento es un poco esto. Darle vida y darse cuenta del automático para trascenderlo.

Paloma crea y le regala a Renée una obra que la identifica en su mundo íntimo y privado de lectura. El cual acaba compartiendo con ella y Kikuro.

Es a través de la creación de su obra que se expresa, y en su expresión canaliza su necesidad de búsqueda que le lleva hasta donde necesita.

La lectura, El cine, La cocina. Son medios de unión entre las personas. El arte como medio de expresión, y unión. Cuentan historias humanas, donde nos identificamos, nos vemos reflejados y, porque describen procesos por los que pasamos y compartimos con otras personas. Acercándonos.

Tras el visionado de la película, en la fantástica sala, que Kakuro comparte con Renée, ambos comparten sus pérdidas afectivas y así se satisfacen su necesidad de compartirse y de disfrutar con otra persona.

Entresaco la siguientes polaridades, Intimidad – superficialidad, Vibrante – automático, Profundidad – roles, según vivamos desde ser humano o desde el o los roles, respectivamente.

Kakuro y Renée trascienden la polaridad ricos – pobres. Encontrándose íntimamente y traspasando los roles, el estatus y lo establecido.

La triada niña, Kakuro y Renée

Estos tres personajes se encuentran. Y conforman una “familia” circunstancial, donde se apoyan, se comparten y se quieren íntimamente. Esta interrelación permite la transformación de Paloma y Renée, su satisfacción y su crecimiento. Y les permite a todos abrirse a y compartir y disfrutar de la vida con la persona que quieren.

Ainara Campos

THE VISITOR

2010-03-09T04:30:00.000-08:00

Ficha Técnica y Artística

Director y Guionista Tom McCarthy
Actores Richar Jenkins (Walter), Hiam Abbass (Mouna), Haaz Sleiman (Tarek), Danai Gurira (Zainab)
Género: Dramático
Año 2008
País Estados Unidos
Duración 104 min.

Sinopsis
“The visitor” es una película de cambios y oportunidades aprovechadas y negadas. En el escenario de New York, sobre relaciones humanas y que se asoma a la vida de los inmigrantes en esa ciudad.

Walter Vale es profesor en una Universidad. Exento de dar clases se ocupa en escribir un libro con poca dedicación y menos motivación. Viudo desde hace un tiempo, intenta aprender a tocar el piano que era de su mujer, en lo que parece responder más a un intento de mantenerse unido a su recuerdo que a un interés y motivación propia. Walter aparenta ser un hombre sereno, dedicado y estable, sin embargo siente su vida monótona, solitaria y sin ilusión. Todo cambia cuando la Universidad para la que trabaja le envía como ponente a un congreso en New York. Cuando llega a su piso en la ciudad se encuentra con que una pareja de desconocidos están viviendo allí. Un estafador les ha alquilado el piso diciendo que era de su propiedad.

Encuentro
Tarek de origen sirio y su novia Zainab de origen senegalés, ambos sin documentación legal para estar en EEUU, recogen rápidamente sus pertenencias temerosos de ser denunciados y sintiéndose engañados por la estafa. Dejan el apartamento sin saber dónde pasarán la noche ni dónde van a alojarse. Walter se conmueve al verlos en la calle sin lugar al que ir y les propone quedarse con él hasta que encuentren un lugar para vivir.
Este encuentro inesperado e invasivo se convierte en una oportunidad para Walter. Va abriéndose a través de compartir, de la convivencia con esta pareja, tan lejana a su modo de vida. Este acercamiento se va dando poco a poco, respetando los temores y el espacio de cada uno de ellos. Casi sigilosa y cautelosamente, como un animal se acerca a alguien desconocido, antes de darse en confianza.
Es una de las cosas que más resalto de la película. Abrirnos a las situaciones que se nos presentan en la vida, afrontando el miedo, en empatía con el otro y confiando, nos brinda oportunidades de encuentro. Vivimos algunas experiencias con miedo que nos cierra, perdiendo la ocasión de convertirlo en una oportunidad.

Djembé. Un ritmo distinto
Tarek toca el djembé en un grupo y por los parques de New York. Walter siente interés y curiosidad y Tarek comienza a enseñarle a tocar. Aparentemente son dos personas muy diferentes, sin embargo a través del punto común, que es la música y desde el respeto a la diferencia, la humanidad y la admiración van creando su amistad.
Del mismo modo en que Walter encuentra la ilusión y la atracción por el ritmo de los tambores, que no encuentra cuando toca el piano, un ritmo interno va cambiando en él. Empieza a dilatar el regreso a su casa, donde sabe que solo queda una vida que tuvo sentido en otro tiempo pero que ahora ya no le gusta.

Humanidad
La fluidez de estos acontecimientos se ve abruptamente interrumpida cuando Tarek es detenido por ir indocumentado. Mouna, madre de Tarek viene a visitarlo a New York y se encuentra con que su hijo ha sido detenido.
Tarek ha sido trasladado a una cárcel donde retienen a los inmigrantes a la espera de cumplir los trámites necesarios para demostrar que están legales o ser deportados. Es una cárcel en medio de la ciudad, sin ventanas, como una gran caja donde lo que sucede dentro no tiene repercusión fuera. Me resulta estremecedor la falta de humanidad de la administración, pues la vida, relaciones, responsabilidades, etc. de cada individuo que allí entra no importa al sistema que se dedica a gestionar unas leyes impersonales sobre personas como si fueran fardos y no tuvieran vida. Un sistema que nos engulle. Y queda reflejado en la frase que grita Walter al funcionario protegido en una garita de cristal: “No necesitamos que nos protejan tanto, no somos niños indefensos”.

En polaridad con la deshumanización de la administración está la humanidad de Walter quien está haciendo todo lo posible para sacar a Tarek y que pueda permanecer en EEUU. Así como lo hacen Zainab y Mouna. Todos ellos tienen una causa común y va creciendo su amistad. Especialmente entre Mouna y Walter quienes comparten casa y comienzan a sentirse atraídos y acompañados el uno por el otro.

Rupturas
Según va pasando el tiempo el alegre Tarek va cambiando, se desespera al ver a compañeros que llevan años esperando la resolución de su caso, va perdiendo la esperanza de permanecer en EEUU y volver a ver a Zainab.
Una madrugada, una llamada de teléfono les informa que Tarek ha sido enviado a Siria. Sin más aviso, ni información. Sin tiempo de despedidas, cuando llegan a la cárcel ya no está.

He llamado rupturas a esta parte porque son muchas las que se producen. Por un lado Tarek ve rota, cortada repentinamente su vida en EEUU, es enviado a Siria, contra su voluntad y sin derechos. Su relación con Zainab.
La madre de Tarek decide regresar a Siria para reencontrarse con su hijo, sabiendo que no volverán a dejarla entrar en EEUU. Se rompe la incipiente relación de Mouna y Walter.
Como contrapartida una ruptura positiva, la que hace Walter con su vida anterior. Los cambios que ha producido esta experiencia en su interior le hacen volver a sentir y buscar lo que quiere hacer.

Esperanza Elvira Maiz

PIEDRAS

2010-03-03T08:09:00.000-08:00

Ficha Técnica

Director Ramón Salazar

Reparto Antonia San Juan (Adela), Ángela Molina (Isabel), Najwa Nimri (Leire), Vicky Peña (Maricarmen), Mónica Cervera (Anita), María Casal, Lola Dueñas, Nuria Mencía (Dominique), Simón Andreu (Marido).

Año 2002

País España

Sinopsis

Piedras cuenta la historia de cinco mujeres (y las relaciones que se establecen entre ellas) a través de los pies y los zapatos.

Adela se dirige en moto hacia el corazón de un tango apretado, Leire está a punto de caerse de lo alto de una plataforma de go-gos, Maricarmen está harta de los juanetes del taxi, Anita da varias vueltas a la manzana siguiendo a un avión. E Isabel se empeña en utilizar dos tallas menos para todo.

Es decir: son cinco Cenicientas sin Príncipe Azul, en busca de segundas (y hasta terceras) oportunidades.

Las protagonistas

Esta película cuenta cinco historias paralelas de soledad de cinco mujeres que se entremezclan por los hombres que aparecen en la película.

Adela: la mujer de los pies planos

Es la madre de Anita, una chica de 28 años de edad mental de 7. Se dedica a la coordinación de un club de carretera. Su vida controlada se ve trastocada con la aparición en su vida de Leonardo. Teme amarlo, pero se compromete con sus sentimientos. Se siente traicionada al enterarse de que él está casado y se da cuenta de que todo lo que ha vivido junto a Leonardo, ha sido el reflejo de lo que a él le hubiera gustado vivir junto a su mujer. Esto hace que deje el trabajo y se dedique a lo que realmente quería hacer, escribir un libro y ser buena madre.

Anita: la mujer de las zapatillas deportivas

Es una chica con retraso mental que lleva una vida totalmente rutinaria hasta que llega Joaquín a su vida, un chico enfermero que la vigila mientras su madre trabaja. Anita se enamora de Joaquín. Él intenta que pueda hacer nuevas pequeñas cosas que le gustan. Deja de lado a su perro para no parar de imaginarse junto a Joaquín. Al enterarse su madre de esto, le pide que no vuelva a cuidar de ella. Anita intenta matar al perro intentando librarse del que sabe el camino de regreso a casa para que vuelva Joaquín. Ha aprendido nuevas cosas, y no quiere volver atrás en su aprendizaje.

Maricarmen: la mujer de las babuchas

Es una mujer que al quedarse viuda de su marido (viudo de otra mujer) se ha tenido que hacer cargo de los tres hijos de él. La mayor ya no vive en casa, la mediana es adicta a meterse fármacos por la nariz y el pequeño, es aún un niño. Se ha hecho cargo tanto de los hijos como del trabajo de taxista de su marido. El coraje de esta mujer es impresionante, tira hacia delante con todo lo que le ha tocado como puede y en toda la película sólo llora cuando el pequeño le dice que quiere ver a su madre. No es bien recibida por la mediana en casa pero ella tira adelante.

Leire: la mujer de los zapatos robados

Es una chica que trabaja como dependienta en una zapatería de lujo y como go-gó en una discoteca. Ha mantenido durante cinco años una relación que le sacó de casa de sus padres y en la que se muestra muy dependiente. Es soñadora y romántica. La ruptura con su novio le hace caer en una sobredosis que le abre los ojos y le hace reconciliarse con su pasado para empezar una nueva vida en la que deje de morirse por dentro.

Isabel: la mujer de los zapatos pequeños

Es una mujer de alto nivel social que no trabaja. Se dedica a organizar cenas e ir al psiquiatra. Su necesidad de buscar emociones fuerte que le hagan sentir viva hace que tenga affaires y sea cleptómana. Es teatrera, exagerada,… busca llamar la atención que no consigue de su marido. Su envidia le lleva a robar los objetos regalados como muestra de cariño por uno de sus affaires a su mujer. Busca los zapatos adecuados coleccionándolos pero lo que realmente busca es que su marido la quiera.

Cada una de ellas evita sentirse sola a su manera: Adela intenta controlar su trabajo y la vida de su hija, a Anita le acompaña el perro y después Joaquín, Maricarmen se refugia en ser el soporte de una familia, Leire se esconde en las drogas; e Isabel en los zapatos, las compras y los affaires que mantiene.

Eider Martínez

ANTES DEL ATARDECER

2010-03-03T08:01:00.000-08:00

Ficha Técnica

Dirección: Richard Linklater

País: Estados Unidos

Año: 2004

Interpretes: Ethan Hawke, Julie Delpy.

Duración: 80 min.

Sinopsis

Cuando Jesse y Celine se conocieron en un tren de Eurail, la conexión entre ambos fue inmediata y profunda. La relación que mantuvieron de 14 horas, mientras exploraban lo espontáneo e inesperado en Viena, terminó en una plataforma de la estación de tren donde juraron volver a verse 6 meses después. Ahora, nueve años han pasado desde esa mañana. En la última parada de su gira de presentación de la novela que ha escrito, Jesse ve a Celine mirando desde atrás de la sala. Ella vive en Paris ahora, él en Nueva York. Jesse regresa a su ciudad esa misma noche, y deciden usar cada momento, descubriendo que la conexión que los unió mucho tiempo antes aún sigue latente. En un estimulante y revelador viaje a través de Paris, estos dos personajes exploran el interior de sus corazones y mentes y redescubren su poderoso amor.

Comentario

Jesse Wallace es un escritor norteamericano que va a una pequeña librería de Paris a presentar su libro acerca de una historia de un encuentro romántico entre un chico americano y una chica francesa. Mientras responde a los periodistas se entremezclan imágenes de aquella historia que fue real. También habla del que pueda ser su siguiente libro. Con estos comentarios para mí queda patente el enganche de Jesse al pasado y a historia de amor que pudo haber vivido y no fue junto a Celine.

La joven de la historia aparece en la librería y Jesse le invita a tomar un café. Durante su paseo al café, ella le confiesa que ha leído el libro y le pregunta si asistió a su última cita en Viena. Ella le cuenta que no pudo ir por la muerte de su abuela, entonces él le cuenta que sí que fue.

Charlan de camino al café y tras tomárselo pasean por el parque, el amor que existía entre los dos va apareciendo de nuevo. En la conversación hablan de los disfrutes del momento, de la noche que pasaron juntos, del trabajo de ella,… y ella acaba peguntando si estarían hablando de lo mismo de saber que esa es la última noche. El tonteo entre los dos es notorio y a lo largo de estas imágenes, se me genera una ilusión de lo que puede pasar durante la película. Me conecta con mi lado romántico que espera que el encuentro entre ambos se vuelva a dar.

Jesse quiere navegar en un barco por el Sena y retrasa su cita con el chofer que lo llevará al aeropuerto. Estando allí le cuenta a Celine que pensó en ella en muchas ocasiones y que cree que de haberse encontrado aquel día en Viena las cosas hubieran sido totalmente distintas. Ella no está convencida, porque quizá se hubieran odiado. Veo que Celine se niega a creer lo que Jesse dice. Me conecta con la desconfianza a creer las palabras de quien me dice cosas bonitas.

Celine pregunta a Jesse por su matrimonio y él le cuenta que no le va bien. Al llegar a puerto, el chofer espera. Antes de que ella se despida, él se ofrece a llevarle en coche a casa. Me parece que Jesse no quiere despedirse de Celine.

Celine confiesa a Jesse que el libro le ha removido mucho, que recuerda todo lo que pasó entre ambos, que el romanticismo que ella ponía a las relaciones, se acabo tras aquella historia que vivieron juntos. Ambos hablan de lo muertos que se sienten por dentro. En este momento de la película, siento la desilusión que vivo hacia el amor, como algo que sólo se da en las películas y que no he vivido en mi vida.

Cuando llegan a casa de ella, él le acompaña hasta la puerta. Cuando llega el momento de despedirse, él le pide que le cante una canción y sube al apartamento. Celine le canta una canción compuesta por ella que habla de aquel encuentro que tuvieron. Mi sensación al escucharla es la de que todo está dicho por parte de ella y que es a él a quien le toca dar el siguiente paso. Quedo frustrada al ver que no lo hace. Me conecta con la vivencia de estar enseñando la patita esperando que el otro la muestre más para poder estar segura de dar el siguiente paso.

Esta historia cuenta un reencuentro con algo, mejor dicho alguien, perdido. Jesse retorna sobre sus propios pasos en busca de Celine, una historia que perdió nueve años atrás y que sigue siendo importante en su presente. Celine por su parte, con este reencuentro, busca aquella persona romántica que dejó de ser tras el encuentro con Jesse.

Como dice Celine en la película ¿están reñidos realidad y romanticismo?

Personajes

Ambos personajes son muy románticos y están enganchados a la historia de amor que vivieron juntos 9 años antes. La tienen idealizada.

Jesse Wallace: es un escritor norteamericano, casado y con un hijo. Ha escrito un libro que se basa en una historia de encuentro y romanticismo que vivió junto a una joven francesa años antes. No ha dejado de pensar en ella en todo este tiempo. Es soñador, romántico, idealiza la historia que vivió junto a Celine. Se quedó enganchado a esa historia de amor y no ha pasado página. Cuando la vuelve a encontrar es incapaz de despedirse, de dejarle ir. Me parece que su forma de expresarse ante ella es muy valiente ya que se muestra en todo momento. Su interés hacia Celine se ve desde el principio de la película y no cesa en su empeño.

Celine: es una mujer francesa que vive en Paris. En un primer momento se muestra como una mujer independiente, fuerte, centrada,… y a medida que va pasando la película se ve que ella también quedo enganchada en aquella historia que vivió con Jesse. Su manera de mostrarse nada tiene que ver con su forma de ser. Durante la charla con Jesse, no muestra su interés hacia él, sino que va preguntando por el interés de Jesse hacia ella. Acepta todas las proposiciones de pasar tiempo juntos de Jesse. Me parece que su inseguridad le hace tontear pero no pasar de ahí. Veo que seduce una y otra vez a Jesse sin creer lo que él le dice.

Eider Martínez

LA HUELLA (sleuth)

2010-03-03T07:56:00.000-08:00

Ficha Ténica y artística

Título original Sleuth

Dirección: Kenneth Branagh.

País: USA.

Año: 2007.

Duración: 86 min.

Género: Thriller.

Interpretación: Michael Caine (Andrew Wyke), Jude Law (Milo Tindle).

Guión: Harold Pinter; adaptación de la obra de Anthony Shaffer.

Producción: Jude Law, Simon Halfon, Tom Sternberg, Marion Pilowsky, Kenneth Branagh y Simon Moseley.

Música: Patrick Doyle.

Fotografía: Haris Zambarloukos.

Montaje: Neil Farrell.

Diseño de producción: Tim Harvey.

Vestuario: Alexandra Byrne.

Sinopsis

Un millonario (Michael Caine), autor de novelas policíacas, une su ingenio con un actor en paro (Jude Law), que se fugó con su mujer, en un juego terriblemente serio y sumamente retorcido que traerá peligrosas consecuencias.

Historia

Milo (Jude Law) acude a casa de Andrew (Michael Caine) para pedirle que se divorcie de Maggie, ya que quiere casarse con ella. Durante la charla empiezan a conocerse y Andrew evita responder a la demanda de Milo.

Antes de contestar, Andrew invita a Milo a subir al piso de arriba para mostrarle su dormitorio y el vestidor de su mujer. Quiere mostrar a Milo que su mujer es una despilfarradora y que está acostumbrada al lujo, por lo que no podrá darle la vida que ella quiere y cree que volverá con él por este motivo.

Andrew tiene una solución, que Milo robe las joyas que guarda en su caja fuerte para que así puedan vivir del dinero que consigan por venderlas, así Andrew romperá definitivamente su relación con Maggie.

Milo desconfía y Andrew acaba reconociéndole que necesita el dinero del seguro. Milo acaba aceptando el plan a cambio de que Andrew le de el divorcio a Maggie.

Andrew le va dando las indicaciones de cómo entrar en la casa a Milo. Una vez dentro empieza a narrar por momentos cómo sería el robo e incluso interpreta el papel del ladrón. Controla todo el juego desde el principio.

Cuando Milo tiene las joyas en la mano, Andrew empieza el verdadero juego, en el que él está armado y descubre a un ladrón en su casa. No piensa dejar a Milo con sus joyas y su mujer. Cambia el guión del robo por completo. Su control sobre el juego va más allá y demuestra a Milo que también puede controlarlo a él. Andrew se muestra posesivo, calculador, omnipotente y Milo responde asustado.

Tres días más tarde, Andrew recibe la visita del detective Black. Andrew miente ante las preguntas del detective acerca de la desaparición de Milo. El detective comienza a amenazar físicamente y a acusar a Andrew. Las tornas han cambiado, ahora es el detective el que se pone por encima de Andrew controlando lo que sucede. El juego está en el poder de uno sobre el otro.

La competitividad entre Andrew y Milo es patente desde el principio en una película en la que las tornas cambian y la lucha de poder lleva a la manipulación de uno y el otro en diferentes puntos de una película cambiante y sorpresiva, incluso extraña.

La rivalidad que comienza por el amor de una mujer, va convirtiéndose en una disputa y competición de entre los dos por quedar el uno por encima del otro en cuanto al ingenio que ponen en práctica a la hora de asustar al otro.

El juego

Esta película nos habla del juego de manipulación. Los protagonistas son dos hombres que compiten entre sí y rivalizan por una mujer. Esto lleva a Andrew a idear un juego en el que pueda quedar por encima de Milo humillándole y haciéndole temer por su vida. El juego lleva a Milo a vengarse. Ambos son fríos y calculadores. Les gusta tener el control sobre los demás.

Andrew: es un escritor maduro y de renombre que vive en una casa del siglo XVIII y que está totalmente modernizada por dentro. La seguridad de la casa hace que sea como una fortaleza. Su forma de actuar resulta fría y distante. En su cara no se reflejan sus emociones, se muestra permanentemente sereno hasta que consigue vengarse.

Milo: es un joven actor poco conocido que acude a la casa de Andrew para poder casarse con Maggie. Es un hombre que estalla cada vez que se siente abrumado por las situaciones que vive, es explosivo en sus emociones. Es rencoroso y exagerado en sus expresiones faciales.

Eider Martínez

CONVERSACIONES CON MI JARDINERO

2010-03-03T07:52:00.000-08:00

Ficha técnica

Dirección: Jean Becker.

País: Francia.

Año: 2007.

Duración: 109 min.

Género: Comedia.

Interpretación: Daniel Auteuil (el pintor), Jean-Pierre Darroussin (el jardinero), Fanny Cottençon (Hélène), Alexia Barlier (Magda), Hiam Abbass (esposa del jardinero), Élodie Navarre (Carole).

Guión: Jean Cosmos, Jacques Monnet y Jean Becker; basado en la novela de Henri Cueco.

Producción: Louis Becker.

Fotografía: Jean-Marie Dreujou.

Montaje: Jacques Witta.

Diseño de producción: Thérèse Ripaud.

Vestuario: Annie Périer Bertaux.

Sinopsis

Un pintor de cierta fama, que ha vivido durante años en París vuelve a su pueblo natal situado en la Francia profunda, para afincarse en la casa en la que pasó su infancia, y encontrar un sentido a su vida, después de que su mujer le haya pedido el divorcio. Decide contratar un jardinero para encargarse del terreno que rodea la casa. La persona que se presenta para realizar ese trabajo resulta ser un viejo compañero suyo de la escuela.

Toda la película transcurre en torno a la relación de amistad que se va fraguando entre estos dos personajes, tan distintos entre sí.

Personajes

“Del pincel” y “Del jardín” son los apodos que utilizan los dos personajes para dirigirse el uno al otro. En un inicio, son dos personajes casi polares entre sí. Lo único que los une son sus recuerdos de la infancia. Y es desde esos recuerdos como se va construyendo la relación entre ellos.

El Pintor. (Del pincel).

“Del pincel” es un hombre que estaba destinado a regentar la farmacia que había sido de la familia paterna generación tras generación. En su momento él se niega a seguir con el negocio familiar y decide seguir su sueño de ser artista. Consigue hacerse un nombre como pintor en París. Sin embargo. Se siente insatisfecho con su trabajo. Se siente inseguro de su talento. Es un hombre frívolo, superficial y narcisista, que vende su arte al mejor postor.

No está muy comprometido con su matrimonio y se enreda en romances con diversas mujeres que se cruzan en su camino. Tampoco parece importarle mucho lo que ocurre en la vida de su hija. Es su mujer la que, al pedirle el divorcio, le desmonta su vida frívola y sin sentido.

El jardinero. (Del jardín).

El jardinero por su parte representa la sencillez y la autenticidad. Toda su vida ha sido obrero del ferrocarril. Siempre ha vivido en el pueblo en el que nació. Lo que más le gusta en el mundo es la jardinería. Es un hombre sin formación académica. Es un hombre totalmente leal y fiel a su mujer y un padre que se ocupa de sus hijos. Es un hombre cuya vida sí tiene sentido.

Amistad y Transformación.

Me impresiona la sencillez del jardinero. Es un personaje que en un inicio se me hace demasiado radical. Desde mi punto de vista, rutinario en exceso. Pero a lo largo de la historia me voy dando cuenta que es mucho más verdadero que el otro personaje, el pintor, lleno de refinamiento pero también de superficialidad y de falta de compromiso con la vida.

“Del jardín” tiene claras sus necesidades. Sus principios de vida son sencillos. Él está contento con su vida. No tiene dudas. Su mujer es “la mujer”. Es única. Para él su familia es fundamental. Está orgulloso de haber sido peón del ferrocarril. Todos los años hace los mismos viajes, haciendo lo mismo. Mira al mar porque no hay otra cosa que hacer. Y eso le basta. Cuida de sus hortalizas, de su jardín, con un mimo exquisito. Se siente unido a la tierra y a sus frutos. Y a pesar de esta rutina o gracias a ella, disfruta de la vida.

Y gracias a la amistad que se va creando entre ellos, es el pintor el personaje que más se va transformando a lo largo de esta historia, desde mi punto de vista. De ser un personaje totalmente egocéntrico, va pasando a ser un hombre que empieza a ver a los demás y que empieza a preocuparse por las personas y el mundo que le rodea. Siendo un pintor que pinta lo que ve, casi ni se había dado cuenta de lo que había a su alrededor. Y es el jardinero el que se convierte en su maestro. Es el jardinero el que a través de una mirada limpia, auténtica, sin frivolidades, sin falsedades, le ayuda a encontrar el sentido de su vida.

La muerte

“Del jardín” afronta su muerte como su propia vida. Afronta su muerte como parte de su vida. La afronta como a una vieja conocida.

El vivir su vida de forma tan verdadera le permite afrontar este nuevo reto de la misma manera. Porque quien más preparado está para vivir, más preparado está para morir.

Y muere junto a su amigo. Muere junto a su familia. Muere junto a sus hortalizas. Muere junto a todos ellos.

Y gracias a la labor de su amigo, “del pincel”, toda su vida queda reflejada en una obra de arte. Porque es lo que realmente ha sido. Una obra de arte.

El sentido de la vida

Esta película me ha hecho reflexionar sobre la sencillez, la autenticidad y la belleza. La belleza que se observa en los paisajes de toda la película. La belleza de la tierra y de las hortalizas. La belleza del arte.

También me ha hecho reflexionar sobre la importancia de lo cotidiano, de la fidelidad, del preocuparse y ocuparse por los que uno quiere, de la amistad.

Cuando el arte se pone a disposición de la autoimportancia y del propio narcisismo, produce falsedad, superficialidad e insatisfacción. Sólo en su unión con lo sencillo, con lo verdadero produce frutos que merecen la pena, igual que lo hace la tierra.

En realidad el sentido de la vida está en el compromiso que cada uno adquiere con ella. Tiene que ver con la autenticidad y con el disfrute de las cosas sencillas y cotidianas.

Aurkene Gallastegi

KRABAT Y EL MOLINO DEL DIABLO (krabat)

2010-03-03T07:46:00.000-08:00

Ficha Técnica y artística

Título original Krabat

Director: Marco Kreuzpainter

A partir de la novela escrita por el alemán Otfried Preussler, la cual está basada en una leyenda tradicional sorbia.

Guión: Michael Guttman

Actores principales: Daniel Brühl (Tonda), David Kross (Krabat), Christian Redl (maestro molinero), Robert Stadlober (Lysschko), Paula Kalemberg (Kantorka), Hanno Koffer (Juro), Tom Wlaschiha (Hanzo) , Moritz Grove (Merten)

Banda sonora: Anette Focks

Origen

Los registros literarios más antiguos de la leyenda datan del siglo XIX, cuentos que trataban acerca de cómo Krabat pasó de ser un pobre huérfano a un gran mago que trataba con los más poderosos.

En unas versiones se convierte en un hechicero malvado instructor de magia negra; en otras, en un gran benefactor del pueblo que trae la buena fortuna.

Sinopsis

Ubicada durante la Gran Guerra del Norte, la historia sigue los pasos de Krabat, un chico sorbio huérfano de 14 años que se dedica a mendigar en la región de Lusacia.

Durante tres noches, una voz le llama en sueños y once cuervos le reclaman. Abandona a su amigo pedigüeño y atiende la llamada.

Al llegar a destino, un viejo y misterioso hombre tuerto le da la bienvenida a un molino. El molinero le pregunta si quiere aprender sólo a moler harina o si quiere aprenderlo todo. Krabat decide aprenderlo todo y el molinero le toma como mozo. Se queda a vivir allí y descubre que tiene once compañeros de trabajo con los que se ocupará del molino. El trabajo es extenuante, pero obtiene techo y comida.

Sin embargo, el comportamiento de los muchachos es extraño: guardan muchos secretos y no se atreven a hablar con las chicas del pueblo vecino. Algunas noches acuden a las clases del maestro, las cuales todavía le están vedadas a Krabat.

Finalmente, Krabat se une a una hermandad secreta compuesta por sus compañeros mozos, quienes son realmente aprendices de mago del molinero y les instruye en las artes oscuras. Los primeros poderes que Krabat obtiene parecen inofensivos, como la habilidad de transformarse en un cuervo, pero con el tiempo ve como sus poderes crecen y descubre hasta donde le pueden llevar.

El molino no tiene visitantes externos o clientes que lleven granos o compren harina (a pesar que el molino trabaja continuamente). El único visitante regular es el Padrino, quien pudiera ser el diablo, aunque nunca se especifica.

Los temas recurrentes son la magia, el poder, la muerte, el destino, y la amistad.

Lo simbólico. El hechizo.

El molino, la rueda, los ciclos

Hay un perfume a repetición. Pareciera que la “magia negra” consiste en aprender técnicas que se repiten sistemáticamente sin con(s)ciencia o que se ejecutan bajo la ley del deseo cuyo fin es no saciarse nunca y perpetuarse.

Me recuerda, por un lado, a la rueda de samsara de los budistas, a la que nos vemos avocados a repetir sufrimiento sistemáticamente por un deseo de poder (poder por poder, poder llegar a algo, poder ser alguien, poder tener algo o alguien,). Pareciera que las capacidades que uno adquiere a lo largo de los días se tornan inútiles, en el sentido de alcanzar una salida, cuando obcecados por un deseo, persistimos mecánicamente en el intento de conseguirlo, alcanzando cada vez mayores cotas de oscuridad.

Por otro lado me recuerda al aprendizaje y puesta en práctica de la terapia: cuando existe un deseo de conseguir un fin, la aplicación de técnicas se torna oscura y sistemática y la luz que emerge de la presencia y el contacto se desvanecen, resultando en una práctica efectista sin vida de sanación.

Los cuervos

Van en busca de aquello que brilla, supongo que para contrarrestar su propio color. En el caso de estos aprendices de mago negro, son huérfanos, pedigüeños y no tienen nada. La carencia, “el hambre” y la oralidad son el caldo de cultivo perfecto para la captación de adeptos al valor. De esto saben bastante las sectas. Es distinto pedir por necesidad que mendigar por inercia. Con una actitud irresponsable, es fácil caer en la rueda de hacer lo que sea para llegar al paraíso prometido.

El número 12

Krabat se da cuenta que el molinero tiene un pacto con el Padrino. Cada año, el amo debe sacrificar a uno de sus aprendices en Nochevieja a cambio de la perpetuidad de sus poderes. Después buscará al siguiente aprendiz número 12.

Los 12 meses del año, los 12 apóstoles, los 12 signos del zodiaco... Cada uno de los 12 aprendices refleja una cara del ser humano: el leal, el traicionero, el valiente, el cobarde, el tonto, el listo y tonto que se lo hace, el doliente, el insensibilizado, … 12 maneras de ser una misma cosa, aprendiz.

Me recuerda que juzgo demasiado cual es la mejor actitud, la peor forma de ser, la destreza ideal,… pero tras las diversas formas y juicios, todos vivimos la experiencia de someternos cuando la sed de poder nos embriaga, incluso aunque suponga la autodestrucción.

El des-hechizo

El mago mantiene alejados a sus discípulos de dos cosas: el amor, a través de la prohibición expresa de tocar a las chicas de la aldea vecina, y la amistad, a través de promover la competitividad entre los 12 mozos.

De esta forma, el molinero se asegura de que no habrá nadie que les importe y que así estén dispuestos a hacer lo que sea preciso, se asegura de que no estén aferrados a la vida y que así él se la pueda quitar, y se asegura de que no organizarán un motín contra él y contra su poder: divide y vencerás. El mago transita entre un rol paternal hacia sus pupilos y una enorme crueldad de amo.

Sólo cuando Krabat se enamora siente que ya no es huérfano ni mendigo, y sólo cuando Lysschco escucha a Krabat decir que aunque no le cae bien nunca le haría daño, le siente amigo y deja de competir con él por el favor del maestro y su poder.

Me recuerda que la “magia blanca” surge del amor y del respeto por el otro, que hace que los seres humanos nos unamos y nos transformemos, obteniendo así una fuerza, que es superior a todo poder.

Contexto histórico

Investigando sobre la obra original, me encontré que estaba ubica en un tiempo y en un lugar al que he tenido acceso a través de la biografía de Perls y libros como Gestalt para principiantes y sobre todo El Berlín de Perls. Me ha parecido interesante hacer unas breves anotaciones.

Parece ser que la película conserva los mensajes de la obra original, con valores como la amistad, la lealtad y la valentía, opuestos a otros como la ambición, el poder o la envidia, presididos todos ellos por el mensaje de que “todo en este mundo tiene su precio” y defendiendo la libertad y el verdadero poder que reside en el amor.

En la novela de Otfried Preussler parece que tenían un claro sentido educativo y en cierto modo alusivo al embrujo que experimentó la juventud alemana durante el nazismo, cautivada por su ideología de superioridad aria.

La atracción que sienten los jóvenes aprendices hacia los poderes de su maestro (cambiar el tiempo, crear ilusiones, transformarse en animales,…) y la superioridad que sobre el resto de los mortales les confieren (con la capacidad de engañar, de robar,…) es lo que hace que no puedan renunciar a la vida del molino a pesar de estar, justamente, su vida en juego.

Muchos de los jóvenes de la Alemania nazi sucumbieron a esas tentaciones y terminaron involucrándose en terribles hechos que todos, en mayor o menor medida, conocemos.

Juanan de la Cruz

EYES WIDE SHUT

2010-03-03T06:46:00.000-08:00

Ficha técnica y artística

Dirección Stanley Kubrick.

Guión Stanley Kubrick y Frederic Raphael; basado en la novela «Relato soñado» de Arthur Schnitzler

Año1999

Interpretació: Tom Cruise (Dr. William "Bill" Harford), Nicole Kidman (Alice Harford), Sydney Pollack (Victor Ziegler), Leelee Sobieski (hija de Milich), Thomas Gibson (Carl), Marie Richardson (Marion). Madison Eginton (Helena Harford), Jackie Sawiris (Roz), Leslie Lowe (Illona), Todd Field (Nick Nightingale), Sky Dumont (Sandor Szavost), Louise J. Taylor (Gayle), Stewart Thorndike (Nuala).

Productora Warner Bros Pictures

Países U.S.A/ Reino unido

Género Drama. Intriga.

Duración 159 min.

Sinopsis

Los protagonistas son un matrimonio americano, William, médico y Alice, en paro, ama de casa, que tienen una niña. Llevan 9 años casados. Parecen felices, aunque un día Alice le cuenta a él sus fantasías eróticas y cómo estuvo a punto de dejarle por un hombre que ni siquiera conocía, un marine atractivo. Abrumado por esta confesión, William sale a la calle a visitar a un paciente, tras esto decide entrar a un bar donde se encuentra con un antiguo compañero de estudios, que actualmente es músico, Éste le cuenta una misteriosa historia de donde trabaja, William le convence para poder ir. A partir de aquí William contacta con una congregación secreta dedicada al sexo, en la que todos/as acuden con máscaras y se relacionan sexualmente unos con otros, o con varias personas, y William empieza a acudir a sitios, donde se abre a un mundo de fantasías y obsesiones sexuales, sin llegar a hacerlas realidad.

Lo que me remueve la película

Me he enfadado varias veces al ver la película por varias razones. Una es que no aparece una mujer ni medianamente fea, o con celulitis (que la tenemos el 99% de las mujeres), ni con los pechos caídos. Las mujeres que aparecen en la película, empezando por Nicole Kidman (Alice), todas son bellísimas, estilizadas rozando la anorexia, todas son perfectas, ninguna supera los treinta y pocos años, todas sin excepción llevan tacones y son seductoras en su comportamiento. Algo así como en los anuncios de la televisión. Me enfada que siempre aparezca este tipo de mujer como estereotipo, ¿no puede haber atracción sexual si una mujer no es así? Me entra la duda de si lo que siento es envidia, o frustración de que yo no soy así, aunque por otro lado me enfada que los medios de comunicación, las películas… impongan un estereotipo de belleza y de atracción sexual irreal, ya que en la vida real el sexo, la atracción, el deseo, las relaciones, existen entre personas que no son perfectas, ni tienen esa imagen, cuando voy por la calle pocas veces me cruzo con ese tipo de mujeres, que por supuesto, las hay, pero son una minoría.

La otra razón por la que he sentido enfado es porque juzgo a Alice y William (el matrimonio) por sus tonteos y seducciones con otras personas que no son su pareja, es mi prejuicio lo reconozco, y es algo que me hace sentir mucho dolor en mis relaciones de pareja, así que no he podido evitar sentir el enfado y la indignación, reconociendo al mismo tiempo que cada persona es libre de hacer lo que quiera en cada momento, y reconociendo que yo también lo hago, yo también seduzco a los hombres y tonteo con ellos, aunque no llegue a hacer nada con ellos, si estoy en una relación de pareja con otro hombre. Reconozco que me gusta sentirme atractiva y sentir que los hombres muestran interés por mí.

También he sentido miedo, miedo de ver hasta qué punto debido a los celos, en una pareja se puede hacer daño al otro/a por venganza, y por no sentir la frustración de que la otra persona es seductora, se le devuelve la moneda. Yo, en mis relaciones de pareja me he visto envuelta en situaciones similares, algo así como, “vale tu seduces, pues yo también, a ver cómo te sienta a ti”.

Sadismo y masoquismo

Se aprecia claramente el sadismo en este querer hacer daño al otro/a, cuando Alice le dice a William que deseó follar con aquel marine, y que en ese momento le hubiera dejado a él, a su hija y a todo. La manera de decírselo, cruel, riéndose, y atacándole, como venganza porque le había visto en una fiesta actuar seductoramente con dos chicas y porque siente celos de las pacientes a las que atiende William. También en ella se ve el masoquismo al preguntarle a William qué siente al tocar las tetas de sus pacientes, si se excita o no…

Por otro lado se aprecia el sadismo en William, ya que ante la confesión de su mujer, se va a buscar contacto con el sexo acudiendo a la fiesta de la congregación secreta, yéndose con una prostituta, dejándose besar por la hija de un paciente…

El masoquismo se aprecia claramente en William, en como se obsesiona y no para de pensar en su mujer follando con el marine aquel. Esta imagen la trae a su mente una y otra vez, además de otras fantasías, como imaginando a su mujer que le dice que ha follado con muchos hombres en aquella fiesta de la congregación secreta. La obsesión de William llega a tal extremo que en todas partes observa situaciones sexuales y sobre todo relacionadas con el deseo y con el dinero. Su conflicto está entre el amor o intimidad y la libertad, ya que si se siente libre de manifestar lo que siente, piensa que no va a ser querido, con lo que se dedica a confluir con su pareja: "Yo seré tu fiel compañero y amigo y tú me querrás". Por ello William oculta a su mujer sus contactos con el mundo sexual a parte de ella. Su ansiedad consiste en que si manifiesta algún sentimiento negativo o de libertad, puede perder la relación que ha logrado.

Otra característica del masoquismo que se observa en William es el abandono temporal de las propias responsabilidades, retornando a un estado "infantil" más libre dentro de su dependencia de otros (su mujer). William anula sus citas con pacientes y se va a la aventura del sexo.

En realidad sadismo y masoquismo es un círculo vicioso. El masoquismo es un sadismo vuelto hacia dentro y cargado realmente de odio hacia los/as demás. La salida al masoquismo es volcar el sadismo hacia fuera.

Me impacta ver como todos/as nos movemos del masoquismo al sadismo, en mi caso cuando advierto que soy sumisa, me rebelo y me voy a la dominación, a hacer daño, a devolver la moneda, cuando considero que alguien quiere aprovecharse de mi, me vengo de manera sádica, a veces consciente y a veces inconscientemente. Y cuando detecto que he sido sádica me voy al masoquismo y me culpo, me avergüenzo de mí, me castigo…, vuelco el sadismo en mí misma.

El engaño y la sinceridad

Ambos, Alice y William, se engañan, ella con la situación del marine y él manteniendo ocultas sus aventuras en busca de sexo. En la relación de pareja hay un error habitual y es el que aparece en una frase en la película, en una fiesta Alice baila con un hombre que le pregunta si está casada y le dice: “¿no crees que uno de los encantos del matrimonio es que hace del engaño una necesidad?”. Se da en bastantes personas la idea de que cuando uno/a se casa ya puede ser un cabrón/a, porque ya tiene algo y hay que maltratarlo (sadismo). Es un error, ya que una buena relación de pareja, a mi parecer, se basa en la sinceridad. Yo en mis relaciones de pareja valoro mucho la sinceridad, cuando veo que no existe, me duele mucho, me siento engañada, y pienso que no es lo que quiero realmente. El engaño me parece una falta de respeto y de confianza grandísima, y no la suelo perdonar.

Deseo, fantasía – Realidad

Los acontecimientos de la película, se centran en el deseo, sobre todo en el deseo sexual, en las fantasías que tenemos y que se nos abren ante otras personas. William no llega a hacer realidad sus deseos, se mueve en un mundo de fantasía y de deseo.

Al final de la película, cuando William le confiesa a Alice todo lo que ha hecho. Ella le contesta: “a lo mejor quizá debamos estar agradecidos por haber sobrevivido a nuestras aventuras, las reales y las que solo eran un sueño”. Pese a todo priorizan el estar juntos y el quererse. “Lo importante es que ahora estamos despiertos y que lo estemos mucho tiempo”, dice Alice, quitando importancia a las fantasías y dando importancia a la realidad, al aquí y ahora, al presente y a su relación. William le dice que para siempre, y Alice, con mucha sabiduría le dice que prefiere no usar esa palabra ya que le da miedo. Vuelve a utilizar el aquí y ahora, que es lo real, el para siempre es otra fantasía, y al mismo tiempo el para siempre, hace que reneguemos de otras fantasías posibles. Alice vuelve a centrar a William en la realidad diciéndole que lo más importante y que tienen que hacer ahora mismo es follar.

Me siento feliz al ver lo capaces que son de seguir juntos pese a todo, de volver a la realidad y olvidar y perdonar.

Yo me siento un poco como William, muy fantasiosa y tendente a obsesionarme, si desconfío de algo me hago mis imaginaciones, me obsesiono y llego a la paranoia, en mi dificultad para distinguir fantasía y realidad, no perdono las fantasías de mi parejas (ya que para mi son reales), ni mis obsesiones de desconfianza no se las perdono a la otra persona (ya que las equiparo a la realidad).

¿Qué es la vida? Un frenesí.

¿Qué es la vida? Una ilusión,

una sombra, una ficción,

y el mayor bien es pequeño;

que toda la vida es sueño,

y los sueños, sueños son.

"La Vida es Sueño" de Calderón de la Barca

Silvia Camio

TODA LA CULPA ES DE MI MADRE

2010-03-02T11:45:00.000-08:00

Ficha Técnica

Directora Cécile Telerman

Guión Cécile Telerman, Jérôme Soubeyrand

Música Jacques Davidovici

Fotografía Robert Alazraki

Intérpretes Patrick Chesnais (Henry), Mathilde Seigner (Alice Celliers), Charlotte Rampling (Mady Celliers), Olivier Marchal (Jacques de Parentis), Pascal Elbé (Antoine Celliers), Sophie Cattani (Annabelle Celliers)

Año de producción 2009

Duración 1:40

Sinopsis

La película cuenta la historia de una familia pudiente que vive en Paris. Bajo la apariencia de familia feliz la película desvela los conflictos existentes en el seno de la misma. El encuentro casual de unos cuadros revela un secreto familiar que provoca que los personajes empiecen a mostrar todas sus insatisfacciones haciendo que dicha ruptura y explosión de verdad les obligue a volver a recolocarse tomando decisiones más coherentes con su real querer. La película comienza con la frase de un experto en la radio que dice “las y los hijos tienden a repetir la historia de vida de su madre y padre”. A lo largo de la película los personajes consiguen dar un giro a este destino fatal.

Personajes

Henry- Es un empresario recién jubilado. Su buen hacer empresarial le ha llevado a enriquecerse y a tener muchos contactos. Tras la jubilación le cuesta ubicarse, no sabe cómo ocupar su tiempo. En la familia parece sólo importar por su dinero y utiliza sus bienes y contactos con el propósito de conseguir el cariño y felicidad de su familia.

Mady- Es una mujer resentida, está enfadada con la vida. Su matrimonio, el dinero y el estatus social le dan sentido a una vida que no le complace. Es presa de la opinión que de ella y su familia tienen otras personas. Se muestra fría y distante con su marido al que considera un estorbo. Choca mucho con su hija Alice dado que ésta le refleja una parte de sí misma que no quiere admitir.

Alice- Es una artista que se dedica a pintar cuadros con Madonnas ensangrentadas. Es la oveja negra de la familia dado su estilo hippie de vivir y su tendencia a pensar en el bienestar social en lugar de pensar sólo en el beneficio económico. Bajo la apariencia de mujer independiente se sustenta gracias al apoyo de su familia.

Antoine- Es un empresario de arroz arruinado. Se ha pasado la vida tratando de complacer a su padre y seguir sus pasos fracasando una y otra vez. En la búsqueda de aprobación no consigue crear algo propio y culpa a su padre por ello. Está casado con una genetista y tienen una niña y un niño.

Annabelle- Es la hija pequeña de la familia. Trabaja como enfermera y hace de consejera de su hermano consultando su destino en las cartas del tarot. También es confidente de su hermana a la que protege ante su madre. Trata de intermediar en los conflictos familiares.

Jacques de Parentis- Es un policía insatisfecho con su trabajo, su relación de pareja y su vida, en general. Lleva 20 años saliendo con una mujer con la que no termina de comprometerse. Parece haber vivido una infancia desdichada desde que con 5 años su padre, un famoso pintor, murió en un accidente de moto y su madre nunca logró recuperarse. Ahora no tiene relación con su madre y no parece tener ningún otro vínculo familiar.

Trama

Alice vive una vida destructiva, llena de excesos y poco amor por sí misma. Un hombre con el que ha mantenido una relación le tiende una trampa por la cual termina en comisaría. Allí, conoce a Jacques de Parentís y por alguna razón éste decide borrar las pruebas y absolverla sin cargos. A partir de este momento comienza una relación de complicidad entre ambos y empiezan a quedar.

Al de poco tiempo muere la madre de Jacques de Parentis. En el testamento, éste se entera de que su madre ha fundido todo el dinero de los cuadros de su padre y que lo único que queda son 15 cuadros que su padre escondió en algún lugar. Dichos cuadros pertenecen al hijo que debió de nacer del vientre de una mujer con la que tuvo una relación extramatrimonial.

La insatisfacción vital en la que vive Jaques de Parentis le impulsa a buscar los cuadros y al hijo bastardo de su padre para conseguir hacer un trato con él y obtener la mitad de la fortuna, con la esperanza de que dicho dinero le saque de su desdicha.

Acompañado por Alice, encuentran los cuadros en la vieja casa familiar de Jaques de Parentis. Cuál es la sorpresa para Alice cuando se da cuenta que la mujer allí retratada es su madre y por tanto el hijo bastardo debe de ser su hermano Antoine.

El destape de este secreto familiar provoca que la mentira en la que se ha construido la familia no pueda sostenerse durante más tiempo y que los personajes comiencen a sincerarse. La mentira servía para mantener a la familia unida. Una vez expuesta a la luz, ya no tiene sentido mantener los roles adquiridos y cada persona de la familia comienza a tomar decisiones más autónomas.

Reflexión

En mi opinión la película refleja muy bien cómo ciertos secretos familiares o lazos invisibles consiguen mantener unidos a los miembros de una familia. La ilusión de ser parte de una familia feliz hace que las personas que la componen no quieran tomar conciencia de los verdaderos conflictos existentes y de los roces que provocan las relaciones de dependencia. En la medida en la que uno/a va dándose cuenta de que en realidad las relaciones familiares no son tan placenteras y que existe malestar, va sintiendo el impulso de tomar distancia.

El esfuerzo que exige mantener la mentira fuera de la conciencia provoca un desgaste psicológico que de alguna forma pasa factura. Los miembros de la familia se sienten insatisfechos/as sin ningún motivo aparente y esperan satisfacer su vacío interior con la obtención de cosas externas; dinero, fama, status, etc.

Considero que vivimos en una sociedad de consumo que promueve esta idea de que cuantas más cosas tienes más feliz eres. Sin embargo, está sobradamente demostrado que nada externo puede llenar una falta de sentido vital. El camino de la verdad, aunque más arduo y espinoso es el único que revierte en mayor salud y bienestar.

Por otro lado, la película resalta la tendencia a repetir patrones familiares. De forma automática tendemos a repetir las formas de relacionarse de nuestra madre y padre, sus gustos, aficiones y oficios. Son aspectos que incluso pudiendo ser desconocidos, dado que pueden ser partes que él o ella rechacen, son recogidos e interiorizados para pasar a ser parte de una misma. Y yo me pregunto; entre la parte con la que una nace, y la parte con la que una se hace, ¿cuanto queda de autonomía?

Maite Blanco

COSAS INSIGNIFICANTES

2010-02-26T03:53:00.000-08:00

Ficha Técnica

Dirección y Guión Andrea Martinez Crowther

Año 2008

Género Drama

Interpretación Bárbara Mori (Paola), Fernando Lújan (Augusto Gabrieli), Carmelo Gómez ( Iván), Lucía Jiménez (Eli), Paulina Gaitán (Esmerlda), Blanca Guerra (Mara), Arturo Ríos (Tomás)

Sinopsis

Esmeralda es una adolescente con una extraña obsesión: colecciona objetos perdidos, olvidados o tirados por gente que no conoce, y los guarda en una caja. Esta es la historia de tres objetos de la caja y de la gente que hay detrás de ellos, todos de alguna manera incapaces de conectarse con quién más aman. Es también la historia de la caja misma y de cómo Esmeralda aprende a abrirla, a sentir y a atesorar lo más valioso de todo: las relaciones humanas.

Las historias se van entrelazando hasta construir un mosaico de personas hilando historias paralelas.

Comentario personal

La película tiene un ritmo lento, al principio pensaba que no iba a poder verla hasta el final, pero…poco a poco me ha enganchado y he visto el atractivo de la película.

Los objetos que aparecen y recopila Esmeralda en un maletín, tienen un punto en común y pasa por varios personajes de la película hasta dar forma y dar lugar a un argumento.

En un principio por no ver los pequeños detalles, no era consciente que detrás de esos objetos escondían un gran significado de la película. Eran más que un pequeño objeto. Si analizamos en nuestra vida lo que tenemos en nuestros cajones, lo que guardamos, lo que nos regalan…todo tiene un valor y a cada uno le damos un sentimiento diferente.

Para algunos pueden pasar desapercibidos, para otros pueden ser grandes amuletos que confían en ellos…para mí, guardan recuerdos del pasado.

Si analizo en mis cajones, tengo pequeños objetos, papeles…que a simple vista no parecen que tienen importancia, pero..que para mí me es muy importante, porque representa un momento muy significativo en mi vida: con amigos, con mi familia, con personas que hoy en día no sé nada de ellos…y el punto en común de todos es que es algo agradable para mí, me acerca a la situación que sentí.

En la película se esconden historias melancólicas, tristes, pesimistas…difíciles de digerir que a cada personaje ha tenido que vivir con ellas y arrastrarlas durante años sin poder asimilarlas y sin poder solucionarlas: un cáncer, un abandono, desconocer que tiene un hijo de 5 años…etc.

Todos los objetos de la película que esconde el argumento de la película, acaban en un baúl con otros objetos insignificantes que los recoge Esmeralda, una chica adolescente de Mexico D.F de una familia desfavorecida y sin padres que se tiene que hacer cargo de su abuela y hermana pequeña.

Esmeralda, tiene una personalidad que me recuerda mucho como me comporto y cómo es mi carácter. Es una chica que sufre muchas jaquecas, es una chica que se ve que no es feliz, se le ve triste a lo largo de toda la película y no está satisfecha con su entorno, con su vida. Al final, hace cosas que se arrepiente y al final se da cuenta que hace daño a sus seres más queridos, eso le hace recapacitar y darse cuenta que ni le conviene a ella ser así ni le conviene a sus seres queridos que sea así. Quiere huir, pero se da cuenta que ese es su sitio y que su hermana pequeña le necesita.

Mi vida la veo como un puzzle, es más me encanta hacer puzzles. En ocasiones, me cueste mucho encajarlas y a veces parece que encajan pero no es su sitio y mientras el puzzle va avanzando, tienes que desestructurarlo para darle la forma correcta, pues mi vida de alguna manera lo veo así. Debe encajar horarios, lugares, personas, actividades…si algo cambia, veo el caos, el desorden…de alguna manera todas las piezas de mi vida deben encajar para que mi actitud y mis pensamientos no se desmorone. En ocasiones, pienso que es imposible que encaje las cosas pero poco a poco hay una forma y todo tiene un lugar, un horario…un sentido.

En la película, todas la piezas deben encajar y las piezas son los objetos con una historia detrás. Al principio parecía que no había una forma, un contenido claro, una historia sin profundidad pero conforme la película va transcurriendo da lugar un argumento que tienen algo en común.

Pienso que es una película muy gestáltica, ya que, los personajes, el tiempo y el lugar siempre es el mismo pero según desde el punto de vista de quien lo cuente el significado y los sentimientos son diferentes en la historia. La asignatura pendiente de cada personaje es la soledad, la incomunicación y los desencuentros. Factores que en más de una ocasión, hemos podido vivir y estar en la actualidad sin haberlas solucionado y llevándolas arrastras sin que muchas de las personas que nos rodean en muchas situaciones cotidianas ni se lo intuyan. Nos ciegan para percibir los problemas de fondo.

A parte de que en la vida, si somos conscientes de las cosas insignificantes de las cosas podemos ser más felices pero en muchas ocasiones, en el día a día nos invaden sentimientos, historias...que no somos capaces de percibir esencias, ni detalles que nos pueden estimular, nos desconecta de las pequeñas percepciones y no somos consciente de lo que nos rodea con un punto de frescura y con positivismo.

Todos los personajes de la película esconden un problema, y todos lo sufren según donde estén en la historia. El único personaje que veo inocencia, y sensaciones positivas y sin preocupaciones desde el principio hasta el final de la película, es el niño de 5 años, quizás por desconocimiento de su enfermedad y por la edad que tiene, ya que, la ingenuidad hace que desconozcas el dolor de su propia historia.

Al final, los adultos cuando se enfrentan a su propia historia, se puede ver luz y alguna pincelada positiva.

El entorno donde se desarrolla el trama, ayuda a ver la absoluta tranquilidad y a meterte en las escenas de desencanto como por ejemplo la urbe, los amaneceres de diferentes tonalidad, la nieve….

Estitxu Jiménez

PRECIOUS

2010-02-24T10:54:00.001-08:00

Ficha Técnica

País Estados Unidos

Año 2009

Duración 110 min.

Director Lee Daniels

Producción Lee Daniels, Oprah Winfrey, Tom Heller, Tyler Perry

Guión Geoffrey Fletcher

Música Mario Grigorpov

Fotografía Andrew Drunn, Darren Lew

Montaje Joe Klotz

Reparto Gabourey Sidibe (Clareece “Precious” Jones), Mo’Nique (Mary), Paula Patton (Srta. Rain), Mariah Carey (Sra. Weiss), Lenny Kravitz (John), Stephanie Andujar (Rita), Chyna Layne (Rhonda), Angelic Zambrana (Consuelo)

Basada en la novela “Push” de Sapphire, esta película nos presenta la dramática historia de Precious, una joven afroamericana de dieciséis años que vive en el neoyorkino barrio de Harlem junto a una madre que la trata como a una esclava, la pega y la humilla, mientras ella se pasa los días enteros tirada en un sofá tragándose innumerables horas de telebasura. Precious soporta este infierno a diario mientras acude al colegio donde también es humillada por su obesidad y su analfabetismo. Un día es llamada al despacho de la directora para informarla que ha sido expulsada debido a que está embarazada de su segundo hijo, fruto de los abusos sexuales a la que la somete su propio padre. Mary, la madre de la joven, opina que la escuela no sirve para nada y que más le valdría ir a los servicios sociales para, siguiendo su propio ejemplo, vivir de las ayudas económicas. Pero Precious sueña con ser alguien importante en el futuro, alguien a quien la gente admire y respete, una personalidad famosa, y para ello quiere aprender a leer y a escribir, quiere ir a la universidad. La misma directora que la expulsó del colegio le informa de una escuela alternativa para casos de analfabetismo como el suyo, donde a cada alumno se le hace un seguimiento individualizado. En esa nueva escuela conocerá a la Srta. Rain, la primera persona que la respeta y trata con cariño en toda su vida. Es a partir de este momento en el que la vida de Precious dará un giro definitivo gracias al amor y a la recién adquirida capacidad de dar salida a su dolor, su miedo y su rabia a través de la escritura.

Un ciclo continuamente interrumpido

A Precious le faltan referentes externos que le ayuden a cuestionarse la realidad que está viviendo y la posibilidad de cambiarla. En sus dieciséis años de vida apenas ha tenido amigos con los que desahogarse y ningún adulto de su entorno se ha preocupado por su situación más que para juzgarla y menospreciarla. Su desestructurada existencia es lo que ella considera normal y tan sólo los personajes famosos de la televisión le hacen albergar una lejana posibilidad de una vida mejor. Nunca se ha sentido querida y las únicas caricias recibidas han sido fruto de la perversión de su propio padre.

Con estos antecedentes es fácil entender que Precious haya desarrollado una serie de mecanismos neuróticos de defensa que la impiden una y otra vez encontrar la única salida a ese bucle vital que la mantiene prisionera. Esa salida es el contacto. Contacto con ella misma, con su dolor y su rabia, y contacto con los demás, el único modo de poder dar y recibir amor y sanar a través de él.

A través del mecanismo de la represión, la joven protagonista queda insensibilizada ante el dolor y el abuso obteniendo como beneficio la capacidad de aguantar día a día su situación.

Con la proyección pone fuera aquello que la sensación de abuso le provoca para evitar darse cuenta del mismo. Así por ejemplo se erige en la protectora de un profesor al que admira, frente al alboroto de los gamberros de clase, mientras que soporta en silencio los golpes e insultos de su madre.

En las raras ocasiones en las que toma conciencia del abuso y la agresión de la que está siendo víctima, es incapaz de energetizarse para hacer algo que le saque de esa situación. En su cabeza bulle un torbellino de pensamientos que la retienen mientras consumen su energía, creencias acerca de sí misma, de la familia y de la vida que, de tanto oírlas, las considera ciertas: “eres peor que un animal”, “sin mí no serías nada”, “con todo lo que hago por ti…”, “eres una inútil”, “eres una puta”, “tenía que haberte ahogado con mis piernas cuando naciste”, “te quiero a ti más que a tu madre”,… Al carecer de otras referencias externas, Precious no ha podido desarrollar una actitud crítica frente a estas ideas y las ha introyectado como quien se traga una fruta sin masticar.

Hay momentos en que la presión de las circunstancias externas es tan fuerte que se produce una inmediata energetización pero aun así, antes de que pueda llevar a cabo una acción liberadora en el exterior, Precious vierte esa energía rabiosa y violenta contra sí misma, comiendo vorazmente hasta vomitar, despreciándose y deseando su propia muerte. Esta retroflexión libera ciertamente la energía acumulada pero, lejos de cambiar nada, posterga y empeora la situación inicial.

Hay una escena en la que volviendo a casa, Precious se cruza con unos chicos que la insultan, se ríen de ella y finalmente la agreden tirándola al suelo. Todo hace pensar que ella reaccionará violentamente como acostumbra a hacer con los gamberros del colegio pero en lugar de ello se evade mentalmente de esa situación para imaginarse sobre una alfombra roja ante decenas de fotógrafos y de fans que la aclaman mientras ella les dedica sonrisas, besos y sugerentes poses. Hace exactamente lo mismo que en cada ocasión en la que su padre abusa de ella o su madre la pega, evita tomar contacto con la realidad presente, deflecta como mecanismo de evitación de una experiencia que no puede o no quiere asumir.

La aparición de la Sta. Rain en la vida de Precious es el factor desencadenante de la ruptura del círculo vicioso de analfabetismo-aislamiento-indefensión-abuso-desmotivación-analfabetismo. Esta profesora se propone enseñar a leer y a escribir a Precious y, además, en el desempeño de su cometido, le dispensa un trato de afecto y respeto que remueve todos los cimientos enfangados en los que la joven Clareece “Precious” Jones ha edificado su fragmentada identidad. No sin resistencia y desconfianza, nuestra protagonista se abre poco a poco a esa mujer desconocida que la trata mejor de lo que su propia madre lo haya hecho nunca. Su apertura al contacto con la Srta. Rain le abre las puertas del afecto, de las ganas de ser mejor persona, de ayudar a otros. Su motivación le lleva a aprender a leer y a escribir. Es precisamente a través de la escritura de un diario, como la joven encuentra una vía de expresión de todo lo que le ocurre, siente y piensa. Ya no necesita llevar su dolorosa realidad como una carga pesada que tiene que ocultar a los demás por miedo al rechazo, a la humillación, al abandono o a la pérdida de las ayudas económicas.

Para que Precious pueda emprender una nueva vida llena de oportunidades, de gente que la quiera, la cuide y la respete, de un concepto más amable y real de sí misma, y de una ocupación que le permita realizarse y ser independiente económicamente, necesita afrontar el último de los mecanismos de defensa que la ha mantenido prisionera de su drama familiar y personal: la confluencia con su madre. A pesar del maltrato y de las muestras más que evidentes de que su madre no la quiere, Precious nunca ha optado por escapar de casa, denunciar su situación a la policía o solicitar ayuda a las instituciones sociales. Ella no puede aceptar que su madre no la quiera, por eso sigue a su lado, cocinándole, fregándole, comprándole el tabaco, echándole la loto. Alberga la esperanza de que algún día su madre se sienta orgullosa de ella, quizás apareciendo en esa pantalla de televisión a la que está enganchada día y noche.

La confluencia desaparece cuando Precious se enfrenta a la cruda y dolorosa verdad pronunciada por boca de su madre frente a la asistente social: ella era consciente de los abusos a su hija desde que tenía tres años pero no hizo nada por miedo a perder a su hombre. Consideraba culpable a la niña por haber seducido a su marido. Por eso la despreciaba. Tras esta escalofriante confesión Precious decide que no quiere volver a ver a su madre, rompiendo de este modo el último eslabón que lastraba su nuevo proyecto de vida.

Una puerta a la esperanza

Aunque tendemos a pensar que una infancia dañada da como resultado una vida de infelicidad, dolor e insatisfacción, la realidad nos demuestra una y otra vez que no tiene porque ser así. La historia de Precious, aunque se trate de un relato ficticio, nos da una clave que ha confirmado su eficacia en innumerables casos reales de personas cuya infancia se ha desarrollado en diversas circunstancias traumáticas como abandono, maltrato físico o psíquico, abuso sexual, explotación y guerras. Alice Miller lo denomina “testigo empático” y Boris Cyrulnik “tutor de resiliencia”, en ambos casos se trata de un adulto que reconoce ante el niño el daño del que este está siendo víctima y actúa en consecuencia dispensándole de un modo u otro protección, afecto y en ocasiones un modelo a seguir. Esta intervención, que puede darse durante la infancia o en la vida adulta, establece un punto de anclaje para comenzar a elaborar el proceso de sanación.

La Terapia Gestalt nos permite, a través de los diálogos internos, ser nuestros propios tutores de resiliencia para que, desde nuestra comprensión actual, miremos de forma objetiva los hechos traumáticos del pasado y podamos dirigirnos a ese niño dañado que llevamos dentro, exculparle del maltrato sufrido y acogerle, aceptarle, protegerle y amarle como merece por el simple y maravilloso hecho de haber nacido. De este modo el dolor y la culpabilidad del pasado dejan de ser el lastre que nos impide trascender el bucle de un ciclo continuamente interrumpido.

No quiero terminar este comentario sin llamar la atención sobre la responsabilidad que tenemos todos los adultos para con los niños. La infancia es un patrimonio de la humanidad y no sólo de los padres. Aquello que reciban ahora nuestros niños será lo que defina la sociedad en el futuro.

Yo apuesto por más besos y menos azotes.

Pedro Alonso